miércoles, 31 de marzo de 2010

FRANKENSTEIN

Guión: M. Mousse adaptando a Mary Shelley

Dibujo: Marion Mousse

Editorial: Ediciones SM

Formato: Libro Rústica. 142 Páginas

Precio: 14.95€

Calificación: 7/10

Si hace unos días comentaba en la entrada de Robinson Crusoe que de la novela de Defoe nunca había leído nada, y que en lo que respecta a las películas rodadas sobre el personaje había visto (o creía haber visto) al menos dos, de Frankenstein tengo que afirmar todo lo contrario: mucho tiempo ha que disfruté como un enano con la novela de Shelley (y no sólo porque fuera un cuasi-adolescente, que también) dejándome arrastrar por la fascinante historia que la escritora desarrollaba en las páginas de su relato más legendario; y en lo que respecta al cine, puedo afirmar con tranquilidad que he visto todo lo que se ha rodado con respecto al personaje, desde la genial cinta con Boris Karloff, y su aún más genial secuela, hasta la injustamente denostada (aunque no por ello menos megalómana) versión de Kenneth Branagh pasando, como no, por la hilarante El Jovencito Frankenstein de Mel Brooks.

Sea como fuere, el conocer la historia del Doctor Víctor Frankenstein y su creación como la conocía, me hacía temer por cómo se adaptaría esta al cómic (y más teniendo el maravilloso precedente de lo que hizo Bernie Wrightson) un temor que conforme avanzaba la lectura se iba disipando por momentos debido al más que correcto trabajo que realiza Marion Mousse.

Muy a la manera en la que Gaultier afrontaba su visión de Robinson Crusoe, Mousse realiza con el presente volumen (que incluye los tres editados por Delcourt) una aproximación extremadamente fiel al texto original, comenzando tal y como arranca la novela, con el texto epistolar del capitán Walton, y narrando de esta manera la vida del doctor a modo de prolongados flashbacks en los que iremos conociendo la triste suerte que corren todas las personas que rodean al protagonista. Y si con el trabajo de Gaultier comentábamos que lo realmente llamativo no era cómo de fiel era su traslacion de la historia a las viñetas, con Mousse tenemos que afirmar casi lo mismo: su trazo (clarísimamente influenciado por el de Frederik Peeters, tanto que bien podría haber sido dibujado por el suizo) sirve a la historia a la perfección, apoyándose la artista en la redondez de un dibujo al que le sienta estupendamente la elección de una soberbia paleta de tonos oscuros y térreos, concretando, en su conjunción con la parte escrita, una lectura muy amena que no deberiáis dejar escapar.

Sergio Benítez (366)

martes, 30 de marzo de 2010

La ESCENA del CRIMEN

Guión: Ed Brubaker

Dibujo: Michael Lark

Editorial: Norma

Formato: 2 Libros Rústica. 48 Páginas c/u

Precio: 3.5€ c/u

Calificación: 8/10

A pesar de mi tendencia natural a acudir a fuentes pijamistas siempre que piso una tienda de comics (me atraerán los colorines, digo yo...), y a mi terror natural a todo lo europeista y el estilo “slice of life” de contar historias de muchos autores independientes americanos, debo reconocer mi debilidad por el sello Vertigo, donde he podido encontrar refugio tras la debacle pijamista de los útlimos años, provocada por una sobresaturación de Crisis, Noches Oscuras y Reinados todavía mas oscuros, y por la vuelta a los 90, donde sólo nos faltan las tintas holográficas para volver a un tiempo en que era necesario seguir simultáneamente 32 series para entender algo.


Este rollo que os acabo de endilgar viene al caso porque cada vez con mas frecuencia prefiero releer una determinada etapa o pequeño proyecto de autores ya consagrados, que intentar seguir al día de las novedades de las distintas editoriales americanas, y como ejemplo, tenemos a Ed Brubaker. El escritor americano, famoso en los últimos años por haberse cargado al Capitán América, y según parece, también por volverlo a traer de vuelta (¿véis lo que os decía?), es uno de mis guionistas preferidos, siempre que se ciña, como cierto mutante canadiense, a lo que mejor sabe hacer: escribir cine negro.


Y es que se nota a la legua cuando la serie que tiene entre manos es de encargo, o cuando se le da la suficiente libertad para hacer y deshacer a su antojo, o lo que es lo mismo, parece que el pijamismo le constriñe (esos trajes son ajustados) y se mueve mejor en ambientes pequeños. Así, y dado que sus recientes etapas en Daredevil o el Capitán América han sido ya comentadas por aquí, me centraré en su otra faceta de producción, donde obras como Sleeper o Criminal han supuesto el encuentro del gran público con la novela negra.


Pero vayamos entrando en materia, que se me acaba el espacio. La Escena del Crimen, publicada entre Mayo y Agosto de 1999 por el sello Vertigo, sigue la pista a Jack Herriman, detective privado que anda tras los pasos de su padre, un detective de policía asesinado, y del último caso que ha decidido aceptar, el de la desaparición de una chica, a la que relacionan con una secta, y a la que su hermana hace semanas que no ha vuelto a ver. Como es habitual en las obras de Brubaker, un encargo sencillo terminará complicándose, y nuestro protagonista se verá inmerso en una trama de traiciones que se inició hace veinte años.


La miniserie de cuatro números, que debía dar pie a una serie regular que nunca vió la luz, es una muestra más de la genialidad del guionista a la hora de describir personajes, situaciones y ambientes totalmente creibles, de hacernos partícipes de coartadas falsas, asesinatos y todos los detalles de ese particular submundo, y se agradece que su compañero de viaje sea Michael Lark, con quien ha repetido colaboracion en infinidad de proyectos hasta la fecha, y quien retrata fielmente esos ambientes enterrados en sombras, con personajes de turbulentos pasados y policías corruptos.


Jose (41)

lunes, 29 de marzo de 2010

ELEKTRA SAGA

Un conciso aviso para navegantes: debido a las vacaciones, esta Semana Santa no actualizaremos ni jueves ni viernes.

Que tengáis un buen descanso.

'Nuff Said!!




Guión: Frank Miller

Dibujo: Frank Miller

Editorial: Fórum

Formato: 4 Prestigios. 64 Páginas c/u

Calificación: 9/10

Hoy vamos a hacer un poquete de bricolaje. ¿Te parece bien?

Primero que nada ve a tus estanterías y localiza tus ejemplares de la mítica etapa en Daredevil de Frank Miller. Ahora haces un montoncito con todos aquellos en los que sale Elektra. ¿Ya? Pues éste es el momento de hacer de tripas corazón, agarrar unas tijeras y cortar todas aquellas páginas en las que sale ésta muchacha. Después te armas de cola blanca y un poco de paciencia y te montas un tomete con la historia de Elektra en orden cronológico a través de sus apariciones en la serie del cuernecitos.

¿Cómo? ¿Que no quieres destrozar tus adorados tebeos del abogado justiciero? Pues nada, siempre te queda la opción de intentar conseguir los cuatro tometes que publicó Forum allá por el año del peo y que un servidor de ustedes tiene en su casita, o incluso el TPB de Marvel del año 90 que todavía es encontrable en ciertos círculos de internet.

La verdad es que a éstas alturas contar la historia de Elektra, de la muerte de su padre, su intento fallido de entrar en La Casta, la oportunidad que le brinda Stick, su posterior expulsión de allí y entrada en La Mano, el reencuentro con Murdock, su muerte a manos de Bullseye y supuesta posterior resurrección por parte de Piedra con la purificación de su alma, creo que es algo que no hace falta hacer porque es un personaje de sobra conocido por todos.

Lo de supuesta resurrección lo digo porque yo soy de los que piensan que aquí terminaba la historia de Elektra. El epílogo en el que se le ve escalando la montaña y lográndolo siempre lo he considerado más una metáfora sobre la purificación de su alma para descansar en paz que como una demostración de que continuase viva. La muchacha que lleva años paseándose por el Universo Marvel y fue sustituida por Veranke no tengo ni idea de quién es, pero ésa no es mi Elektra.

Calificar a nivel de ¿guión? ésta obra no es fácil. Más que nada porque el guión no existe, es un copiapega de muchas grapas de Daredevil, incluso se notan ciertos saltos de continuidad y falta de información en parte de la historia al no estar el resto de las historias que se han recortado. En cuanto al dibujo ya sabéis lo que hay: el Miller ochentero.

Pues eso, que al margen de una rara curiosidad destinada a completistas, poco más se puede decir de ésta saga de Elektra. Entonces ¿por qué le doy un 9? Pues porque se trata del Daredevil de Miller. No le puedo dar el 10 que se merece por la masacre y destrucción realizada en las grapas para montar éste collage, pero el 9 no se lo quita nadie.

Nacho (44)

viernes, 26 de marzo de 2010

ZORA y los HIBERNAUTAS

Guión: Fernando Fernández

Dibujo: Fernando Fernández

Editorial: Glénat

Formato: Álbum Cartoné. 102 Páginas

Precio: 25€

Calificación: 8.5/10

A estas alturas, después de lo que ya hemos hablado de él por activa y por pasiva, decir que Fernando Fernández es un genio del noveno arte es una obviedad como la copa de un pino. Lo que no resulta tan obvio quizás es matizar tal afirmación y, como ya hicierámos en la última recomicdación del artista que publicamos por estos lares, acotarla a lo que a dibujo y narrativa gráfica se refiere ya que, en cuanto a guión, los trabajos del autor en solitario nunca llegaron a estar a la altura de lo que visualmente era capaz de ofrecer. Y si bien en Cuba y en las historias sueltas que recogía el volumen de Cuando el Cómic es Arte esto era más que patente, aquí en Zora, la fuerte diferencia que en los anteriores se palpaba queda algo diluida gracias a un guión que se antoja más trabajado.

No es que la historia de Zora y los Hibernautas sea un dechado de originalidad, ya que la lectura va dejando un constante regusto familiar mediante el que resulta un proceso bastante sencillo anticiparse a alguno de los momentos clave en el desarrollo de la acción. Ahora bien, para crédito de Fernández, estos momentos son los menos y la inmersión en el relato de una fémina imposible miembro de una sociedad matriarcal que encuentra a un grupo de hombres hibernados desatando así una guerra civil en su entorno resulta, en la mayor parte de su desarrollo, tan apasionante como anárquica, echando mano el artista de cualquier herramienta argumental que le sirva para seguir avanzando en el relato. Así, no resulta extraño que en un tebeo que bebe de tan diversas fuentes como es este, nos encontremos con que el autor español mezcle ciencia-ficción a lo space opera (y aquí Alex Raymond y su Flash Gordon tendrían mucho que decir) hasta mundos post-apocalípticos que parecen sacados ya de aquél futuro distópico que pintaba La Fuga de Logan, ya del que dibujaba H.G.Wells en su Máquina del Tiempo con esos Morlocks que esclavizaban y mataban a los Eloi.

Pero Fernández no se conforma con dejarse "inspirar" por tan honrosas influencias, sino que va más allá e introduce, muy a la manera en la que se hacía a finales de los setenta (principios de los ochenta) en la ciencia-ficción, claves filosóficas, metafísicas, existencialistas e incluso algo lisérgicas (ese recuerdo del viaje al interior de un ser supremo tiene mucho de alucinógeno), encarnadas todas ellas en la figura de los protagonistas principales, Zora y Amon, prestando el autor gran atención a aquella que da título al tebeo, una mujer cuya determinación y voluntad son el motor que mueve toda la acción. Es para ella para quien Fernández reserva lo mejor que su mitad escritora puede dar de sí, aunque en este punto habría que achacarle que, frente a la profundidad que desarrolla en ciertos aspectos del guión, la relación que se establece entre los protagonistas sea en cierto sentido bastante pueril, algo que, no obstante, se podría justificar desde cierto punto de vista si así se quisiera.

De todas formas, querer entrar en cierto tipo de disquisiciones es buscarle tres pies al gato cuando lo que queda muy claro al finalizar la lectura es que la historia de Zora y los Hibernautas sirve a la perfección a lo que resulta más apasionante de aquella, el maravilloso disfrute que se deriva de la contemplación de todas y cada una de las páginas que componen el volumen. Y aquí no hay paliativos posibles que criticarles a un dibujante que echa el resto en cada plancha, componiendo a su antojo con una narrativa que huye del encierro de la viñeta para construir un nuevo tipo de lenguaje en el que cada página puede verse como un todo o como las partes en las que se divide. Partiendo de la partícula más pequeña de significado de la estructura narrativa, Fernández es capaz de montar un macro-universo lleno de matices en el que segundas y terceras lecturas irán desvelando nuevos detalles que enriquecen sobremanera lo que el lenguaje escrito no es capaz de alcanzar. Experimentando con todas aquellas técnicas que tiene a su alcance, de Zora no se puede decir que el ojo se acostumbre y amodorre, ya que cada nuevo tornar de hoja supone un reto para un lector que no sale de su asombro: tratando la concepción global de todo lo que aparece en el cómic como si de un biólogo se tratara, el prisma orgánico (y en este sentido el diseño de las naves es fascinante) que utiliza el artista echa mano desde el lápiz directo en blanco y negro al óleo, pasando por lápiz a color, acuarela o tinta en un fascinante y soberbio recital capaz de dejar extasiado hasta al más pintado.

Decía al principio que hay ciertas afirmaciones que resultan muy obvias. Pero si son de la magistral magnitud que Fernández era capaz de desarrollar antes de retirarse al mundo de la pintura, ¿a alguien le importa?.

Sergio Benítez (365)

jueves, 25 de marzo de 2010

X-MEN: GÉNESIS MORTAL

Guión: Ed Brubaker

Dibujo: Trevor Hairsine

Editorial: Panini

Formato: 6 Comic-book. 24/36 Páginas

Precio: 2.50€ c/u

Calificación: 5.5/10

Si algo han demostrado los últimos años de comics sobre los mutantes de Marvel es que siempre se les puede joder un poco más. Cuando empezaban a tener un presente prospero para la raza homo superior BUM! Llegó la diezma.

Pero al parecer para Brubaker fue poco así que probablemente pensó qué podría hacer para hundir un poco más en la miseria a los X-men. Fácil, destruir a la figura patriarcal de todos los mutantes.

Génesis Mortal es una miniserie en la cual nos demuestra (como yo ya sabia) que nuestro querido profesor Charles ha sido y es un manipulador egocéntrico a la altura de Erik Magnus (nuestro querido Magneto). Pero al menos este no lo niega.

La miniserie nos cuenta en seis partes un gran y oscuro secreto, algo que ocurrió hace mucho tiempo, cuando la primera generación de X-men casi forma parte del almuerzo de una isla mutante. Además de este descubrimiento tan chungo, la miniserie nos responde a la incógnita sobre la situación de Charles después de Dinastía de M, ya que no se le ha visto el pelo desde entonces. También conoceremos a un nuevo/viejo mutante cuya importancia ha ido en aumento durante la última época, aunque para la mayoría es solo un tipo odioso al que todo el mundo odia (a lo Sentry/Vigía).

Con tanto misterio y eso podría parecer que la miniserie es genial y la verdad es que no tanto como debería. Lo primero es que le sobran por lo menos dos números, lo segundo es que el final es abierto a más no poder, con cartelito de “Continua en Patrulla X (Uncanny X-men)” y lo tercero es que el dibujante muy bueno no es. Los hay peores, por supuesto pero Trevor Hairsine tiene unos cuantos defectos, como el de dejar desnudos a ciertos personajes (¡!) para que el colorista les pinte el uniforme (¿¡?!) algo que queda bastante cutre.

Lenta, dibujo regulero, retrocontinuidad… parece que no tengo nada bonito que decir de esta miniserie, pero no es cierto del todo. La historia, a pesar de sobrarle perfectamente dos cómics, se complementa al final con relatos cortos sobre unos mutantes cuya existencia desconocíamos dándole más consistencia a la trama. Otro punto positivo es que por fin le dan a Scott Summers (Cíclope) el empujón definitivo para dejar de estar a la sombra de el profesor, aunque en mi opinión hace siglos que no lo estaba.

Recomendada fundamentalmente a los completistas o a los que quieren conocer con más detalle el origen de Vulcano. ¿Qué quién es Vulcano? Bueno, ya te he dado una excusa para leerla.

Sebastián (21)

miércoles, 24 de marzo de 2010

El EMPERADOR OCÉANO

Guión: Baranko

Dibujo: Baranko

Editorial: Norma

Formato: 3 Álbumes Cartoné. 48 Páginas c/u

Precio: 9€ por los tres

Calificación: 3/10

Al igual que el mismísimo Depredador, salí esta navidad de cacería por tiendas de cómic antiguo y descatalogado y unas de las cosas que me lleve fueron estos tres álbumes europeos editados en 2005 y 2006 por Norma. El precio, a toda vista tentador, era de 9 euretes por los tres. Siendo además unos tebeos a los que les eche en su día el ojo, sin decidirme a comprarlos (bendito el instinto del cazador de comics); todo esto hizo que me los echara a la saca y este mochuelo que os escribe se fuera tan contento a su olivo con esta ganga debajo del ala (entre otras cosas). Al par de meses acometí su lectura.


Del ucraniano Igor Baranko, autor de la saga La Danza del Tiempo editada hoy en día también por Norma, El Emperador Océano se compone de tres títulos: La Horda, La Tumba y Reencarnación. La historia trata de un antiguo escritor de ciencia ficción que se convierte en el dictador de todas las Rusias y cegado por la avaricia y la sed de inmortalidad invoca el espíritu de Genghis Khan y su horda de oro para arrasar con el mundo occidental pero el y su policía secreta empezaran a tener problemas de diversa índole. Hasta aquí el argumento me recordaba a La Emperatriz Roja de Dufaux y Adamov, ese viaje alucinante por una Rusia hipotética, tecnológica y a la vez medieval. Pero la saga de Dufaux está a años luz de esta de Baranko. Y me explico: Baranko introduce en la trama con pasmosa facilidad pero difícil resultado y grandioso sin entido a monjes budistas, demonios del averno, soldados chechenos que vuelan y no mueren, agentes de la KGB sin cabeza, hordas de mongoles descerebrados, gitanas hechiceras, clones de Abraham Lincon, Isaac Newton, Lenin, mutantes de Chernobyl, incestos entre deidades y algún que otro elemento demencial.


Da la sensación que este hombre quedó para comerse un acido y fumarse toda la marihuana del mundo con Jodorowsky, pero llegó a tal cita borracho perdío de vokda y aterido y no pudo tomar las lecciones surrealistas y psicotrópicas del chileno loco porque el resultado es delirantemente malo.


Del dibujo hay que hacer mención aparte, pues es un dibujo excesivamente grande, sobre todo en las figuras humana, feista, a ratos grotesco, a ratos sucio, con una paleta de colores tirando a oscuro, pero que tiene algo que le hace ser peculiar y llamativo. Y más para este tipo de historias. Eso fue otra de las cosas que me llamo en su día, pero claro con esta historia tan demencial y pésima todo se va al traste.


Después de conocer estos comics, me costara leer algo de este autor al que Norma, extrañamente, ya le ha editado dos sagas que yo sepa. Y resumiendo, nueve euretes que aunque no supongan un gran desembolso si que hay mil maneras de aprovecharlos mejor: por ejemplo, unas cervezitas con los amigos.


Toni (23)

martes, 23 de marzo de 2010

LEGENDS

Guión: John Ostrander & Len Wein

Dibujo: John Byrne

Editorial: DC

Formato: TPB. 140 Páginas

Precio: $9.95

Calificación: 8/10

Como en toda buena recomicdación que se precie, al menos, en las que escribe un servidor, echemos mano una vez mas de la nostalgia, esa peligrosa arma que nos obliga a comprar la edición definitiva de la serie completa de McGyver en DVD y las ediciones en tapa dura de Ultimate Heidi.


¿Estáis todos listos? Allá por 1986, cuando los colores de los comics se añadían con puntitos, y Ediciones Zinco publicaba en España los títulos de DC, nos llegaba una de aquellas series “de compra obligada” para cualquiera que se hubiese enganchado ya al tema tebeil (sí, en 1986 ya compraba cómics, con lo que deducimos que soy muy mayor y también muy freaky). El caso es que la publicidad de la serie prometía contar con casi todos los superhéroe de la casa (Batman, Superman, Wonder Woman o Flash aparecían en la portada), y lo que era todavía mejor, ¡¡¡¡aparecían todos a la vez!!!!


Esto era algo nunca visto, ya que hasta entonces, cada superhéroe salía en su serie, y Dios en la de todos, y sólo de vez en cuando, se visitaban unos a otros. Las reuniones tipo Crisis no eran frecuentes, y la distancia entre Metropolis y Gotham, grandísima. La presencia del todopoderoso John Byrne era también un valor seguro (aunque el guión fuese en este caso de John Ostrander). Y lo que era mas raro todavía, nos aseguraban que el asunto sólo ocuparía seis números, y que la serie Legends dejaría de aparecer cuando terminase la historia. El concepto serie limitada tardaría en ser utilizado con normalidad por los aficionados.


¿La Historia?, Sencilla pero efectiva, gracias. Y es que mientras que otros autores como Frank Miller o Alan Moore empezarían en esas fechas a contar sus historias definitivas de superhéroes torturados, visiones oscuras y destinos fatales, la visión de Ostrander y Byrne era mucho mas amable, pero no por ello menos interesante.


En el luminoso Universo DC de entonces, Darkseid trama un plan para desacreditar a los héroes y destruirlos de una vez por todas (añadir aquí el típico trueno y una risa maléfica de fondo) utilizando a Gordon Godfrey, quien logrará poner a los ciudadanos en contra de los superhéroes mediante sus polémicas apariciones televisivas. Para terminar con estos ataques verbales y físicos, los héroes deberán demostrar que siguen siendo las Leyendas a las que hace referencia el título.


Durante los seis meses en que se publicó la serie, veintidós de los títulos mensuales de la editorial contaban historias referentes a la miniserie, lo que hoy se ha popularizado hasta la saciedad con el nombre de crossover o tie-in, pero en aquellos tiempos, donde las editoriales pensaban más en el lector de comics que en los dólares, la historia podía seguirse perfectamente sin necesidad de comprar el resto de títulos.


Además, la miniserie servía de excusa para presentar cuatro nuevas series, Shazam, El Escuadrón Suicida, Flash y La Nueva Liga de la Justicia, justo donde Legends terminaba, dando por ejemplo, nueva alineación a la JLA, o teniendo en cuenta las repercusiones para Billy Batson de los acontecido en la serie.


¿El resultado final después de tantas expectativas? Merecía la pena. La historia estaba bien estructurada, y cada número nos contaba poco a poco lo que pasaba a cada héroe, saltando de una página a otra de Batman a Green Lantern, de Shazam a Blue Beetle. Al dibujo estaba un Byrne en plena forma, entintado por Karl Kesel, preciso, meticuloso y espectacular, con un uso de las splash pages muy acertado, y algunas páginas para el recuerdo, como la de los ciudadanos quemando muñecos vestidos como los superhéroes, la paliza que una turba enfervorecida le da al pobre Robin, o la forma en que el Doctor Fate iba congregando a los héroes uno por uno, para enfentarse a Godfrey, y finalmente y por extensión, a Darkseid.


Y es que, a diferencia del Ultimate Heidi, podemos hacer caso a la nostalgia en este caso, y llevarnos Legends a casa sin pensarlo dos veces.


Jose (40)

lunes, 22 de marzo de 2010

BONE: PHONEY CONTRAATACA

Guión: Jeff Smith

Dibujo: Jeff Smith

Editorial: Astiberri

Formato: Libro Cartoné. 496 Páginas

Precio: 45€

Calificación: 9/10

En el segundo megatocho que saca Astberri, Phoney Contraataca, nos encontramos con la segunda trilogía de la serie, El Matadragones, RockJaw Señor de la Frontera Oriental y La Cueva del Anciano. Pero el título elegido para el volumen no está desacertado en absoluto, pues básicamente se trata de Phoney Bone enredando la vida de sus primos a más no poder, al pretender hacer creer a todo el mundo que es un matadragones para que lo conviertan en jefe, mientras que Thorn y la Abuela Ben se encuentran con Kingdok. El malvado Señor de las Langostas comienza a mover ficha. Por otro lado Smiley y Fone Bone pretenden llevar al pequeño bebe mostrorrata cerca de los suyos y se encuentran con... ¡¡Un momento!! Que os destripo todo el tomo.

El problemón de ser el del medio (disculpad la brevedad de la recomicdación) es que no tengo que deciros nada sobre la serie, pues la presentación ya la hizo Jose en la primera trilogía, y tampoco puedo valorarla en conjunto porque falta la tercera... Así que ¿qué hago?. Pues recomendar (de la forma más efuisva posible) la lectura de toda la obra completa a aquellos que no lo hayan hecho aún y citaros en éste mismo sitio dentro de un tiempecillo para leer la recomicdacion del apasionante final.

Saludos!

Nacho (43)

viernes, 19 de marzo de 2010

52

Guión: Johns, Morrison, Rucka & Waid

Dibujo: Keith Giffen & VVAA

Editorial: DC

Formato: 4 TPB. 304 Páginas c/u

Precio: $19.95 c/u

Calificación: 8/10

...No, una vez que acabe Infinite Crisis, Batman, Superman y Wonder Woman desaparecen del mapa durante un añito. Y van a sacar una serie semanal que llenará los vacíos de ese año.

¿Una serie semanal? Madre mía, esto tiene toda la pinta de ser una autentica porquería.

Pues no. Cuán equivocado estás. Para empezar hace falta una muy buena planificación para que una serie de estas características llegue a buen puerto. Y la verdad es que todo en 52 está atado y bien atado.

¿Y quién guioniza esto? Seguro que es algún escritorzuelo del tres al cuarto por si sale mal la cosa que se trague todo el marronazo.

Pues otra vez mal. No es uno sino cuatro, pero no escritorzuelos. Señores escritores: Grant Morrison, Mark Waid, Greg Rucka y Geoff Johns. Toooooma. Con estos mimbres como para que salga un mal canasto.

Ya, ya. Entonces es en la parte gráfica donde pega el cantazo la serie, ¿no?

Ahí medio que tienes razón. Los dibujantes encargados no son ni mucho menos los pesos pesados de los lápices, pero bien que se defienden, algunos mejor que otros. Por las páginas de 52 dejarán su impronta gente como Chris Bastista, Shawn Moll, Eddie Barrows o, en menor medida, Phil Jimenez y Darick Robertson. Todos ellos siguiendo los storyboards de un grande como Keith Giffen, más que nada para que la cosa no se convierta en un yo-hago-esto-así-porque-me-da-la-gana. Los dibujantes son así, espíritus indómitos de la vida.

Vamos, recapitulando, una palabra que define a la perfección esta serie sería mediocridad.

Sí, pero no en el sentido que apuntas, malpensado. Con los personajes mas famosos de la compañía fuera de circulación había que inventarse algo novedoso. Pues toma héroes y villanos de segunda división, y algunos hasta de tercera regional. Personajes rescatados del olvido como Booster Gold, Question, Animal Man, Metal Men, Lobo o malosos sacados de la producción de Kirby, casi nada.

O sea que la cosa parece que al final no era tan porquería como pensaba. Puede estar incluso interesantona la serie esta.

Más que interesante. La historia principal avanza a medida que se desarrollan los frentes abiertos por los guionistas. Por ejemplo, en el espacio donde Animal Man, Adam Strange y Starfire intentan volver a casa. Rene Montoya y Question investigando un caso bastante grande. Adam Black liándola parda en su casa. Lex Luthor ofreciendo poderes a todo el que se quiera apuntar a su proyecto Everyman. Un gran mosaico-puzzle que poco a poco se va resolviendo. Y además con muy buen tino.

Mmmmmmm. Pues sí que parece que 52 puede interesante. ¿Y la cosa funcionó?

Pues parece que sí porque no había terminado la serie cuando ya estaban anunciando otra serie semanal, Countdown. Y después Trinity. Y ahora Brightest Day. Cuando acabe esta empieza...

Mario (2ª Época #19)

jueves, 18 de marzo de 2010

NOVA. La INICIATIVA

Guión: Dan Abnett & Andy Lanning

Dibujo: Sean Chen

Editorial: Panini

Formato: Comic-book. 72 Páginas

Precio: 3.90€

Calificación: 8/10


Fue un Joven Guerrero, un personaje denostado, el salvador del universo y ahora está haciendo el papelón de su vida siendo el único policía del universo.

Después del éxito de Aniquilación, Nova sigue sus aventuras en solitario, por un universo libre de Anihilus pero lleno de peligros y al ser Richard Rider el único Nova que queda debe ocuparse de todas las crisis que hay por toda la galaxia. De planeta en planeta, viajando a velocidades imposibles Richard está al borde de la locura y de la desnutrición (aunque poseer todo el poder Nova debe de ayudar a uno a mantenerse sano físicamente). Es ahí cuando el destino le da un toque para que se de un corto respiro… en la tierra.

Nova: La iniciativa es el regreso de Richard a su mundo post-Civil War. Todo lo que él conocía ha dejado de existir o ha cambiado. Sus amigos divididos entre los pro-registro y los anti-registro, otros fallecidos y uno muerto en vida, sufriendo un infierno de culpa por la catástrofe de Stanford. También está Iron Man, ahora el jefe de S.H.I.E.L.D, que le indica cómo son las cosas ahora y que debería registrarse si quiere ejercer como héroe en la tierra. En ese momento no le da ninguna respuesta pero la frase “Le saqué las entrañas a Anihilus y salvé el Universo ¿Qué has hecho tú últimamente Tony?” creo que es una muy dura crítica (y certera en mi opinión) a todo lo que ha pasado en la Tierra. 24 horas son las que Nova le pide a Iron Man para pensarse que va a hacer con su vida y el legado que porta encima. 24 horas en las que sufre en sus carnes un mundo donde los héroes ya no queridos y los villanos hacen de héroes, cosa que no para de recordarle su familia.

No hace falta haber leído Aniquilación para poder leer esta primera historia de Nova (editado por Panini como una grapa triple), pero ayuda bastante a comprender la situación emocional por la que está pasando Richard. Una muy buena introducción al personaje y un buen interludio entre Aniquilación y su secuela Aniquilación: Conquista (original el nombre), pero esa es una historia para otro día.

P.D. Si alguien se pregunta por qué tan buena nota a estos primeros números debo señalar que ha sido un muy buen comienzo para la serie, yendo al grano, no necesitando cinco o séis números para presentar al grupo o la situación del personaje. En 3 grapas (casi diría que sólo en 2) pasan más cosas que en muchas series en seis números y la cosa irá a más.

Sebastián (20)

miércoles, 17 de marzo de 2010

ROBINSON CRUSOE

Guión: C.Gaultier adaptando a Defoe

Dibujo: Christophe Gaultier

Editorial: Ediciones SM

Formato: Libro Rústica. 142 Páginas

Precio: 14.95€

Calificación: 6.5/10

En su empeño por acercar los clásicos de la literatura a los jóvenes, motivándolos para ello a través del indudable atractivo que siempre suponen los cómics a cierta edad, la Editorial SM no está escatimando en esfuerzos. Y por si los muchos títulos que ya han editado en cuidados volúmenes en tapa dura firmados por autores españoles sobre obras literarias de nuestra piel de toro, no fueran suficientes, ahora se lanza a publicar material traído del país vecino, optando para la ocasión por encuadernarlos de forma diferente en unos atractivos tomos en tapa blanda que recogen tres álbumes editados en Francia por Delcourt. En este nuevo formato, dos son los títulos que han abierto fuego, Robinson Crusoe y Frankenstein.

Tengo que admitir que de la inmortal novela de Daniel Defoe nunca he leído ni una sola palabra (aunque creo recordar haber visto la cinta de Buñuel y la miniserie con Pierce Brosnan) así que la curiosidad hacia esta adaptación en formato aviñetado no provenía tanto de saber si la traslación del relato escrito sería fiel, como de acercarme de una manera diferente a una historia que conocía, aunque fuera por mor de la imagen en movimiento, bastante bien.

El resultado de la lectura no se deja esperar: Gaultier adapta de forma intensa y (hasta donde puedo afirmar) sin dejar muchos detalles, el relato de Defoe. Y lo hace construyendo un tebeo cuyo inicio resulta algo arduo, teniendo en cuenta que hasta el momento del naufragio que definirá al personaje pasan casi cincuenta páginas en las que la novela cuenta los avatares (algo tediosos, todo hay que decirlo) de la disoluta vida del protagonista. A partir del momento en que Crusoe llega a la isla, el ritmo de la narración cambia levemente, haciéndose más ágil conforme se va acercando el final. Pero no es el guión y el cómo adapta Gaultier la historia lo que resulta más llamativo de este Robinson Crusoe, sino su aspecto visual. Con claras cualidades Sfarianas en el trazo, la soltura de Gaultier en el dibujo unido a su fuerte expresionismo y la singular paleta de colores elegida dota a la lectura de una identidad muy característica, que se torna como idónea en los momentos más alucinógenos de la vida de Crusoe en la isla y, en contra de lo que podría parecer, eleva bastantes enteros lo que en manos de otros habría sido un producto bastante más impersonal.

Sergio Benítez (364)

martes, 16 de marzo de 2010

UNCLE SAM DELUXE EDITION

Guión: Steve Darnall

Dibujo: Alex Ross

Editorial: DC

Formato: Oversized HC. 128 Páginas

Precio: $19.99

Calificación: 7/10

Seguir a un determinado autor, ya sea guionista o dibujante, en el cambiante mundo del cómic es una ardua tarea que pasa por dejar series inconclusas, familiarizarte con personajes o editoriales desconocidas, e incluso comprar series que, de estar firmadas por otra persona, jamás incluirías en tu lista de compra.


Esto fue básicamente lo que me pasó con Alex Ross, y lo que llevó a adquirir Uncle Sam bastante tiempo después de su publicación, y aprovechando que una de esas ediciones “definitivas” veía la luz. El estilo de Alex Ross siempre me ha llamado la atención. Cualquiera que haya visto sus dibujos, conocerá su grado de detallismo, y su particular intento de que cada viñeta sea como un pequeño cuadro, repleto de detalles, y de luces y sombras.


Su relación con el mundo del cómic se ha caracterizado por una visión “realista” de los superhéroes, donde podemos disfrutar de un Superman más humanizado que nunca en su obra mas famosa, Kingdom Come, junto a Mark Waid, de la serie de especiales que ilustró junto a Paul Dini, o de la mas reciente Justice, ejemplo paradigmático de su forma de ilustrar héroes y villanos con total acierto.


Por eso seguía llamando mi atención aquel pequeño proyecto de tan solo dos números que publicaba en 1997 bajo el sello Vertigo, junto al para mi desconocido Steve Darnall, aunque en este caso, y como viene haciendo en sus ultimos proyectos, también parte del guión estaba firmado por Ross.


La historia de Uncle Sam es tan sencilla o complicada como queramos verla. Un vagabundo deambula por las calles con la apariencia del tío Sam, esa figura simbólica que define los Estados Unidos de América, y que se popularizara en aquellos carteles donde nos increpaba con el dedo índice: “I want YOU for the US Army”. Este símbolo de todo lo bueno que representa el sueño americano, las barras y estrellas y la tarta de manzana, es aquí utilizado por los autores para todo lo contrario, para reconstruir los mas famosos pasajes de la historia americana, y comprobar la verguenza que suponen algunas de las acciones de sus politicos y gobiernos.


Así, mientras nuestro protagonista va saltando en el tiempo, envuelto en una neblina histórica, que le devuelve ocasionalmente a la realidad actual, podemos verlo transfigurado en JFK, en Dallas, justo tiempo para recibir el fatal disparo que acabaría con su vida, comprobar los sangrientos orígenes del país sobre los cadáveres de Pieles Rojas, su incursión en recientes conflictos armados, o su visita a épocas donde los hombres eran asesinados por el color de su piel.


Este viaje Dickensiano, donde se enseña al protagonista todos los errores cometidos, pero aquí sin posibilidad de enmendarlos, sirve hacer una realista y salvaje radiografía de los oríegenes de este sueño americano, del que resulta imposible permanecer inalterable, y de esto último tiene mucha culpa el dibujo de Ross.


Sin embargo, la lectura para ojos españoles de este Uncle Sam puede resultar agotadora, y es que cada página está salpicada de mil y una referencias históricas, de imágenes y de textos, incluso de párrafos de la declaración de independencia, muchas de las cuales no son fácilmente identificables, lo que desluce el conjunto para aquellos no abonados al canal de historia.


En resumen, una obra visualmente impecable, como no podía ser de otra forma, brillante a la hora de retratar de forma despiada al continente americano, como un país incapaz de reconocer sus propios errores, idiotizado por la televisión, pero que hace aguas en cuanto al guión, que más allá de la sucesión de épocas e imágenes no parece tener una estructura o desenlace claro, o incluso mucha coherencia en determinadas partes de la obra.


Jose (39)

lunes, 15 de marzo de 2010

SPACE USAGI

Guión: Stan Sakai

Dibujo: Stan Sakai

Editorial: Planeta DeAgostini

Formato: Libro Rústica. 296 Páginas

Precio: 15.95€

Calificación: 9.5/10

No sé si la distinguida audiencia recordará que hace casi seis meses os hablé de la serie de samurais protagonizada por un elenco de animaletes antropomórficos realizada por Stan Sakai. ¿No? Pues a darle a éste enlace para hacer memoria.

¿Ya?

Vale, pues continuemos. Al amigo Sakai se le pasó por la cabeza avanzar en el tiempo y montarse unas cuantas series limitadas protagonizadas por un descendiente de Usagi Yojimbo, con su mismo nombre y aspecto físico (que se note que son parientes) dentro de unos cuantos bastantes añetes en el futuro. En ellas éste descendiente hace frente a una gran traición dentro de su clan, teniendo que proteger al heredero del mismo para hacer frente a la tiranía Vamos, la historia que nos han contado cienes de miles de veces. Pero muy bien y amenamente contada, eso sí.

Una vez más tenemos en la obra de Sakai varios niveles de lectura. Además de la típica aventura y acción de por sí, tenemos las costumbres y tradiciones japonesas feudales. Además de que el honor, la rectitud, la amistad, y la honradez y bondad del personaje principal por encima de todo. Vamos, que es igual pero distinto que la serie madre.

Y si tenemos en cuenta que mucha gente considera Star Wars basada en el Japón feudal (comparando a jedis con samuráis, al Emperador con el Shogun, y demás...) pues inevitable es que durante la lectura del tomo nuestra mente evoque en más de una ocasión a la citada saga cinematográfica, aunque quizá más por deseo nuestro que por parecido en sí.

Lo que está claro es que no importa que la época en la que se desarrollen las aventuras del conejo samurai. Usagi es Usagi y se mantiene fiel a su espíritu. Y si ése espíritu te gusta, como es mi caso, éste tomo lo tienes que tener en casita en el estante junto a tooooodos los demás tomos de la serie. Y, por supuesto, la nota es la misma que le pusimos al resto de volúmenes del personaje.

Saludos!

Nacho (42)

viernes, 12 de marzo de 2010

CUENTOS del 2000 y PICO

Guión: Carlos Giménez

Dibujo: Carlos Giménez

Editorial: Glénat

Formato: Álbum Cartoné. 68 Páginas

Precio: 11.95€

Calificación: 7.5/10

Ya lo decía Anton Ego en ese elocuente monólogo que tiene hacia el final de Rataouille:" En muchos sentidos, la labor de un crítico es sencilla. Arriesgamos muy poco y sin embargo disfrutamos de una posición privilegiada sobre aquellos que ofrecen su trabajo y su persona a nuestro juicio. Prosperamos gracias a la crítica negativa,que es divertida de escribir y leer. Pero la triste verdad que debemos enfrentar los críticos, es que en el gran orden de las cosas, cualquier plato común seguramente tiene más sentido que la crítica que lo condena". Estas pocas líneas, que más de uno no habrá tenido la oportunidad de escuchar por aquello de huir del cine de dibujitos, encierra una de las disquisiciones más lúcidas sobre el trabajo de un crítico que haya tenido la oportunidad de analizar. ¿Que por qué sacarlo ahora a colación?. Muy fácil. La última vez que hablamos por aquí de Carlos Giménez, decía que si todas las obras del autor iban a seguir estando al nivel de Koolau, Romances de Andar por Casa o Malos Tiempos, iba a tener que dejar de recomicdar al gran artista español para evitar caer en la monotonía de tacharlo siempre de genio. Quiso la casualidad, pues no fue otra quien guió mi mano, que la siguiente lectura fuera este Cuentos del 2000 y Pico en lugar de optar por alguno de los otros volúmenes de Giménez que aguardan en mis estanterías. Y debido a ella, di con una obra "menor" del artista que podría usar para esa crítica algo negativa (negativa por completo resulta imposible con Giménez) de la que hablaba Ego. Pero he decidido que no lo voy a hacer.

En lugar de ello, y dejándome guiar por el buen humor en el que me encuentro en el momento de escribir estas líneas (derivado, qué duda cabe, de las risas que acabo de echar), voy a usar el espacio de esta recomicdación para hablar de las virtudes (muchas) que encierra esta simpatiquísima obra, dejando los defectos (pocos) para que cada uno los descubra si es que decide hacerse con ella.

Principal virtud de Cuentos del 2000 y Pico es lo sangrante del humor con el que Giménez trastoca los relatos clásicos de los Hermanos Grimm, Andersen y compañía para adaptarlos a los tiempos que corren. Unos tiempos en los que a continuación del eterno "Érase una vez..." el artista casi siempre interpone la misma premisa de partida, una familia muy pobre, en paro y sin subsidio. Tal decisión obliga al lector a recordar, cada vez que comienza una nueva historia, que aquí no vamos a encontrar moderadas variaciones sobre Aladino, Hansel y Gretel o La Bella Durmiente, sino sarcásticas y cáusticas remodelaciones de los parámetros en los que estos y otros cuentos se movían para darles un giro bastante abrupto. Así, no debería sorprendernos que la bruja de Hansel y Gretel se gane la vida haciendo hamburguesas con la carne de los niños que atrapa; que para despertar de su sueño, La Bella Durmiente tenga que echar un polvo de campeonato o que los cuarenta ladrones de Ali Babá sean banqueros corruptos.

Sin mostrar clemencia con nada y con nadie, Giménez arremete desde el humor más descarado contra estamentos religiosos y políticos (las apariciones de Aznar son delirantes) y no deja títere con cabeza mientras estructura la narración con un esquema clásico de tres por tres viñetas, permitiendo de esta manera dejar entrever que a la fluidez de su trazo (quizás más gamberro que nunca) no le hacen falta las magistrales composiciones de Koolau para lograr una narrativa dinámica y brillante que arranca carcajadas del lector página sí, página también.

Sergio Benítez (363)

jueves, 11 de marzo de 2010

ANIQUILACIÓN

Guión: Giffen, Abnett & Lanning

Dibujo: VVAA

Editorial: Panini

Formato: Varios.

Precios: Varios.

Calificación: 8.5/10


La Zona Negativa es lo que hay fuera de nuestro universo y éste, al seguir expandiéndose desde la creación, va quitándole terreno a aquélla poco a poco, cosa que al dueño y señor de ese universo no le hace mucha gracia. Este ser no es otro que Annihilus, un ser con forma de insecto, mega-poderoso y psicópata a nivel universal que decide recuperar terreno perdido con su infinito ejercito de bichos a cada cual más asqueroso, destruyendo, arrasando, matando cualquier ser vivo de este universo… en definitiva aniquilando.

Así comienza Aniquilación.

El cuerpo Nova son de los primeros en caer, sobreviviendo únicamente el Nova humano Richard Rider, quedándose con todo el poder Nova (demasiado para un solo humano). Y esto es solo el episodio de apertura. Poco a poco y en diferentes miniseries de cuatro números vamos viendo como va afectando la oleada aniquiladora al universo y en especial a los que formaran parte importante del ejército de Nova contra Annihilus. De menos a más interesantes estas son:

Drax el Destructor: Poco o más bien nada tiene que ver con la saga, es más bien una especie de precuela donde nos dan a conocer a Drax y su acompañante humana Cammi, una chavala tan rara como Layla Miller (o más). Entretenidilla, pero es tan poco relevante para la saga que Panini no la editó en España hasta bastante después de acabar Aniquilación.

Super Skrull: Ni el personaje, ni el dibujo, ni la trama son algo que llegaron a interesarme de esta miniserie, centrada en este personaje luchando y masacrando bichos junto a un grupo de habitantes de la Zona Negativa. que no están a favor de Annihilus. Si acaso nos sirve para conocer un poco mejor al personaje.

Ronan el Acusador: Centrada parte en Ronan, un kree orgulloso con un gran sentido de la justicia, que se ha visto traicionado por los suyos, y por otra parte centrada en Gamora, la mujer más letal del universo. Nos relata la búsqueda del honor perdido de Ronan acompañado de muchas, muchas ostias a mansalva. A mi gusto más entretenida que la anterior (y bastante mejor dibujada).

Estela Plateada: No sé muy bien por que los lectores de Marvel le tienen tanto cariño al personaje, pero eso no quita para que esta mini me haya parecido bastante interesante, entretenida y bien dibujada (aunque se nota bastante el “copy and paste”). En esta mini descubrimos como responden los heraldos de Galactus y este mismo a la oleada aniquiladora.

Nova: Sin duda la mejor de todas las minis. Aquí nos encontramos con Richard justo después de ser destruido el cuerpo Nova, intentando sobrevivir a la idea de ser el último de su grupo y el que tiene que encargarse de intentar acabar con Annihilus. Aquí continúa la historia de Drax y Cammi y además hay algún que otro invitado sorpresa.

Todas ellas acaban con un coitus interruptus para poder unir todas las tramas en la serie central Aniquilación de seis números, que casi podría decirse que es el Señor de los Anillos cósmico de Marvel, pues es fácilmente comparable la batalla épica que tiene el ejercito de Nova (con Drax, los heraldos, Gamora, Ronan y el Super Skrull en él) contra el de Anihilus con la batalla del Abismo de Helm. ¿Lo mejor de la serie? Bueno, a parte de un dibujo excepcional, una historia épica y unos personajes bastante carismáticos está el hecho de que como son personajes secundarios sabes que SÍ pueden morir.

Si de verdad quieres pasar un buen rato sin tener que estar pendiente de la continuidad de tal o cual personaje, de seguir mil series y saber que en realidad “lo bueno de verdad” vendrá después (COOFF!!invasiónsecretaCOOFF!!), solo diversión pura y dura, ésta es tu aventura.

Sebastián (19)

miércoles, 10 de marzo de 2010

ESTELA

Guión: Jean David Morvan

Dibujo: Philippe Buchet

Editorial: Norma

Formato: 11 Álbumes Rústica. 48 Páginas

Precio: 9-10€

Calificación: 8.5/10

Uno de los mayores éxitos en nuestro país vecino es Estela (conocida allí como Sillage) una saga de ciencia ficción, heredera de la mejor Valerian, es decir de aquellas que mezclan armoniosamente la ciencia ficción con las aventuras, el entretenimiento y todo con un trasfondo que le hace a uno, aparte de pasárselo pipa, reflexionar, y que sobrevuela la obra para erigirse en algo mas que un comic de mero entretenimiento. Por ahora llevamos once números, autoconclusivos y que todos juntos van formando un fascinante puzzle.


Parte la saga, de un argumento de por sí ya seductor, a saber: Estela es un convoy de miles de naves y de razas totalmente estructurado y jerarquizado que va surcando las galaxias en busca de planetas, riquezas y aventuras. Los planetas que van descubriendo, después de calibrar si son colonizables y explotables o intocables por su fragilidad, van dejando en ellos los teleportales, para que Estela siga su viaje y pueda volver a ese planeta cuando así lo deseen. En el curso de su viaje, Estela topa con un planeta selvático y virgen, donde se ven los restos de un naufragio estelar y un solo superviviente de una raza totalmente desconocida para Estela, y las cientos de seres que habitan en ella. Dicha superviviente es Navis, la atractiva y vital humana, que habita en ese planeta, salvada y educada por un robot de la nave humana accidentada en ese planeta. Las autoridades de Estela no salen de su asombro al descubrimiento de ese nuevo especimen, pues entre las razas conocidas hasta ahora (que son miles), todas ellas se pueden leer la mente, y a esta raza humana recién descubierta no se le puede escrutar la mente, lo que le hace ser la mas poderosa en el caso de encontrar más de esa especie.


Y en este apasionante laboratorio de operaciones, Morvan y Buchet nos diseccionan muchos de las flaquezas y debilidades del ser humano y del ser alielígena. Desde la opresión de los poderosos, el suicidio, la soledad, el desengaño amoroso, la rebeldía, la incertidumbre del mañana, y así muchas más situaciones en las que nuestra protagonista, leal agente de Estela anida la esperanza de encontrar algún humano, acompañado de su fiel robot y el emancipado ser producto del laboratorio Bobo.


Puedo decir que las historias son vibrantes, los comic suelen ser autoconclusivos, esto hace que la tensión y la intriga se resuelvan perfectamente y no te deje a medias, en espera de otro número. La descripción de los mundos y las razas son fascinantes, En esta saga salen más razas alielígenas que en Valerian incluso, lo que demuestra la imaginación bulliciosa y desbordante de los autores. Morvan hace aquí su mejor trabajo sin duda alguna. Desde que quedó subyugado de joven por Valerian, dijo que debía hacer una historia de ciencia ficción de ese estilo y Estela es su mejor apuesta. Sus guiones son claros pese a la cantidad de elementos que salen que podrían hacer la historia confusa en manos de otro guionista, sus tramas atrapan, sus mundos, sus naves y sus razas apasionan en un cómic que desprende dignidad e integridad como los principios que mantiene nuestra querida protagonista.


Del dibujo de Buchet, ilustrador y realizador de story boards para anuncios, podemos hablar maravillas: detallista y minucioso, vivaz, con una predisposición nata para la narración de acción, se ayuda de las viñetas para ello, encontrándolas de todos los tamaños y formas, picados, contrapicados con una cierta influencia del manga en las escenas de acción que las hace trepidantes. El coloreado por ordenador preciosista de mil colores y texturas le viene como anillo al dedo a estas historias futuristas y a la vez muy humanas.


Decir que esta saga ha conocida tal éxito en Francia, que ha dado lugar a su versión juvenil, que se llama Navis (dibujada por el español Munuera) y trata de la infancia de la protagonista en ese planeta en el que tuvo lugar el aterrizaje forzoso de los suyos. Y por último, decir a los amantes de la ciencia ficción, que no se la pueden perder y aunque lleve ya once números, el hecho que sean autoconclusivos hace que se pueda seguir sin prisas ni agobios y eso en el actual mundo del cómic es una rareza.


Toni (22)