lecturas reCOMICdadas

WIMBLEDON GREEN

2010-07-30T10:00:00.001+02:00

Y como dirían en el Un, Dos, Tres........¡¡¡¡¡CAMPANA y SE ACABÓ!!!!!

Han sido dos años, un mes y veinticuatro días en los que hemos llegado a publicar 684 reCOMICdaciones de sendos títulos diferentes. Toda una bilioteca de consulta a la que hemos dedicado muchas horas de lecturas y algunas menos de escritura que, mientras la vida sigue avanzando y el incierto futuro dicte que podamos (o no) volver a leernos por estos lares, quedan aquí como testimonio de la sana locura de un grupo al que le debo muchísimo.

No sé si estas líneas serán una despedida.

Espero que sólo queden como un hasta luego.

Sea como sea, GRACIAS por estar AHÍ.

'Nuff Said!!!!!!!

Guión: Seth

Dibujo: Seth

Editorial: Drawn and Quarterly

Formato: Libro Cartoné. 128 Páginas

Precio: $19.95

Calificación: 9/10

Por regla general la vida de un coleccionista de tebeos es una en la que las satisfacciones superan con mucho a los malos momentos. De entre las primeras están esas innumerables ocasiones en las que abrimos un cómic y nos dejamos invadir por el olor a tinta y la percepción de que algo muy grande está a punto de sucedernos. A ellas también se suman esos gratísimos momentos en los que por fin conseguimos, tras mucho tiempo buscando, ese título que hasta entonces se nos había mostrado esquivo, o aquél que leímos cuando pequeños y que, por pura nostalgia, tenía que formar parte como fuera de nuestra colección. Pero, ¡ay!, también pululan por ahí los negativos (o no tan agradables), esos que, en contadas ocasiones hacen que, o te arrepientas de haber leído tal o cual título, o que, como me ocurrió en mi última visita al Forbidden Planet londinense (sí, por fin voy a contar la dichosa historia para aquellos a los que interese, que supongo serán muy pocos) lamentes no tener dinero a espuertas para poder traerte de vuelta a España media tienda. Quien quiera saltarse mi periplo londinense que pase directamente al cuarto párrafo, que es donde empiezo a hablar en realidad de Wimbledon Green.

Tras algo más de una hora deambulando por las infinitas estanterías de la tienda (el paraíso para cualquier amante del cómic americano que se precie) entre mis brazos había algo más de quince volúmenes de títulos que abarcaban desde un recopilatorio con los Ultimates 3 (¿qué queréis?, Madureira siempre ha sido una debilidad) hasta un voluminoso tomo de Frank Frazetta, pasando por los dos recopilatorios de Whiteout, una edición Deluxe de Midnight Nation, un trabajillo de Kyle Baker que me faltaba, el Literary Life de Posy Simmonds, Filthy Rich (de Azzarello y Víctor Santos), el omnibus de Ronin, el Sgt. Rock de Tucci, una novela gráfica del dibujante de Mom's Cancer, los dos primeros volúmenes de Northlanders, el noveno recopilatorio del Ex-Machina, otro omnibus, esta vez de PVP, el gran volumen de Doug Wright, el primer Deluxe HC de Y: the Last Man, el Dark Entries e incluso la edición americana de George Sprott. Obviamente, sino quería que mi mujer me pidiera el divorcio, ni pagar una fortuna en sobrepeso de equipaje, aquella montaña había que reducirla. Así que me puse manos a la obra.

El Ultimates 3 cayó por motivos más que obvios antes que ningún otro (por mucho que me gustara Madureira, era Loeb quien perpetraba el guión). Y a partir de ahí comenzó el duro proceso de descarte. A la tercera parte de Los Vengadores versión Ultimate siguieron casi sin pensarlo aquellas ediciones en tapa dura de cosas que ya tenía, así que George Sprott, el volumen de Y y el Midnight Nation (snif, con lo bonita que era la edición), fueron devueltas a las estanterías. El siguiente fue PVP, más por precio que por otra cosa, un razonamiento que también afectó, por muy atractivo que fuera, al Doug Wright Collected. Sin querer mirar mucho, dejé también los dos tomos de Whiteout, el de Kyle Baker (este último debido a que, al margen de Los Bakers, hacía tiempo que el autor no me terminaba de convencer), el Filthy Rich y, muy a mi pesar, el de Frazetta. Quedaban ya muchos menos, pero aún había que afinar más la criba, con lo que el segundo de Northlanders y Whatever Happened to the World of Tomorrow? fueron los últimos sacrificados. Y así hubiera quedado el cuadro final - con el noveno de Ex-Machina, el Sgt. Rock de Tucci, el primer volumen de Northlanders, el Literary Life y el Dark Entries- sino hubiera sido porque en una de las muchas vueltas para colocar los cómics en su sitio, un pequeño y llamativo tomito llamó poderosamente mi atención: su tipo de letra y el diseño de la portada no podían ser de otro que el gran Seth, y así fue como este Wimbledon Green terminó cerrando una compra intensa pero, para qué negarlo, bastante fructífera.

El hecho de que haya esperado a este recomicdación en particular para contaros esta historieta personal viene relacionado con que el largo subtítulo de Wimbledon Green no sea otro que The Greatest Comic Book Collector in the World, ya que la fantástica historia que nos cuenta aquí Seth sigue precisamente a eso, al Mejor Coleccionista de Cómics del Mundo.

Ya en la línea de lo que después podremos encontrarle en la que es su incontestable obra maestra hasta la fecha (la incomensurable George Sprott) Seth teje aquí una historia a base de otras muchas más pequeñas que forman parte de ese gran puzzle que es la vida del protagonista. En un tamaño mucho más reducido que el su última obra, el artista canadiense explora aquí con la misma intensidad los recovecos a los que pueda llevarle la fragmentada narrativa heredada del mejor Chris Ware. Así, y como ya pudiéramos observar en George Sprott, el artista comienza a construir el relato que pretende trasladarnos in media res, adentrando al lector casi a empujones en el fascinante universo que poco a poco irá desvelando sus muchos secretos. Las similitudes con la obra que le ha valido tantísimos elogios en el pasado 2009 son muchas: para empezar tenemos las concomitancias que se producen cada vez que el autor utiliza la voz de algún personaje externo al núcleo central de la historia para aportar datos sobre ella que pueden, o no, ser verdad ya que éstos no tienen porque haber conocido a Wimbledon de forma directa. En lo que a ese núcleo respecta, si en George Sprott, el continuo hilo central de las idas y venidas era ir acercándonos inexorablemente al momento de la muerte del protagonista, en Wimbledon Green, es atención se divide en dos. Por un lado Seth nos acerca a los denodados intentos del personaje y sus competidores por hacerse con el único ejemplar existente de una rara serie de cómics; por el otro, va desvelando la apasionante historia de cómo terminó en manos de Green la mayor colección privada de cómics de la historia.

Trufado todo ello de ese particular carácter, mezcla ajustada entre un humor amargo y una nostalgia que impregna cada viñeta, resulta curioso, tras finalizar la lectura, repasar las líneas de texto que sirven de un prólogo que, en palabras del autor "debería ser epílogo", para darnos cuenta de lo mucho que se menosprecia Seth. Tachando a este espectacular cómic de "apresurado y con un dibujo pobre", el autor no hace más que mostrar una tremenda modestia que para nada es reflejo de la realidad: Wimbledon Green (con su maravillosa edición) es la antesala de George Sprott en todos los aspectos, y como tal, en su carácter sobresaliente está la simiente de esa obra maestra del noveno arte que es su último trabajo.

Sergio Benítez (y 397)

Las AVENTURAS del CAPITÁN TORREZNO

2010-07-29T10:00:00.001+02:00

Guión: Santiago Valenzuela

Dibujo: Santiago Valenzuela

Editorial: Edicions de Ponent

Formato: Álbumes Cartoné. 116 a 150 Páginas

Precio: 10 a 14€

Calificación: O.M

Me piden los amigos de Lecturas Recomicdadas una reseña de una obra capital, que me impactara en su día, que dejara mella en un servidor. No me lo pensé mucho a pesar que tenía unas cuantas por ahí rondando. Esta vez si que iba a por ti, Torrezno. Ya te podías esconder donde quisieras y hacerte pasar por cualquiera. Iba a volver a releerte e iba a sacarte de tu adorado ostracismo.

La tenue línea que separa una obra maestra de otra viene fuertemente marcada por el subjetivismo. ¿Cómo si no iba yo a señalar esta Obra de redonda, de maestra?. Motivos podría dar unos cuantos, como unos cuantos serán los que dudarán de mi aseveración. Este es un reparte obra maestras… dirán; la verdad que no suelo dar ese premio más que a cinco o seis clásicos y desde hace unos años entra esta saga. Lo primero que puedo decir a su favor, es que siento una química especial con el autor de este cómic, pese a no conocerlo de nada. Los dos hemos recorrido bares, fiestas de bellas artes, escenarios irreales y momentos peliagudos. Hemos crecido viendo y aprendiendo y hace tiempo nos dimos cuenta que esto, la vida, es una batalla constante llena de olvidos y nostalgias y el humor nuestro mejor ariete.

Otro punto a favor, es que entrar en este mundo requiere de abandonar toda otra cosa que se este haciendo, de ahí la pereza que me entraba para volver a releer al Capitán Torrezno. La morosidad, la urgencia, la violencia que preside esta obra hace que su lectura sea tan absorbente que durante días (sabed, oh grandes amigos que son 6 tomos metidos en su señorial cofre) no podrás salir de este inmenso y a la vez diminuto infierno.

Para terminar de hacernos el hara kiri, hay que mencionar que la obra es española. Ahí esta lo bueno, no tenemos que irnos a otros países. Deneeim esta aquí, a la vuelta de la esquina, en nuestras conciencias. El autor Santiago Valenzuela es un vasco afincado en Madrid. Calidad a arrobas. Os lo dice alguien que lleva leyendo la tira de años.

Pero, os diréis, vosotros apóstoles de la desconfianza, que de ¿qué diablos va esta saga?.

Es una gran pregunta e intentaré dar unas pinceladas cuerdas sobre el demencial contenido y continente. Torrezno es una historia-río que comienza con nuestro héroe es arrancado de su mundo y metido en un mundo de fantasía, de épica guerrera, de violencia y huidas, de temor y de honor. Historia que solamente de vez en cuando es salpicada con elementos reconocibles de la realidad del personaje, un borrachete cachondo de cualquier tugurio de la periferia de Madrid. En el primer número, Horizontes Lejanos, vemos esa lisérgica parábola sobre que a todos nos gustaría jugar a ser Dios, en este caso, en la piel de un gris funcionario reconvertido en demiurgo. En los siguientes números se marca más el aspecto bélico de la historia, sucediéndose homenajes e influencias de lo más dispares y variadas y siempre desternillantes, observando atónitos, nosotros insignificantes mortales, este despliegue de costumbrismo castizo, cultura popular y angustia bélica.

De la saga y del autor (cuidado si vais a empezar a leer otras obras de este autor, algunas son muy difíciles, buscar los tomos de Torrezno, no os será fácil encontrar el 1º a no ser que lo hayan reeditado) hay que mencionar su vigor narrativo, realmente impresionante, y sus tintes kafkianos. Su pasmosa facilidad para crear mundos y universos imaginarios realmente atrapadores como telas de araña. Con un dibujo en blanco y negro y con tonos grisáceos nos demuestra con variados registros gráficos su talento innato para diferenciar los planos de realidad que conviven en el relato, amen de un dominio increíble de los montajes paralelos (llega un momento que tiene articuladas hasta 5 ö 6 tramas paralelas) y sobre todo la inclusión y profusión de textos de cualquier tipo, desde literarios recargados hasta poéticos todo en aras de detallarnos e idealizarnos este mundo, esta historia. Con la salida del último numero Los Años Oscuros cerró la historia dejando muchas cosas en el aire (con el tiempo me di cuenta que esto es así, que es inútil intentar explicar más). Este último número, con mucha parte de libro, defraudó a bastante gente que esperaba que siguiera su surrealista odisea; yo con el tiempo (y con ese pedazo de portada) he llegado a apreciarlo mucho y a ver un extraño final a un extraño cómic. Y ¡ojo! que extraño está dicho en lo más benevolente y fascinante sentido de la palabra. Y con esto acabo, ya que podréis imaginar, queridos y calidos amigos, que son varias las hojas que podría escribir sobre el choteras de Torrezno, esos copones, esas mecaguen las hostias y esas ganas de tomarse su anisete y que le dejen en paz, sea donde sea, son y serán impagables.

Toni (y FIN)

LAZOS de SANGRE

2010-07-28T16:00:00.000+02:00

Guión: Yves H.

Dibujo: Hermann

Editorial: Planeta DeAgostini

Formato: Álbum Cartoné. 56 Páginas

Precio: 11.95€

Calificación: 8/10

Aunque es muy probable que a muchos de los que nos seguís día a día no os suene de nada por aquello de ser de "otra generación", seguro que a muchos de los de mi misma "quinta" el título El Corazón del Ángel os dice bastante. ¿Que por qué saco a colación la cinta de Parker con Rourke y De Niro?. Muy obvio. Porque toda la lectura de este Lazos de Sangre está impregnada de un ambiente similar al que se desarrollaba en dicha cinta. Para aquellos que no la hayan visto, El Corazón del Ángel sigue a Harry Angel (Mickey Rourke) un detective de tres al cuarto a quien su nuevo cliente, Louis Cyphre, le encarga encontrar a un hombre llamado Johnny Favourite, que lleva desaparecido algún tiempo. La búsqueda le llevará a los barrios más sórdidos de la Nueva Orleans, mezclándose en su camino el vudú, la magia negra y un final de esos que te deja totalmente boquiabierto.

Como decía, en Lazos de Sangre Yves H. (hijo de Hermann) desarrolla un guión que guarda no pocas concomitancias con la película de Alan Parker. Trasladando la acción de Nueva Orleans al Nueva York de los años cincuenta, el guionista concreta una trama en la que un joven detective de la policía se verá envuelto en una investigación sobre un misterioso y temido jefe del hampa en la que nada es lo que parece. Urdida con los mecanismos propios del género negro, la trama del cómic se desarrolla siempre en los ambientes más oscuros de la gran manzana, echando mano de ciertos elementos que, depende de como se interpreten, podrían pertenecer al género fantástico o tratarse sólo de figmentos de la imaginación del personaje. Esto último es especialmente visible en el final de la historia, cuando Yves H. deja la mayoría de los detalles que darían cierre al tebeo en manos del enfoque que le quiera dar el propio lector.

Sea como fuere, lo que no atiende en ningún momento a interpretaciones ni enfoques es lo magistral del arte de Hermann, un dibujante al que la palabra prodigioso se le queda corta. Con una carrera a sus espaldas que incluye títulos fundamentales del tebeo europeo como Jeremiah, Comanche o Las Torres de Bois-Maury, quizás sería exagerado afirmar que es en las páginas de Lazos de Sangre donde podemos encontrar el mejor trabajo del belga, pero tampoco estaríamos faltando mucho a la verdad ya que la calidad de aquello con lo que nuestros ojos pueden deleitarse es, a falta de términos más apropiados, brutal. Caracterizando a los personajes de forma magistral y capturando un ambiente que casi se puede mascar, con esa noche poblada de luces de neón y vapores de las alcantarillas que tan propias le son a la ciudad que nunca duerme, no hay en este volumen una sóla página ante la cual la mirada pueda pasar de forma casual sin sentir la extrema necesidad de pararse a admirar el detallismo y profundidad que el dibujante da a cada una de sus viñetas. En este sentido, la lectura de Lazos de Sangre recuerda bastante a otro de sus títulos más preciosistas, la excelente Wild Bill ha Muerto, pero donde en este todo era luz y color, aquí encontramos muchas tinieblas reproducidas con un verismo alucinante que consigue en muchos momentos salvar los escollos de un guión que, como apuntaba arriba, deja demasiado en manos de lector.

Sergio Benítez (396)

LITERARY LIFE

2010-07-28T10:00:00.001+02:00

Guión: Posy Simmonds

Dibujo: Posy Simmonds

Editorial: Jonathan Cape

Formato: Álbum Cartoné. 76 Páginas

Precio: £16.99

Calificación: 8.5/10

Si algo dejaba claro Tamara Drewe es que (como suele pasar cuando esto sucede) Posy Simmonds iba a ser una de esas autoras a las que iba a haber que seguir sí o sí conforme el resto de su producción fuera viendo la luz en nuestro país. Su singular forma de narrar, lo real de sus personajes y la solidez de la historia que componía en el tomo editado por Sins entido son sólo algunos de los valores que atesoraba la citada obra. Así que no debe resultar extraño que, cuando encontré en este tomo en Forbidden Planet (y ya falta muy poco para que os cuente esa historia que tanto llevo postponiendo acerca de la batida que allí pude llevar a cabo) me lanzara de cabeza a por él máxime si tenemos en cuenta que incluso venía firmado por la autora, aunque eso sea un detalle que con los años ha dejado de tener importancia.

Enmarcado en el mismo mundo literario en el que se desarrollaba Tamara Drewe, la gran diferencia de Literary Life con aquella es que mientras la primera contaba una historia de principio a fin, este recoge todo aquello que Simmonds publicó en la sección de crítica literaria de The Guardian entre 2002 y 2004. ¿Y qué significa esto?, pues que lo que aquí vamos a encontrar son las constantes disgresiones de la autora acerca de los escritores y su particular mundo, así como los arquetipos que rodean a editores, librerías e incluso ciertos géneros literarios como el misterio o los cuentos de hadas.

Tan ecléctica mezcla nos ofrece todo un rosario de un humor caústico en el la autora demuestra que no sólo domina el slice of life más original (el que le pudimos ver en Tamara Drewe), sino que a la hora de plantear un humor inteligente y elocuente, capaz de arrancarnos la mayor de las carcajadas al tiempo que nos hace reflexionar sobre lo divino y lo humano sin el perfecto funcionamiento de ninguna de las dos vertientes se vea afectada por la otra. El genio que ello demuestra se puede encontrar en cada página del tomo, ya sea en esas historias sobre dos libreros con muy diferentes puntos de vista acerca de las grandes superficies, ya en las diatribas de una estrella de los best-sellers, ya en un ficticio doctor encargado de curar los males literarios.

Unido a su personal grafismo, lo que resulta más curioso y brillante de esta magnífica lectura es el hecho de que por mucho que los personajes y algunas de las situaciones puedan llegar a sernos totalmente ajenas, sea porque los personajes son británicos, sea porque vivamos totalmente alejados del mundillo literario, no resulta complicado sentirse identificado con las pequeñas idiosincrasias que Simmonds va asignando a los protagonistas de sus pequeñas perlas aviñetadas. El resultado, como huelga ya afirmar, sólo sirve para cerciorarse de que la impresión que nos llevamos con Tamara Drewe no era errónea: en Posy Simmonds tenemos a una figura del noveno arte a la que no hay que perder de vista.

Sergio Benítez (395)

MORIRE A MEDIANOCHE

2010-07-27T16:00:00.001+02:00

Guión: Kyle Baker

Dibujo: Kyle Baker

Editorial: Norma

Formato: 96 Páginas

Precio: 10,50 €

Calificación: 8/10

A finales de 1999 (iba a decir finales de siglo, pero no quiero entrar en absurdas polémicas) el mundo vivía preocupado sobre la posibilidad de que la llegada del año 2000 fuera interpretada por los ordenadores que rigen el mundo (aviones, comunicaciones, electricidad, etc.) como que la fecha era 1900, y todo se viera sumido en la oscuridad y el caos.

Con semejante material como premisa, y acostumbrado a jugar con las inquietudes y neuras de la sociedad para escribir muchas de las historias que publicada mes a mes, el sello Vértigo editó en esa fecha una serie de especiales que tenía mucho que ver con el Y2K (el fin del milenio y sus consecuencias), y que bautizaría como V2K. Dentro de la irregular producción de títulos, aparecerían obras como Totems, de Tom Peyer, donde Shade, Animal Man, La Cosa del Pantano o John Contastine se reúnen en una extraña fiesta fin de milenio, rodeados de Conspiradores y alienigenas.

Por suerte, el experimento V2K dio mejores frutos, como el que nos ocupa. Moriré a Medianoche cuenta la historia de Larry, a tan sólo 90 minutos de la llegada del año 2000. Su novia Muriel acaba de dejarle, y Larry ha decidido acabar con su sufrimiento, ingiriendo un bote entero de pastillas. Pero claro, cuando acaba de imprimir su nota de suicidio (sí, de imprimirla), y de tomar la última pastilla, la mismísima Muriel aparece en el apartamento de Larry, diciéndole que lo ha pensado mejor, y que quiere que vuelvan juntos. A partir de ahí, la noche de Larry camino al nuevo año será un titánico esfuerzo por vomitar las pastillas ingeridas, y encontrar otras pastillas que contrarresten el efecto.

El personal hacer de Kyle Baker hace el resto. Con su particular estilo Cartoon, y casi como si de un Storyboard cinematográfico se tratase, las viñetas son “subtituladas” con los diálogos que deberían aparecer en su interior. De ritmo frenético, estos noventa minutos de la vida de Larry pasan como una exhalación, y como queriendo acompañarle en su frenética carrera por salvar su vida, la propia lectura parece acelerarse, saltando entre las paginas para ver como la capacidad narrativa del señor Baker sigue en plena forma, y casi no necesita de textos de apoyo para contarnos una historia.

En el trayecto, páginas tan efectivas como el reencuentro entre Larry y Muriel, contado en segundo plano, ya que el primero lo ocupa el bote vacío de pastillas que lo provoca todo, una persecución en las alturas con la muchedumbre de Times Square que espera la celebración del nuevo año, o ese impagable primer plano de Larry escuchando al conserje que le ha interrumpido cuando pretendía vomitar las pastillas, para contarle una estremecedora historia personal. En resumen, una obra capaz de satisfacer tanto a los incondicionales del autor de Porqué odio Saturno (cuya imposible adaptación cinematográfica se anuncia en el Times Square de este comic), y a cualquiera que se acerque por vez primera a su particular universo de Tex Avery enloquecido.

Jose (59)

BLANCO HUMANO: MONTAJE FINAL

2010-07-27T10:00:00.004+02:00

Guión: Peter Milligan

Dibujo: Javier Pulido

Editorial: Norma

Formato: 64 Páginas

Precio: 7,50 €

Calificación: 8/10

El buen sabor de boca que la primera miniserie de Blanco Humano dejó a crítica y público, fue motivo mas que suficiente para que Vertigo volviera a confiar en Peter Milligan y le diera la oportunidad de seguir contando la historia del atormentado Christopher Chance, esta vez como novela gráfica, y sustituyendo al malogrado Edvan Biukovicz (sí, lo he tenido que copiar…) por nuestro Javier Pulido.

Y aunque esta novela gráfica diera lugar, a su vez, a una serie regular, de la que hablaremos otro día, estas 96 páginas suponen, para quien esto escribe, la mejor historia del personaje. La acción arranca donde terminaba la anterior, con ese cartel de Hollywood, que viene como anillo al dedo a los clientes que nuestro enigmático Señor Chance tendrá en este volumen.

Para los no iniciados con el personaje, que por cierto, ha contado este año con su propia serie de TV (cuyo resultado final no es para tirar cohetes), decirles que Christopher Chance es capaz de metamorfosearse, con ayuda de maquillaje y algo de látex, en cualquier persona, y así protegerlos de cualquier amenaza, hasta el punto de que sus seres mas cercanos son incapaces de darse cuenta de que están siendo suplantados. El problema, y para mi el gran acierto del personaje, y por tanto de la serie, es que se mete tanto en las personas que debe proteger, que no está seguro de donde empieza el personaje y donde termina Christopher Chance, e incluso dudar de cuál de entre todas las personalidades que se agolpan en su cabeza es la verdadera (si es que todavía queda algún rastro de su personalidad original).

En esta ocasión, y tras haberse producido el chantaje y posterior asesinato de varias estrellas de Hollywood, le tocará suplantar y proteger a Dai Thomas, una estrella en horas bajas que busca desesperadamente un nuevo éxito, y que no dudará en utilizar incluso las amenazas para volver a la cima. Aprovechando la ocasión, Milligan hace un cruel retrato de la meca del cine, dominada por estrellas obsesionadas con envejecer, niños actores obligados a ser adultos demasiado pronto, y guionistas dispuestos a cualquier cosa por ver su guión trasladado a la gran pantalla. Como de costumbre, se tratará de un peligroso juego donde nada es lo que parece, y donde Christopher pasará de una personalidad a otra intentando descifrar la clave para que un niño estrella pueda volver a reunirse con sus padres.

En el apartado gráfico, Javier Pulido comenzaba a demostrar (la obra es de 2004) que era un artista muy a tener en cuenta, y es que su dibujo de alargados rostros y figuras, tan personal y característico encaja a la perfección en la serie, y los que hemos seguido su trayectoria hemos comprobado que no hace sino mejorar en cada nuevo proyecto. En resumen, un guión complejo y fascinante, cuyas piezas van encajando poco a poco a lo largo del relato, un dibujo soberbio, y un personaje al que se le coge cariño con facilidad: un hombre que, a fuerza de suplantar a otras personas, ya ni siquiera recuerda quien es realmente.

Jose (58)

CLARA...de NOCHE. PUTA pero HONRADA

2010-07-26T10:00:00.000+02:00

Guión: Carlos Trillo & Juan Pablo Maicas

Dibujo: Jordi Bernet

Editorial: El Jueves

Formato: Álbum Cartoné. 64 Páginas

Precio: 11€

Calificación: 8/10

Comentaba no hace mucho en la recomicdación de El Demonio Rojo, que aunque no soy de aquellos que compran religiosamente El Jueves todas las semanas, en mi tebeoteca si figuran ciertos volúmenes recopilando material de algunas de las "series" que alberga la revista. El hecho de repasar los títulos que tenía por aquí unido al repaso más o menos exhaustivo que llevamos haciendo de un tiempo a esta parte sobre la obra del gran Jordi Bernet, me llevó a sacar un volumen que adquirí hará un año pero que, por un motivo u otro no recomicdé en su momento.

Serie longeva dentro del Jueves donde las haya, Clara...de Noche es un ejemplo más (y ya he perdido la cuenta de cuántos van) de la gran variedad de géneros en los que ha sido capaz de embarcarse el artista español. Dado su carácter humorístico y la rapidez que exige el sacar dos páginas semanales, no encontraremos aquí una narrativa tan elaborada como en las otras obras que hasta ahora hemos visto de Bernet. Ahora bien, eso no implica ni mucho menos que la calidad de lo que el catalán es capaz de cuajar con tan poco margen de tiempo sea baja, antes bien, en lo que a funcionamiento de los gags se refiere, el artista es todo un maestro, temporizándolos perfectamente para causar la carcajada en el último momento. En cuanto al trazo, en las páginas de Clara se diferencian con claridad aquél que corresponde a la protagonista, un dechado de curvas imposibles claramente inspirada en Bettie Page, y aquellos con los que se perfilan al resto, en los que se observa la vetusta influencia de los tiempos del dibujante en Doña Urraca.

En lo que a Trillo y Maicas se refiere, poco hay que reprochar al trabajo de un dúo de guionistas que sabe como hacer reir una y otra vez en las páginas de las desventuras de esta prostituta a la que todo bicho viviente con pene quiere beneficiarse. Las situaciones en las que los escritores envuelven a Clara resultan de lo más hilarante por más que pueda parecer que, después de los casi veinte años que hace que la crearon, el cansancio acerca de los chistes que contar debería haber hecho mella en el personaje. Ese es sin duda el mejor halago que se le puede hacer al trabajo de Trillo, Maicas y Bernet, que sigan consiguiendo, semana a semana, poner una sonrisa en todo aquél que se acerque a las páginas de esta "puta honrada".

Sergio Benítez (394)

FAX from SARAJEVO

2010-07-23T10:00:00.000+02:00

Guión: Joe Kubert

Dibujo: Joe Kubert

Editorial: Planeta DeAgostini

Formato: Álbum Rústica. 208 Páginas

Precio: 18€

Calificación: 10/10

Cuando un cómic te deja con lágrimas de emoción en los ojos. Cuando te llega al corazón de forma directa sin ningún tipo de cortapisas. Cuando provoca que te sientas orgulloso de formar parte de una raza (la humana) capaz de albergar dentro de sí una belleza sin límites. Cuando es capaz de hacerte pasar miedo (pero miedo real) atenazándote y haciéndote sufrir por el incierto destino de sus protagonistas...es que no cabe duda de que estás ante un cómic que nada tiene que ver con lo que sueles leer. Claro está que al frente del mismo tenemos un nombre que tiempo ha trascendio la mera garantía de calidad para convertirse en una figura fundamental dentro del noveno arte. Pero eso no quita para que, dentro de su vasta producción, plagada de títulos de esos que todos tenemos en la cabeza cuando pensamos en lo mejor que el cómic norteamericano ha dado, este Fax from Sarajevo sea una obra sobresaliente de Joe Kubert desde la primera a la última página.

Algunos (esos que siempre le andan buscando tres pies al gato) podrían pensar que, dadas las circunstancias bajo las que se ideó este volumen, Kubert lo tuvo muy fácil. ¿Que por qué podría alguien afirmar eso?. Muy sencillo. Porque Fax from Sarajevo es una historia real, vivida por gente real y muy cercana al artista norteamericano. Sus protagonistas son la familia Rustemagic, formada por Ervin, agente de Kubert y figura fundamental en el negocio de los cómics en nuestro continente, Edina, su esposa, y Edvin y Madja, sus dos hijos pequeños. Sobre ellos se abatirá sin descanso la Guerra de Bosnia, esa que estallara a principios de los noventa y por la que Milosevic fue acusado de crímenes contra la humanidad por la sistemática limpieza étnica que llevo a cabo contra los serbios durante los casi tres años en los que se prolongó el conflicto. 100.000 personas perdieron la vida (una cifra que en estos días en los que escribo ya ha alcanzado el terremoto de Haiti) y se calcula que casi dos millones de habitantes tuvieron que desplazarse de su país por culpa de ese infierno llamado Guerra.

Y en medio de todo ello, del caos, los bombardeos y los tiroteos, estava Ervin Rustemagic, un hombre con una determinación de acero que perdió toda su vida en pocos días (resulta acongojante el momento en el que descubre que sus oficinas, con una inmensa cantidad de páginas originales entre las que se encontraba una del Príncipe Valiente dedicada por Hal Foster, han sido completamente destruidas) pero que, aún así, supo mantener a salvo a su familia contra todo pronóstico. Durante dieciocho meses, y a traves de los innumerables faxes que envió a todo aquél que podía ayudarle (de ahí el título), Ervin narró con detalle todo aquello que le iba sucediendo, poniendo en jaque a amistades suyas tan célebres dentro de la cultura europea como Herrmann o el mismísimo Hugo Pratt. En ese tiempo, Ervin hizo todo lo que estuvo en su mano para poder escapar de una muerte que se abatía sin piedad sobre sus conciudadanos, que morían por decenas delante de sus ojos por mor de los disparos inmisericordes de unos tiradores a los que les ofrecían dinero por cada muerto (y más aún si estos eran niños).

Sin suavizar la tragedia, pero centrando su atención de forma casi exclusiva en lo que la familia Rustemagic tuvo que pasar, Kubert traza una historia que se debería convertir en lectura fundamental para cualquier amante del noveno arte: al fijar sus esfuerzos en trasladarnos la odisea de sus amigos, el artista (o más bien cabría decir el artistazo) despersonaliza tanto a las víctimas como a los verdugos, un recurso que, en contra de lo que pueda parecer, aumenta de forma exponencial la tragedia que se vivió en la que fue "la Joya del Este". Sarajevo fué arrasada casi por completo y con ella las vidas e ilusiones de muchos de sus habitantes, algo que queda magníficamente expuesto en la narración de un Kubert que, aquí más que nunca, demuestra por qué es un maestro de maestros. Su narrativa, tan clara y espectacular como se podría esperar, se pone aquí al servicio de una historia en la que no hay héroes de antaño armados con una maza de madera, o pilotos míticos de la Segunda Guerra Mundial, sino gente normal como todos los que ahora mismo os encontráis delante de la pantalla, provocando esto que, obviamente, la ordalía de la familia Rustemagic nos llegue con mucha más fuerza de lo normal.

De su soberbio dibujo, el fantástico y adecuado color que Kubert aplica y como la lectura se pasa en un suspiro no os voy a hablar. En su lugar os propongo que la próxima vez que vayáis a vuestra tienda habitual, os olvidéis de mutantes, vengadores, supermanes u hombres murciélagos. Dejéis de lado cualquier compra que tuvieráis prevista de material europeo y vayáis lanzados a la adquisición de un volumen que engalanará vuestras estanterías. Y si no lo tuvieran en ese momento, no lo dudéis, dejadlo encargado y pagado, así evitaréis gastaros en otro título los míseros 18€ que cuesta esta magistral obra.

Sergio Benítez (393)

NARUTO

2010-07-22T10:00:00.000+02:00

Antes de comenzar esta reseña quería dar las gracias a Sergio y todos mis compañeros por darme la oportunidad de participar en este gran blog donde hemos podido hablar un poco de todo, comic, manga, tebeo, obras maestras, otras que no lo son tanto… por todas esas lecturas, por todas las reCOMICdaciones que he (hemos) podido disfrutar, GRACIAS.

Guión: Masahi Kishimoto

Dibujo: Masahi Kishimoto

Editorial: Glénat

Formato: Libros Rústica. 192 Páginas

Precio: 7.5€

Calificación: 8/10

Para unos será Mazinger Z, para otros lo fue Dragon Ball y para muchos de ahora lo es Naruto. Una serie para recordar, algo que nos acompaña en nuestra infancia, nuestra adolescencia y más alla, pues a pesar de los años y las canas que uno pueda soportar estas series nos han llenado y probablemente podamos verlas una y otra vez y probablemente acabaremos consiguiendo que las siguientes generaciones disfruten de lo que para nosotros fue una gran serie.

Después de leer más de 500 capítulos, más de 50 tomos (y los que quedan) puedo decir sin dudar que esta es una de las mejores series Shonen que hay en la actualidad (no podría decir la mejor ya que algún fan de Bleach o One Piece podría saltar). Es la historia de el niño a que nadie quería, la historia de un niño que fue conocido como el Ninja bocazas, el Ninja imprevisible y muchos otros apelativos en su mayoría despectivos. Es la historia de un chaval que soñó con que llegaría a ser el más grande Ninja de todos, que llegaría ser la persona a la que todos alabarían y entonces por fin dejaría de sentir que su vida la llenaba la soledad entre clase y clase.

Esta gran serie ha ido desarrollando a lo largo de estos años una gran telaraña de tramas y personajes, cada uno con su propia historia, con su propio drama que consigue sin mucho esfuerzo hacer que nos toque y nos emocione. Pero por supuesto no sería un shonen sino hubiera acción y vaya si la hay. Desde el capitulo 1 tenemos enfrentamientos entre ninjas del mismo clan, del mismo pueblo y hasta de la misma sangre. Batallas espectaculares con técnicas que siempre acaban sorprendiéndonos y puede que hasta nos hagan soltar un “WOAAAA”.

Y todas estas batallas, todas las historias y personajes acaban girando en torno, por uno u otro motivo, del gran protagonista de esta serie: Naruto Uzumaki. No os negare que al principio el personaje me pareció bastante estupido y bocazas pero al poco descubrimos que es su forma de enfrentarse al dolor de ser huérfano y a la soledad que le lleva ser quien es y lo que provoca las iras y temores de todos sus conocidos. Pero poco a poco este Ninja bocazas acabará haciéndose un hueco en la vida de todos puede que hasta acabe convirtiéndose en lo que un día soñó: El más grande Ninja de todos los tiempos.

Si fuiste de los que disfrutaron de las grandes batallas de Mazinger, de las búsquedas incansables de las bolas de dragón, probablemente también seas alguien que pueda disfrutar de las aventuras de este pequeño Ninja rubio que ha llegado a calar hondo en todo el mundo.

Sebastián (y 37)

The ROCKETEER. The Complete Adventures

2010-07-21T10:00:00.001+02:00

Guión: Dave Stevens

Dibujo: Dave Stevens & VVAA

Editorial: IDW

Formato: Libro Cartoné. 144 Páginas

Precio: $29.99

Calificación: 9/10

Corría el año 1991. Faltaba todavía una década para que la fiebre por las adaptaciones de cómics alcanzara su detonante con la primera entrega del Spider-man de Raimi. Eso no significa que los que por aquellos años estábamos en plena adolescencia no hubierámos tenido contacto con ciertos tebeos en celuloide, el problema era que con títulos como Flash Gordon tampoco podíamos emocionarnos mucho acerca de lo que este género iba a poder alcanzar. Y no, no voy a decir que el estreno de Rocketeer cambiara el panorama, más que nada porque el filme de Joe Johnston no obtuvo los brillantes resultados de taquilla que se deseaban, aunque sí logró otros objetivos que, si bien nunca llegaron a oídos de la Touchstone, si que supusieron grandes cambios para cierto coleccionista incipiente del sur de España que por aquél entonces empezaba a mirar los cómics con cierto cariño.

Aún con ese toque algo cheesy y de marcado tono cómico que lo rodeaba, tengo que admitir que a mi sí me gustó (y me sigue gustando casi veinte años después) Rocketeer: ya sea por la maravillosa música de James Horner, o por las inacablables curvas de Jenniffer Connelly, lo cierto es que guardo un recuerdo excelente del primer visionado que le hice al filme el día de su estreno. Poco podía imaginar que, a los pocos días del mismo, me encontraría en un quiosco de mi ciudad que solía visitar, con la única copia que había llegado a toda Algeciras de la edición de Zinco de las primeras aventuras del personaje. Y aún mayor fue la sorpresa al descubrir que, al contrario de lo que había imaginado, era la cinta la que adaptaba al cómic y no viceversa (dicha precipitada conclusión venía de las muchas adaptaciones de películas a lo Dune, 2010 o Indiana Jones y el Templo Maldito que en las ediciones de Forum había leído cuando chico).

El álbum editado por Zinco pasó pronto a formar parte de esos cómics que releía una y otra vez y con el tiempo se convirtió en uno de esos que, cuando el concepto "compras por internet" se hizo fuerte en mi modo de vida, busqué y rebusqué hasta poder adquirirlo en su edición americana original en tapa dura. Más de una década había transcurrido cuando finalmente pude dar con él por eBay, pero la satisfacción de haberlo logrado no fue nada comparado con el descubrir que dicho álbum no era el único que Dave Stevens había dibujado con Cliff Secord como protagonista, ya que sus aventuras habían continuado en un segundo tomo titulado Cliff's New York Adventure editado por Dark Horse que al poco tiempo cruzaba el Atlántico en dirección a mis estanterías.

Toda esta historia no pretende sino ilustrar (quizás con mucho lujo de detalles, sí, pero ¡qué demonios!) la relativa importancia que Rocketeer ha tenido en mi vida como coleccionista de cómics. Así pues no es de extrañar que, aún teniendo en mi posesión los dos tomos norteamericanos que, tras la muerte de Dave Stevens, eran ya lo único del personaje que pasaría a formar parte de la historia del noveno arte, el anuncio de IDW de una nueva edición en tapa dura de todo el material con recoloreado por parte de la gran Laura Martin me llenara de alegría. Y ahora puedo decir que con razón.

Pero vayamos por partes y dediquemos un instante a ilustrar a los que no lo conozcan sobre las virtudes de este título. Rocketeer es, como ya he dicho, la criatura de Dave Stevens, dibujante californiano que comenzó su carrera a mediados de los setenta a las ordenes de Russ Manning, para luego trabajar con Steven Spielberg en En Busca del Arca Perdida o haciendo los storyboards del Thriller de Michael Jackson. No sería hasta 1982 cuando Stevens, amante desaforado del Hollywood dorado, creó Rocketeer, el alter ego de Cliff Secord, un piloto de aviones circenses que, por un azar del destino se encontrará con un cohete experimental que, atado a la espalda, le permite volar. Con el trasfondo temporal que supone situar la historia en 1938 (con la Segunda Guerra Mundial a las puertas, y los nazis como amenaza en ciernes) Stevens cuaja un cómic de claro regusto clásico en el que los cliffhangers típicos de los seriales radiofónicos de la época están a la vuelta de cada página. Trabajando con los arquetipos propios del cine clásico de aventuras (ya saben, el héroe a su pesar, la damisela en apuros, el malo maloso....vamos, Indiana Jones en estado puro) los guiones de Rocketeer, que en algunos momentos parecen fruto de la improvisación, no son el punto fuerte del cómic, sobre todo si se los compara con el maravilloso dibujo, pero eso no implica que no funcionen a las mil maravillas, entreteniendo al lector y trasladándolo sin atisbo de dudas a los dorados años treinta.

Pero claro está, cualquier consideración que se quiera hacer para con el guión, queda ahogada de forma inmediata cuando uno abre el volumen y comienza a deleitarse con los magistrales dibujos de Stevens. De formas redondeadas y una clara influencia por parte de nombres como Norman Rockwell, Alex Raymond, Will Eisner, Wally Wood o Frank Frazzetta, el trazo de Stevens es, en pocas palabras, una belleza: expresivo, dinámico, de nitidez preciosa y clara narrativa, las páginas de Rocketeer sirven para poner de relieve la gran pérdida que ha supuesto para el noveno arte el prematuro fallecimiento de este gran artista. No podríamos finalizar este párrafo sin comentar, por supuesto, el que muchos coinciden fue el mejor hallazgo de la serie sin ánimo de menosopreciar a los muchos que esta atesoró. Cualquiera que alguna vez se haya acercado a Rocketeer sabrá que me estoy refiriendo a Jenny, la novia de Cliff, y la decisión del artista de hacer que sobre el papel tuviera el rostro de la reina del pin-up, la hermosa Bettie Page, una mujer de redondeces soberbias y sensualidad desbordante que, en la pluma del artista, cobraba de nuevo una vida capaz de quitar el hipo; algo que en esta edición ha potenciado sobremanera el exquisito recoloreado de Laura Martin.

Huelga decir que Rocketeer es lectura recomicdada obligatoria para todo aquel amante del noveno arte sin ningún tipo de distinción. En sus páginas hay lugar para todo lo que se le pueda pedir a un tebeo: acción, misterio, crímenes, aventuras y romance en uno de los más hermosos envoltorios que haya visto el cómic americano.

'Nuff said!!

Sergio Benítez (392)

1936-1939. TORMENTA SOBRE ESPAÑA

2010-07-20T16:00:00.000+02:00

Guión: Víctor Mora

Dibujo: VVAA

Editorial: Glénat

Formato: Álbum Cartoné. 88 Páginas

Precio: 20€

Calificación: 8.5/10

Atentos a los datos sobre este gran volumen. A los guiones Víctor Mora, al que creo no hace falta que presente a estas alturas. A los dibujos, nombres tan consagrados como Víctor de la Fuente, Florenci Clavé, José Ortiz, Jesús Blasco, Alfonso Font o Tha, y otros no tan conocidos como los de Annie Goetzinger, Antonio Parras o Attilio Micheluzzi, usuales (al menos los de la primera y el tercero) en las páginas de cierta mítica revista allá por los años ochenta. Y como temática común a los ocho relatos que aquí se recogen, la Guerra Civil como sólo Mora sabía hacerlo.

El hecho de citar a esa "mítica revista", es que fue en CIMOC...¿ah, pero no sabiáis que era de ella de la que estaba hablando?... en donde por primera vez aparecieron todas las historias que Glénat recopilaba hace dos años en este excepcional tomo que hoy recomicdamos. Excepcional por mucho motivos. Primero porque su publicación casi coincidió con el 75 aniversario del comienzo de la guerra que dividió a España en dos (aunque al parecer la editorial quiso retirarse de forma consciente de los actos institucionales que quisieron conmemorar tan horrible suceso). Segundo porque cuando Mora se hace cargo de la escritura de los guiones de Tormenta Sobre España se encuentra en el momento más maduro de su longeva carrera, uno al que había llegado tras dejar atrás sus Capitán Trueno, Jabato o El Corsario de Hierro (y no es que tenga nada que objetar de tan legendarios títulos), pariendo otros mucho más puntales dentro de su producción como Dani Futuro, Sunday o Las Crónicas del Sin Nombre. Y en tercer lugar porque los dibujantes asociados al proyecto forman parte de la historia del noveno arte en nuestro país, como ya hemos afirmado por activa y pasiva en las muchas recomicdaciones que aquí le hemos dedicado a algunos de ellos.

Como es de esperar, Mora no se ocupa en Tormenta Sobre España en elogiar a los héroes de la guerra, sean de un bando u otro, ni de relatar lo épico de alguna de las batallas que trufaron la parricida contienda. Nada más lejos de la intención del escritor. Lo que Mora concreta aquí son historias en las que el dolor, la tragedia, el drama y las miserias que la Guerra Civil trajo a nuestros antecesores. Y lo hace a pie de calle, entre los barracones, en primera línea de batalla, en los comienzos de la contienda o cincuenta años después, sin que nada importe a la efectividad de lo que cuenta el personaje o personajes elegidos para ello, ya sean estos rabiosamente republicanos como fachas hasta la médula, españoles o alemanes, hombres o mujeres. El genio y talento que Mora destila en cada una de las historias sólo está al alcance, y eso es algo que el lector puede inferir tanto de lo que directamente lee en las páginas del volumen como de lo que Mora deja entre líneas para que seamos nosotros los que completemos la experiencia única que es este intenso viaje a nuestro pasado.

En lo que al dibujo respecta, resulta asombroso que, aún con la diversidad de artistas que trufan el álbum, la percepción del mismo que uno se lleva cuando ha completado la lectura es de fuerte unidad entre todos. No cabe duda de que parte de ella se debe a su guionista, pero tampoco se puede vacilar a la hora de ser conscientes de que es responsabilidad última de los grandes nombres que acompañan a Mora el que Tormenta Sobre España tenga la entidad que tiene. Dejando a un lado filias personales que colocarían a José Ortiz y Víctor de la Fuente por delante de sus compañeros, no sería justo valorar más a ellos que a lo que Clavé, Goetzinger o un desconocido pero virtuoso Antonio Parras consiguen transmitir con sus viñetas.

Guardando ese carácter de obligatoria lectura que es denominador común a todos los tebeos que han hecho hincapié en lo miserable de la Guerra Civil española, Tormenta Sobre España sobresale de la media por ser, en su falso carácter fragmentado, una visión única sobre un momento histórico que marcó a nuestra tierra, dejando en ella cicatrices que todavía hoy perduran (y que es muy probable que tarden mucho en olvidarse).

Sergio Benítez (391)

EL MISTERIO RELIGIOSO

2010-07-20T10:00:00.002+02:00

Guión: Grant Morrison

Dibujo: Jon J Muth

Editorial: Zinco/Planeta

Formato: 72/144 Páginas

Precio: 950 ptas/13,95€

Calificación: 6/10

Dios ha muerto. O por lo menos el actor que hacía de Dios en la obra de teatro de un pequeño pueblo llamado Townely. Este es el punto de partida de la obra de Grant Morrison, la aparición del detective Frank Carpenter y su investigación, nos servirá a los lectores para pasar lista y conocer de primera mano a los sospechosos del crimen y los entresijos del pueblo.

Acompañando al detective, la aparición de una periodista del pequeño periódico local precipitará los acontecimientos, hacia un final tan inesperado como surrealista. Visto en conjunto, la novela gráfica peca de dispersarse en su argumento, donde el personaje principal, el detective Carpenter, va de un lado a otro, interroga sospechosos mientras tiene extrañas visiones (quizás premonitorias), o visita un prostíbulo que parece salido de Twin Peaks sin ningún motivo en particular, mas allá de definir innecesariamente la enfermiza personalidad del alcalde del pueblo.

Personalmente, y tras haber leído bastantes obras de Grant Morrison, da la sensación de que este trabajo intentaba asemejarse al estilo de otros compañeros del sello Vertigo, como Neil Gaiman, que sí que saben dotar a sus personajes de la profundidad que necesitan. En este caso, sólo tenemos clara la necesidad de la periodista de salir del pueblo y trabajar en la gran ciudad (más que nada, porque lo oímos de su boca en dos ocasiones), pero el resto de personajes no siguen un rumbo fijo, y aparecen y desaparecen de forma constante.

Sin embargo, algunos destellos de genialidad se dejan entrever en este peculiar relato, como la conversación mantenida con el Reverendo Tilley, quien ha dejado de creer en Dios tras perder a su mujer a causa del cáncer pero sigue dando ánimos a sus feligreses, y nos deja esta frase digna de enmarcar: “Somos animales estúpidos y asustados que rogamos a un cielo vacío, y si puedo calmar el miedo de mis semejantes mintiéndoles sobre el cielo, lo haré”. Brutal.

Publicada por vez primera en 1994, El Misterio religioso supuso la consagración de Jon J Muth, que obtendría al año siguiente el premio Eisner al Mejor ilustrador de Cómics. Y la verdad es que cada página de la novela gráfica merece tal honor. Como sucediera con Dave Mckean en Arkham Asylum, es bastante complicado imaginar la obra y la sensación final que deja al lector, sobre todo en el tercio final, si cualquier otro dibujante se hubiera hecho cargo. Realista, con un prodigioso dominio de la luz y el color, consigue que nos olvidemos de las pequeñas carencias narrativas de un primerizo Morrison para dotar de un mayor empuje y efectividad al conjunto.

Jose (57)

PD: A puntito ha estado de colgarse la etiqueta de ReCOMICdaciones de Antesdeayer, pero al haber sido reeditada por Planeta os ponemos los datos de las dos ediciones, la comentada por Jose y la recientemente aparecida.

PRELUDIO A DEADPOOL CORPS - SERIE LIMITADA

2010-07-19T16:00:00.003+02:00

Guión: Victor Gischler

Dibujo: Rob! y unos cuantos más

Editorial: Marvel

Formato: 5 Comic-book

Precio: $2.99 c.u.

Calificación: 6/10

Cuando Marvel quiere potenciar a un personaje, hay que admitir que sabe hacerlo bien. La Casa de las Ideas recoge el interés de los lectores por cualquier creación suya y, para evitar situaciones de uso excesivo, mide cada una de las apariciones del mismo, con un cuidado férreo para evitar la saturación del mercado con títulos de ese personaje. ¿Qué? ¿Qué esa será la Marvel de Tierra-2 porque la de aquí se pasa por el forro cualquier cosa que no sea exprimir hasta el último dólar de los inocentes lectores? Noooo…

Todo esto nos lleva a que la última vez que conté, Deadpool protagonizaba 6 colecciones directamente. Y aparecía de estrella invitada en, al menos, 10 títulos al mes. ¿Recordáis los tiempos en los que Spider-Man salía en los segundos números de todas la colecciones nuevas? ¿O cuándo Lobezno se paseaba por nueve colecciones al mes y eso los meses en los que se supone que estaba muerto? Pues ni ellos se acercan al grado de uso al que ha llegado el Mercenario Bocazas.

Pues bien, como Quesada y compañía no estaban aún satisfechos, decidieron sacarse de la manga uno de esos eventos con Deadpool de protagonista. Así nació Preludio a Deadpool Corps, una serie limitada de 5 números que dará comienzo, en un alarde de originalidad, a la serie Deadpool Corps.

¿Quién podría escribirla? Fácil. Victor Gischler, novelista del género negro que les había escrito algo del Castigador y conocía al personaje gracias a que ya cuenta sus andanzas en otra colección, Deadpool: Merc with a Mouth (de la que os hablaré en otra ocasión), parecía una buena opción.

¿El dibujante? Y aquí debo decir que me lleve una sorpresa. En un inspirado movimiento, encargaron el dibujo de cada número a un ilustrador diferente. Pero esto hay que contarlo. El primero y segundo suponen un viaje a los 90 de esos de dar vértigo porque, amigos, Rob Liefeld y Whilce Portacio vuelven a Marvel. Liefeld con el personaje que ayudó a crear y haciendo gala de un dominio del trazo y una profusión de decorados que llega a apabullar. ¿Qué? Eso también era en la Tierra-2, ¿verdad? Lo dejamos en que dibuja exactamente igual que hace 20 años y que nos presenta a la primera de los integrantes de los Deadpool Corps, Ladypool. Portacio se porta algo mejor y se encarga de la historia del Kidpool. No, de verdad, Kidpool… Después llegan Philip Bond, en la mejor historia de la serie con Dogpool de protagonista. Paco Medina, que se encarga de Headpool, y Kyle Baker, que cierra con un número en el que se le ha ido la mano con el ordenador y que resuelve más bien poco.

¿La historia? Eso es lo de menos. Echa unos cuantos chistes, los Deadpool, más chistes, un poco de viaje entre dimensiones para reclutar a los protagonistas en una misión que no quede muy clara y algunos comentarios jocosos. Por lo demás, nada nuevo bajo el sol ni que merezca la pena leer.

Javier (8)

JUSTICE LEAGUE OF AMERICA – 80 PAGE GIANT

2010-07-19T10:00:00.002+02:00

Guión: Chuck Kim, Josh Williamson, Rich Foge y otros

Dibujo: Mahmud Asrar, Adrian Syaf y otros

Editorial: DC

Formato: Comic-book.80 Páginas

Precio: $5.99

Calificación: 6/10

Hace bastante tiempo que no leía nada de la Liga de la Justicia. Creo que la última vez que me acerqué a la colección fue cuando la guionizó Brad Meltzer, en lo que fue una temporada bastante irregular que prometió bastante más de lo que entregó. Tras eso, la colección volvió a caer en esas etapas que no van a ninguna parte. El principal problema es que cuando juntas a los principales pesos pesados de una editorial como DC, las amenazas a las que debes enfrentarlos deben ser, cuando menos, de la categoría de impresionantes. Por esta razón, la colección se convierte en un in crescendo continuo que, irremediablemente, lleva al cansancio y a la falta de ideas.

Aún así, cuando anunciaron que los nuevos autores de la colección serían James Robinson a los guiones y Mark Bagley a los lapices, mi interés se despertó. Robinson ha sido siempre un autor sólido y sus obras suelen tener todas algún punto de interés y Bagley, bueno, Bagley es uno de los mejores profesionales del sector. No es un dibujante estrella ni innovador quizás, pero cumple con creces en cada trabajo, ofreciendo siempre un trabajo sobradamente satisfactorio.

Pero antes de la llegada de estos autores, DC decidió sacar un especial que, creí en mi ignorancia, sería una introducción a la nueva etapa. Nada más lejos que Cuenca… El especial cuenta una historia manida sobre la intención del villano Epoch intentando eliminar, mediante la conocida estratagema del viaje atrás en el tiempo, a su principal enemigo cuando aún es un niño. La Liga de la Justicia se enfrenta a él para frenar sus planes pero, en otro increíble giro argumental, el maloso los envía en parejas a diferentes puntos del espacio-tiempo: el Oeste, la Edad Media, el Japón Feudal o los Años 30 son algunos de los destinos escogidos.

Todo esto, guionizado por un grupo de recién llegados y dibujado por artistas primerizos en lo que, supongo, ha sido una maniobra para ver como se desenvuelven. La respuesta es que no nos importa porque el cómic es directamente aburrido e insípido. Esperemos que la nueva etapa de la colección no se parezca en nada a esto.

Javier (7)

Las MIL CARAS de JACK el DESTRIPADOR

2010-07-16T10:00:00.001+02:00

Guión: Antonio Segura

Dibujo: José Ortiz

Editorial: Toutain

Formato: Álbum Rústica. 80 Páginas

Calificación: 9/10

Resulta cuanto menos curioso que, con respecto a ciertos iconos de la cultura popular (y si ya entramos en iconos frikis la cosa se agrava) cada uno tengamos nuestros claros referentes. En el caso de Jack el Destripador, y como ya dieron buena cuenta tanto en la recomicdación como en los comentarios de From Hell, nuestros compañeros Mario y Nacho no albergaban dudas acerca de cuál era el suyo, la serie de televisión Jack the Ripper en la que Michael Caine interpretaba al Inspector Abberline, áquel que se hiciera cargo de los crímenes de Whitechapel. En mi caso, y de nuevo con respecto al asesino de prostitutas londinense, los referentes se duplican con dos cintas en las que la leyenda del Destripador se mezcla con otros personajes coetáneos tanto o más conocidos que él. La primera es Asesinato por Decreto, un filme en el que John Hopkins, guionista británico de segunda, hacía que los mismísimos Sherlock Holmes y Watson (interpretados por Christopher Plummer y James Mason) se implicaran en la investigación del posible autor de los crímenes, apuntando, como haría también Alan Moore en From Hell, a una operación de cobertura de una indiscreción de la realeza británica. La segunda, y de mayor peso específico, era la que cruzaba a H.G.Wells en el camino de Jack. Su título, Los Pasajeros del Tiempo, dirigida por un Nicholas Meyer que hacía que el novelista, encarnado brillantemente por Malcom MacDowell, viajara al futuro (al igual que había hecho George Pal en El Tiempo en sus Manos) esta vez para atrapar al asesino que, en una vuelta de tuerca, no era otro que uno de sus mejores amigos, un elegante, terrorífico y la mar de convincente David Warner.

Muchos años han tenido que pasar para que a estos títulos venga a añadirse ahora uno más que, sin dudarlo ni un momento, gana por goleada a la hora de establecerse como el primero de esta particular lista. Y es que el trabajo de Segura y Ortiz en Las Mil Caras de Jack el Destripador es de esos que sabe como atraparte en la primera página y mantenerte en vilo hasta la última sin necesidad de grandes gestos como usar personajes que nada tuvieron que ver con el asesino, o menos aún de recursos tan efectivos y artificiosos como los viajes temporales. No. Como fue marca de la casa en los trabajos que ambos concretaron en conjunto (ese Hombre que tantas veces hemos citado y que se asomará en un futuro no muy lejano por estas líneas, o los Burton & Cyb y Morgan de los que algún día hablaremos largo y tendido), el título que hoy nos ocupa es de una suciedad tremendamente elegante.

Nada resulta más apropiado para visualizar esa Inglaterra victoriana que el asombroso trazo de Ortiz y los ásperos guiones y diálogos de Segura. Todo lo que podamos llegar a decir aquí del primero es saliva gastada en vano pues ya se ha dicho antes muchas veces y por "plumas" más hábiles que la que firma esta recomicdación: no hay nada en el dibujante valenciano que pueda resultar desdeñable, absolutamente nada. Por empezar con algo, resulta obvio cuando se han pasado un par de páginas de este o cualquier otro trabajo del artista, que la capacidad de Ortiz a la hora de caracterizar a sus personajes no conoce límites. Huyendo de forma consciente del hiperrealismo e inclinándose por un trazo que en ocasiones es caricaturista, la extrema expresividad que alcanza desde el personaje con mayor protagonismo hasta el que sólo aparece fugazmente en una viñeta es, junto a la facilidad con que se pueden diferenciar unos de otros, una de las grandes (que no la única) virtudes del español. Junto a ella, la precisión en el tempo narrativo; la sencillez en la estructura, que huye de efectivismos vacuos como las splash-pages para centrarse en una composición tan clásica como efectiva; el control que la plumilla ejerce sobre la luz, apagándola sin ahogarla en viñetas de las que uno juraría que dimanan la humedad y el olor del Tamésis....lo dicho, Ortiz es un grande y este álbum no es más que otra muestra del talento que desplegó en nuestras tierras antes de ponerlo al servicio de Bonelli y su Tex.

Pero claro está, cuando se tiene detrás un guión como el de Segura, todo parece sencillo. La idea del guionista para con Jack el Destripador es clara. Si mucho ha llegado a especularse con la posibilidad de que el asesino no fuera una sino varias personajes, el escritor le da la vuelta a tales opciones y juguetea con el hecho de que Jack sería ni más ni menos que un maestro del disfraz con personalidad múltiple. Descrito así, y a lo largo de siete sórdidas historias en las que el asesino adopta diferentes apariencias, Segura tiene la oportunidad de concretar sendos relatos negros en los que la miseria del alma humana se expone de forma descarnada, sin que necesariamente provenga de Jack, sino más bien de los deleznables personajes que pueblan el bajomundo londinense. En las pocas páginas de que consta cada una, escritor y dibujante dan lecciones magistrales de cómo condensar la narración para ser tan efectivos como se podría desear. Partiendo de la base de que este es un trabajo de ficción que poco o nada juega a ser un posible reflejo de la realidad, resulta brillante la historia con la que se cierra el magnífico álbum: con un título tan revelador como La Primera Vez, Segura se atreve a arrojar luz sobre el origen del asesino,;uno que, por más veces que haya sido usado en el cine, no deja de producir escalofríos cuando es plasmado con la maestría con la que el escritor lo hace.

Poco más puedo contarles hoy. Tan sólo que hagan por encontrar este soberbio álbum editado por Toutain allá por 1986. Si después de su lectura no se han convencido de que pocos dibujantes ha dado nuestro pais como José Ortiz es que, sin ánimo de ofender, se merecen que un tal Jack les abra un bonito hojal en "todo lo que viene siendo" de ombligo para abajo.

Sergio Benítez (390)

PERSÉPOLIS

2010-07-15T10:00:00.000+02:00

Guión: Marjane Satrapi

Dibujo: Marjane Satrapi

Editorial: Norma

Formato: Libro Cartoné. 360 Páginas

Precio: 25€

Calificación: 10/10

Hay obras que por una u otra razón nos marcan. Nuestro primer cómic de superhéroes que nos hizo descubrir algún personaje que nos fascinó, aquél tebeo de Superlopez que nos hizo reír tanto, ese manga que nos empezó a mostrar que no todos los tebeos son iguales. O tal vez aquél del cual oistes muy buenas criticas y por suerte alguien acabó regalándotelo. Ese es mi caso y este es uno de mis comics preferidos: Persépolis.

Si alguien pregunta por las grandes obras de la historia del cómic pocos tardan en mencionar a Watchmen, V de Vendetta o Maus entre otros. Y en esos “entre otros” meto sin dudarlo esta obra. Persépolis es una obra autobiográfica de la historietista Marjane Satrapi, nacida en Irán en un momento de grandes cambios políticos y sociales. En esta obra nos muestra con gran cercanía y simpatía (gracias a un dibujo simplista pero efectivo) mediante anécdotas, en principio acompañadas de la inocencia de una pequeña niña, pero poco a poco, al pasar los años y la niña pasar a adolescente y luego a mujer, las anécdotas dejan de ser simpáticas para acabar siendo en su mayoría dramáticas debido a la gran represión religiosa. Nos muestra que significa vivir con miedo y paranoia ya que cualquier vecino puede acabar denunciándote por que escuches música prohibida (occidental) o vistas de forma prohibida (occidental otra vez).

La obra se dividía originalmente en cuatro libros, cada uno contando una parte importante de la vida de Satrapi: La perdida de la inocencia, el abandono del país, la vuelta a casa y el adiós definitivo a un país donde la palabra libertad fue borrada del diccionario hace tiempo. Una de las grandes obras maestras del comic europeo, editada por Norma en un único tomo de gran calidad recomendado a todo el que tenga curiosidad por como es el mundo para una mujer que ha vivido muchas cosas.

Sebastián (36)

BERNIE WRIGHTSON. Maestro del Terror

2010-07-14T16:00:00.000+02:00

Guión: VVAA

Dibujo: Bernie Wrightson

Editorial: Toutain

Formato: Álbum Rústica. 86 Páginas

Calificación: 8.5/10

Casi al mismo tiempo que el primer tomo del House of Mystery de Wrightson editado por Planeta llegaba a nuestras tiendas, mi cartero dejaba en casa este álbum adquirido en Todocolección que, publicado por Toutain hace ya casi treinta años, recogía igualmente historias de corte diverso de ese maestro del terror en los cómics que es el dibujante norteamericano. Algo desvencijado por el paso de los años, el olor a añejo del volumen (ese olor que tanto disfrutan ciertos coleccionistas al abrir un cómic) unido a lo amarillento del papel y a los maravillosos dibujos que se iban desplegando ante mis ojos provocaron que una tremenda ansia lectora se apoderara de mi como lo hace esa misteriosa fuerza que nos impele a mirar en aquellos sitios en los que no debemos hacerlo. Y así fue. Dejé lo que en ese momento de la mañana estuviera haciendo (creo recordar que estudiar no-se-qué tema de las oposiciones) y me puse a devorar los muchos y magníficos relatos que este gran volumen guardaba en su interior.

¡Y qué historias!. Repasando las historias de este Maestro del Terror uno se da cuenta de lo mucho que Bernie Wrightson aportó al género en su vertiente aviñetada. Tanto, que con la perspectiva que da el tiempo, quizás no sería descabellado afirmar que, junto a Gene Colan y Richard Corben, el artista fue el que mejor ha sabido entender como plasmar el miedo en una página, trasladando a la perfección toda la opresión, la angustia y el horror ante lo desconocido que sus admirados Poe o Lovecraft hicieron antes que él en la literatura. Con guiones propios, adaptados de los citados autores, o firmados por nombres tan ilustres como el de Bruce Jones, este Maestro del Terror es un compendio alucinante de las grandes capacidades del dibujante.

En las diez historias que componen el volumen, y echando mano de varios estilos diferentes que van desde su característico y redondeado dibujo a uno más estilizado (vemos por ahí el nombre de Howard Chayikin como asistente en uno de los relatos) y profuso en sombreado a base de líneas en contraposición a las masas de grises que tan bien ha sabido utilizar, Wrightson va sondeando los oscuros recovecos del miedo. De todas ellas, y por resaltar alguna que sirva de acicate para que intentéis encontrar este tomo, destacaría tres: Aire Frío, escalofriante historia basada en un relato de Lovecraft y que captura a la perfección la malsana atmósfera que envolvía los escritos del autor de Providence; Jenifer, en la que Bruce Jones nos deleita con un oscuro y truculento personaje femenino que años después sería trasladado a la pequeña pantalla por Dario Argento en uno de los mejores episodios de la primera temporada de Masters of Horror (y el que no haya visto el Cigarette Burns de John Carpenter que corra a buscarlo); y El Gato Negro, en el que traslada de forma precisa el relato de Poe para satisfacción de los amantes del escritor bostoniano.

En definitiva, un volumen que no debería faltar en las estanterías de cualquier amante del noveno arte que se precie, máxime si es de esos que gusta de sentarse en su sofá con una luz mortecina y dejar que alguien tan hábil como Wrightson haga que recemos por no quedarnos a oscuras.

Sergio Benítez (389)

SARVAN

2010-07-14T10:00:00.000+02:00

Guión: Antonio Segura

Dibujo: Jordi Bernet

Editorial: Planeta DeAgostini

Formato: Álbum Rústica. 136 Paginas

Calificación: 9/10

A estas altura tiene que haberos quedado claro que, poco a poco, y sin ninguna prisa, me he propuesto recomicdar la obra completa de ciertos artistas españoles de esos a los que todo el mundo coincide en llamar GRANDES. Carlos Giménez, Fernando Fernández, José Ortiz, Miguelanxo Prado, Víctor de la Fuente, Luis García, Antonio Hernández Palacios y Jordi Bernet. Esos son los autores a los que he ido (y sigo) completando con no pocos esfuerzos (hay títulos de algunos de ellos que o son inencontrables o están a precios prohibitivos) para mi bolsillo. Y aunque a veces tales esfuerzos se vean poco compensados por el resultado de la lectura, otras como este Sarvan, cubren de forma holgada todo dinero que se haya invertido en su búsqueda.

Con sólo leer los nombres que están implicados en él, uno ya puede hacerse una idea de que no está ante un tebeo cualquiera: Antonio Segura (uno de los mejores guionistas que tuvo el noveno arte en nuestro país durante los ochenta) y Jordi Bernet, del que poco o nada habría que decir a estas alturas que no se haya dicho ya por activa y por pasiva. La combinación del talento de ambos ya nos había dejado por aquí esa magnífica obra llamada Kraken, título puntal (¿acaso hay alguno que no lo sea?) dentro de la tebeografía de Bernet que, contra todo pronóstico, se ve superado por este Sarvan, un tebeo sobresaliente se mire por dónde se mire.

Aparecido en las páginas de CIMOC, y con dos volúmenes de Norma recopilando en blanco y negro y color las aventuras de esta despampanante fémina, sería Planeta la que, muchos años después (tantos como los doce que transcurrieron entre 1986 y 1998) y ante la complicada perspectiva de poder hacerse con el primero de los tomos editados por Norma, terminaría por agrupar por completo y, de nuevo en b/n, las historias que Segura y Bernet habían creado tiempo atrás.

En Sarvan, el tándem de autores construye un mundo fantástico cuya ambientación queda definida a medio camino entre el universo post-apocalíptico que el guionista ya había explorado a conciencia en Hombre y otro, completamente opuesto a él, que se situaría en la línea de fantasía heróica definida por el Conan de Howard. A tan explosiva combinación habrá que sumarle deidades en conflicto, referencias religiosas nada veladas (ese final) y visitas de razas extraterrestres. Tal mezcolanza de referencias y géneros habría devenido en un batiburrillo inconexo con cualquier otro escritor, pero Segura sabe darle un hálito de coherencia a un conjunto que, si en la superficie podría no pasar de ser un tebeo más de escapismo, en el fondo guarda ciertas reflexiones que van asentándose con calma conforme avanza la lectura. Arropada por un erotismo nada soterrado (algo propio de la época que provoca que a la protagonista se le vea la delantera a la mínima de cambio, y aparezcan objetos fálicos cada vez que nos descuidemos), Sarvan es una lectura vivaraz que derrocha imaginación por los cuatro costados, inventándose Segura todo un microuniverso al que, lamentablemente, nunca ha vuelto a viajar.

Y dando respuesta pertinente a todo ello está el gran Bernet. Que el dibujante catalán es capaz de cuajar unas mozas de infarto es algo que nadie pone en duda y su diseño de Sarvan no hace más que ponerlo de relieve. Pero, como también ha demostrado hasta la saciedad, sus capacidades como artista gráfico no se limitan a esculpir beldades femeninas sino que su asombroso talento queda plasmado también en esos imposibles adonis masculinos y, en términos generales, en cada página del volumen, mediante una imaginación que en ningún momento le va a la zaga a la del guionista. De factura impecable, asombroso control de los claroscuros y una narrativa alucinante, cualidades todas que ya hemos desgranado aquí una y otra vez, el trabajo de Bernet en Sarvan es, en definitiva, otra pieza más en el enorme y fabuloso puzzle que componen todas y cada una de las obras del genial autor español.

Sergio Benítez (388)

SUPERMAN: SECRET ORIGIN

2010-07-13T10:00:00.004+02:00

Guión: Geoff Johns

Dibujo: Gary Frank

Editorial: DC Comics

Formato: HC Deluxe 240 Páginas

Precio: 29,99$

Calificación: 10/10

La editorial americana DC se caracteriza por sentir la imperiosa necesidad de volver a contarnos lo que ya sabemos cada cierto tiempo. Y si hablamos de uno de los personajes que supone ventas aseguradas para la editorial, la cosa sucede todavía con más frecuencia.

Allá por 1986, John Byrne escribía y dibujaba la versión definitiva del origen de Superman, aquella que tomaba en consideración lo acontecido en las Crisis, y que incorporaba elementos como su pasado kriptoniano, su juventud en Smallville y demás. Pero claro, en 2005 tocaba revisión, y tras muchos pequeños cambios, tocó Superman: Legado, donde Mark Waid se encargaba de cambiarlo todo para dejarlo donde estaba.

Y nadie sabe porqué, ya que no se han producido grandes cambios en el status del personaje desde entonces, este año nos regalan Superman: Secret Origin. ¿Necesario? Seguramente no, pero viendo el resultado final, es una buena noticia para todos aquellos que sepan disfrutar de una buena historia.

Geoff Johns se ha convertido en poco tiempo en el arquitecto definitivo del Universo DC. Su paso por Flash, Green Lantern, o sagas como Darkest Night, han demostrado sus enciclopédicos conocimientos de este universo, y sobre todo, que sabe escribir historias como las de antaño, repletas de diálogos con chispa, acción, y sus imprescindibles finalazos que ponen en broche a cada número.

Y eso es precisamente lo que nos encontramos en Secret Origin. Una historia sencilla, lo que siempre se agradece, con pequeños e insignificantes cambios con respecto a la continuidad que conocíamos (no vaya a ser que se molesten los fans y su dichosa continuidad), y una fidelidad por la versión cinematográfica de Richard Donner que se deja ver en cada página del conjunto (Johns trabajó varios años con el director de cine, y han colaborado en varios guiones hasta la fecha).

Pero claro, ningún guión estaría completo sin la adecuada parte gráfica, y ahí entra Gary Frank a dejarnos con la boca abierta en cada viñeta, con un trazo minucioso y detallista, ilustraciones a página completa que bien podría ser posters, y de regalo, un Clark Kent que se asemeja físicamente al malogrado Christopher Reeve, y que remata ese homenaje al que antes nos referíamos.

Por eso, comprad el tomo en cuanto vea la luz por aquí, o pedidlo en Inglés, leñe, aunque solo sea para volver a disfrutar de la secuencia del rescate del helicóptero en Superman I, el nuevo diseño de secundarios y villanos para la ocasión, y sobre todo, una historia bien escrita y mejor dibujada, de las que hoy no abundan.

Jose (56)

HOTEL HARBOUR VIEW

2010-07-12T16:00:00.000+02:00

Guión: Natsuo Sekigawa

Dibujo: Jiro Taniguchi

Editorial: Planeta DeAgostini

Formato: Álbum Rústica. 96 Páginas

Calificación: 6.5/10

Editado cuando el manga comenzaba a echar raíces en nuestro país, esto es, poco después de que el fenómeno Dragon Ball entrará con fuerza en esta piel de toro, recuerdo perfectamente tanto el haber tenido en las manos este Hotel Harbour View como haberlo vuelto a depositar en las raquíticas estanterías metálicas de la papelería que había cerca de casa de mis padres debido a que su precio (1.250 de las añoradas pesetas) era escándaloso para mis modestas posibilidades. Muy lejos quedaban aún los tiempos en que mi bolsillo me permitiría llevarme a casa todo aquel material que quisiera (¡benditos años de universidad!) y más lejos aún áquel en el que descubriría a uno de los dos autores que firmaban el volumen de marras, el gran Jiro (aquí Jiroh) Taniguchi.

Pero que nadie se lleve a engaño. El Taniguchi que aquí podemos disfrutar no es el de sus trabajos posteriores, esos que, con títulos como El Almanaque de Mi Padre o Barrio Lejano, han encandilado a todos los amantes sin excepción del noveno arte. Para empezar, el artista nipón no se encarga de los guiones, por lo que ya podéis ir olvidándoos de relatos de corte intimista y miradas nostálgicas al pasado, ya que la historia imaginada por Sekigawa se estructura en tres episodios en los que varios personajes cruzaran sus destinos de manera trágica, con asesinatos, venganzas y vidas que son llevadas al límite, en un manga que entronca en el más puro comic-noir.

Y no sólo ahí se aparta este trabajo de lo que hemos podido verle después al japonés, sino que en lo que respecta al dibujo todavía se sitúa lejos de la evolución que su trazo sufriría una vez comenzó a ocuparse de sus obras al completo. Ahora bien, para los que estamos acostumbrados a verle en su vertiente más calmada, este Hotel Harbour View es todo un descubrimiento: de narrativa vibrante y perfectamente ajustada al calculado tempo que va marcándole el guión, el trazo de Taniguchi deja aquí ver detalles que ya olían a grandeza. Muchos son los recursos (algunos tremendamente usuales en el manga de acción) que pueden observarse en las páginas de este manga, pero uno sobresale de entre todos ellos, las cinco páginas en las que el genial artista ralentiza la acción para detallar como una bala llega a su objetivo: lo que en un cómic de la Marvel actual sería criticado (y con razón) por su descompresión narrativa, aquí funciona a las mil maravillas como si de un filme de John Woo se tratara. Así que, sí, no será el Taniguchi que todos conocemos (y adoramos), pero sigue siendo un Taniguchi digno de leer y ser estudiado.

Sergio Benítez (388)

FIRST WAVE

2010-07-12T10:00:00.000+02:00

Guión: Brian Azzarello

Dibujo: Rags Morales

Editorial: DC

Formato: Comic-book. 24 Páginas

Precio: $3.99

Calificación: 6/10

Primero, un poco de historia. Puede que por estos lares no se conozca mucho a Doc Savage pero la verdad es que es uno de esos personajes con un montón de historia a sus espaldas. Creado en los años 30 por Henry W.Ralston y John L. Nanovic, Savage se convirtió rápidamente en un popular héroe de la literatura pulp, protagonizando novelas, seriales radiofónicos y películas en la época. Clark Savage Jr., pues ese era su nombre real, era un médico-inventor-explorador-todolohagobien, entrenado por su padre y un grupo de científicos en cuerpo y alma desde que era un niño, con el propósito de convertirlo en un hombre de habilidades casi sobrehumanas. El autor de más de 180 novelas protagonizadas por Doc Savage, Lester Dent, lo definía como un héroe con las capacidades deductivas de Sherlock Holmes, las habilidades físicas de Tarzán, la educación científica de Craig Kennedy (personaje creado a principios de siglo que investigaba sus casos con ayuda de la química y el psicoanálisis) y la bondad de Abraham Lincoln.

Además, Savage, al que también podéis conocer como el Hombre de Bronce, también ha servido como inspiración para la creación de otros ilustres personajes como Superman, Batman o, más recientemente, Tom Strong. Ahora, Savage llega al universo DC, al frente de toda una línea de personajes anclados en la filosofía pulp y con raíces mucho más urbanas que los famosos superhéroes de la casa.

Brian Azzarello plantea su bautismo como una aventura con sabor clásico y consigue en tan sólo un número establecer las reglas básicas en las que se moverán los integrantes de esta primera oleada. Gracias a los acertados dibujos de Rags Morales, el cómic tiene una estética tradicional, perfecta para el tipo de historia que el guionista quiere contar, demostrando ser la elección idónea para esta encarnación de Doc Savage. Éste, acompañado de otros héroes clásicos como The Spirit o Batman, se mueve en un mundo en el que no existen los superpoderes y lo hace de manera convincente, con una historia que comienza con su regreso a los Estados Unidos con motivo de la muerte de su padre. Sin embargo, nada es lo que parece y, rápidamente, se presentan evidencias que parecen indicar que algo anda mal en todo el asunto. Azzarello introduce otras tramas como la que tiene lugar en las selvas de Sudamérica con un grupo llamado la Mano Derecha Roja u otra que tiene como protagonista a Spirit en Central City.

Una lectura de lo más entretenida y recomendable con personajes que no son los de siempre. Y, una nota antes de terminar, ¿recordáis a los BlackHawks, esos nobles pilotos luchadores por la libertad? Pues esperad a conocer a la encarnación del grupo que nos presenta Azzarello. En palabras de un amigo ¡Acojonantes!.

Javier (6)

COLECCIÓN FIRMADO POR: ISAAC ASIMOV

2010-07-09T16:00:00.000+02:00

Guión: Isaac Asimov

Dibujo: Fernando Fernández

Editorial: Bruguera

Formato: Álbum Rústica. 68 Páginas

Calificación: 8/10

Terminamos aquí nuestro repaso a esta colección Firmado Por... con el volumen que motivó incialmente la compra de los otros dos que ya hemos recomicdado previamente (el de Yo, Robot y el Corre, Hombre). Y la verdad es que la espera en la lectura ha valido la pena, puesto que de los tres he dejado sin duda el mejor para el final, ya sea por la calidad de los relatos de Asimov que se han seleccionado, ya sea por la soberbia labor de Fernández a la hora de adaptarlos y plasmarlos como sólo el sabía hacerlo.

Este volumen supone, en el segundo de los sentidos, todo un lujazo para la vista ya que, desarropado de ese color que tan bien manejaba, podemos asistir en las poco menos de setenta páginas que conforman la lectura a una clase magistral en el uso del lápiz, la plumilla y la aguada de parte del dibujante: su trazo, capaz de amalgamar virtudes tan contradictorias como el barroquismo y la limpieza, se despliega a lo largo de las ocho historias de manera asombrosa, cubriendo con viñetas y una facilidad pasmosa todo aquello que la fértil prosa de Asimov había dejado plasmado en párrafos de texto. Por las páginas del tebeo, Fernández va dejando volar la mano y la imaginación para dejarnos atónitos con mundos futuristas que entroncan a la perfección con ese carácter orgánico y maleable que ya le habíamos conocido en Zora y que aquí adquiere mayor fuerza al contraponerse a la frialdad de la robótica y el vacío insondable del espacio exterior.

Y si decía al comienzo que con respecto a la lectura de los tres tomos que componían la serie Firmado Por... había dejado lo mejor para el final, esta misma afirmación, aplicada al cómic en sí, adquiere el mismo sentido, ya que de todos los relatos, el titulado 2.430 D.C es, con tan sólo cinco páginas, el que se revela como el mejor de todos (sin querer desmerecer a los demás, que el anterior a éste, Multivac, es tremendo): engatusándonos como ha hecho durante toda la lectura con esa página que es a la vez póster y soberbia arquitectura de viñetas que juguetea con el texto, Fernández pone de relieve el carácter de parábola de esa historia en la que un hombre se ve obligado a deshacerse del último atisbo de vida animal en el planeta en aras de la consecución de la perfección a la que la sociedad lleva siglos aspirando. Esa última viñeta, con un hombre apagado sosteniendo una paloma blanca, alberga tanta poesía que resulta harto difícil no dejarse embargar por la melancolía que de ella dimana. Un final soberbio para un tomo que no le va a la zaga.

Sergio Benítez (387)

El DEMONIO ROJO. GANAS de FOLLAR

2010-07-09T10:00:00.001+02:00

Guión: Mauro Entrialgo

Dibujo: Mauro Entrialgo

Editorial: La Cúpula

Formato: Libro Rústica. 140 Páginas

Precio: 12€

Calificación: 8/10

Según me decía alguien hace algún tiempo, se dice por ahí (no se puede ser menos preciso que un servidor) que los lectores de cómics de nuestro país se dividen en dos grupos: aquellos que compran El Jueves, y aquellos que no lo hacen. Exageración cachonda donde las haya y muy lógica si nos estamos refiriendo a la hilarante revista, a la hora de adherirse a uno de los dos, me tendría que inclinar por el segundo, ya que nunca me ha dado por seguir semanalmente la revista. Ahora bien, eso no significa que en mi tebeoteca no haya sitio para muchos de los personajes que en algún momento han pasado por las páginas del semanal, llaménse estos Makinavaja, Historias de la Puta Mili, Historias Fermosas, El Todopoderoso o, cómo no, Clara de Noche. Pero había uno al que hasta ahora no había prestado atención, este Demonio Rojo.

Y no lo había hecho por un motivo principal, y este no era otro que el total desconocimiento de su existencia hasta que no hace mucho (por noviembre del año pasado) La Cúpula lanzara un recopilatorio sobretitulado Siga Usted Todo Tieso, agrupando las últimas páginas a color de las aventuras sexuales de este ex-luchador de wrestling. La lectura de éste, y las muchísimas carcajadas que llegó a provocarme fueron razón suficiente como para querer tener algo más de Entrialgo y su personaje en mi colección. Y así es como llegó este Ganas de Follar, publicado en 2007 y que, en bitono (rojo y negro o turquesa y negro) recoge páginas que van desde la aparición del personaje en El Víbora allá por 1994 hasta principios de la década que ha tocado a su fin.

¿Y qué podemos encontrar en este estupendo volumen?. Pues, al margen de muchas risas, muchas carcajadas (y esos dolores intensos de cabeza que provoca el no poder parar de reir) El Demonio Rojo es un perfecto manual tanto de los muchos arquetipos que rodean a ambos sexos cuando se trata del fornicio, como de verdades como puños relacionadas con el folleteo y todos sus derivados. Sin pelos en la lengua ni un atisbo de nada que se parezca a un tapujo, Entrialgo habla al lector como sólo lo haría ese amigacho que te conoce desde hace años o la pareja que te lleva soportando desde hace algunos más. Esa cercanía provoca una empatía inmediata con todos y cada uno de los personajes que pueblan el particular universo del Demonio, llámese Rafa, el protagonista (cuya única ocupación es follar, y con cuántas más mujeres distintas, mejor), o Higueras, Jorge o Átomo, algunos de sus más que lamentables amigos.

Pero lo mejor de El Demonio Rojo no es conseguir que nos riamos con una facilidad pasmosa. No. Lo mejor es que en su reducido reparto Entrialgo condense con maestría a casi todo lo que cada uno de los sexos puede reservar con respecto a sus apetitos y formas de relacionarse. Es por ello que no debería extrañarnos vernos reflejados en alguno de los personajes o alguna de las muchas anécdotas que estos cuentan. Y es que, a fin de cuentas, este Demonio Rojo es real como la vida misma.

Sergio Benítez (386)

SAY HELLO to BLACK JACK

2010-07-08T10:00:00.000+02:00

Guión: Syuho Sato

Dibujo: Syuho Sato

Editorial: Glénat

Formato: 13 Libros Rústica. 230 Páginas c/u

Precio: 3.95€ c/u

Calificación: 7.5/10

Si hay algo que House y Anatomia de Grey nos han enseñado es que las historias de médicos triunfan. Ya sea con alicientes como triángulos amorosos o grandes personajes carismáticos la verdad es que estas series llaman mucho la atención del público. Sobre todo lo hacen por el drama humano, personas como tu y como yo que tienen un accidente y le tienen que amputar una pierna, ancianos como nuestros abuelos que tienen que extirparles un tumor en algún lugar muy difícil de sacar o madres de familia que tienen cáncer y deben sobrevivir a duras penas a la quimioterapia.

Todas estas historias son solo unos ejemplos de lo que podemos ver en este tipo de series, y algunos de esos ejemplos aparecen en esta serie cuyo titulo hace homenaje al gran Black Jack, personaje creado por el padre del manga moderno Osamu Tezuka.

Say Hello... se centra en un joven estudiante de medicina que empieza sus prácticas en un hospital universitario, donde cada ciertas semanas ira rotando de especialidad hasta acabar decidiéndose por alguna. Saito (el estudiante) es un chaval bastante inocente y con una visión idealizada de lo que es un médico. El pobre acabará estampándose contra la realidad al comprobar que la mayoría de los médicos son unos ávaros que solo buscar forrarse a costa del sufrimiento ajeno. Comprobará que luchar contra el sistema es algo que puede acabar destruyéndole como persona y como médico. Pero sobre todo irá encontrando el camino hacia el médico que él quiere llegar a ser.

Todo este camino de maduración ocurre mientras Saito se traslada de una especialidad a otra, se enfrenta a casos que a cualquiera le harían soltar una lágrima de tristeza y es ahí donde el dibujante usa todo lo que tiene para dibujar escenas muy dramáticas, aunque muchas veces las posturas y caras de los personajes son bastante exageradas.

A media lectura de la serie (13 tomos en total) ya uno puede intuir como se irán desarrollando las tramas, pero no por ello dejan de ser menos dramáticas o dejan de transmitir el mensaje que el autor quiere transmitir: El sistema está podrido y las reglas están para saltárselas si es para ayudar a quien lo necesite.

Es una lastima que la serie no haya vendido lo que se merece y su segunda parte no vaya a llegar (al menos por el momento) a España, pero mientras nos quedamos con la esperanza de que eso ocurra tenemos 13 tomos a 4€ por tomo para poder disfrutar de buenas historias fuera de los típicos shonen de niñatos con superpoderes salvando al mundo.

Sebastián (35)

BARCELONA

2010-07-07T16:00:00.000+02:00

Guión: Kenny Ruiz

Dibujo:Kenny Ruiz

Editorial: Dolmen

Formato: Libro Rústica. 48 Páginas

Precio: 7€

Calificación: 7/10

De un tiempo a esta parte, sobre todo desde mi brusco viraje desde el pijamismo más rabioso al europeismo más recalcitrante, el slice of life ha pasado de ser un concepto más o menos ajeno al que me había acercado de forma puntual con el Strangers in Paradise de Terry Moore, a copar muchas horas de lectura tebeística. No es este el lugar para enumerar uno por uno la ingente cantidad de títulos que han pasado por mis manos, pero sí para comentar que, tras la espléndida sorpresa que supuso el integral de El Cazador de Rayos, este Barcelona pasó pronto a formar parte de esa infame lista negra de cómics por comprar que mes a mes deja mis arcas vacías en aras de conseguir menguarla lo más posible. Como quiera que este pequeño tebeo de Ruiz no entraba en mis prioridades comparado con completar a Carlos Giménez, José Ortiz o Richard Corben; llevaba ya tiempo dejándolo de lado cuando, no se sabe muy bien cómo (cómo se acordó de que lo tenía apuntado en mi lista, quiero decir), Mario me lo regaló por mi cumpleaños.

Barcelona es, en palabras de su autor, "un cómic destinado principalmente al público femenino" con el que el artista quiso descansar entre los dos álbumes que componían El Cazador de Rayos que, de nuevo según Ruiz " era un proyecto me absorvía mucho". Y la verdad es que las dos afirmaciones sirven para situar perfectamente las cualidades mas relevantes del título que hoy nos ocupa, ya que Barcelona es un tebeo mucho más luminoso y vital y claramente orientado a las chicas, aunque ello no signifique ni mucho menos que alguien con cromosomas XY pueda disfrutarlo como Dios manda.

La historia que Ruiz nos cuenta en Barcelona parte de una premisa que, por más que se haya utilizado hasta la saciedad en el cine y la literatura, sigue funcionando sin problemas: la de una chica que, en busca de sí misma, abandona su ciudad natal para irse a una más grande a probar fortuna. Ese es el caso de Cyan (sí, como el color), que deja atrás Granada para mudarse a la capital catalana con ganas de comerse el mundo. Como siempre suele pasar, será el mundo la que se lo coma a ella, no encontrando la protagonista trabajo como fotógrafa, ni ese amor que tan esquivo se le muestra. Aún asi, como toda buena "heroína" que se precie, Cyan hará todo lo que esté en su mano para salir adelante, conociendo en el interín a una serie de personajes que van conformando, junto a la ciudad, el silente marco de fondo de la historia. El dibujo del artista, algo menos trabajado que el de El Cazador de Tormentas, pero igual de efectivo que éste, se suaviza para amoldarse al tono del relato, sin que ello suponga un descenso en la calidad narrativa, dando la conjunción de ambas facetas del autor un tebeo muy entretenido y de agradable lectura.

Sergio Benítez (385)

Las CRÓNICAS del SIN NOMBRE

2010-07-07T10:00:00.000+02:00

Guión: Víctor Mora

Dibujo: Luis García

Editorial: Glénat

Formato: Álbum Cartoné. 112 Páginas

Precio: 14.96€

Calificación: 9/10

Si escribir una crítica siempre es un ejercicio complicado; hacerlo, y hacerlo de manera que se honre en condiciones al trabajo del que se habla, lo es aún más. Tanto es así, que si sobre un título al uso, las ideas que al final terminan concretándose sobre este espacio en blanco que nos proporciona la ventana de Blogger son más o menos adecuadas; cuando la recomicdación que uno arranca es de tal calibre como estas Crónicas del Sin Nombre, dichas ideas se muestran esquivas, como si una mano invisible quisiera impedir que lo que se plasmara en estas líneas no hiciera justicia a aquello de lo que se habla. Y es que este título de Víctor Mora y Luis García no es uno cualquiera, sino probablemente el pináculo de la carrera de su escritor, algo que es mucho decir si tenemos en cuenta de quién estamos hablando.

Tan severa afirmación necesita de aserciones que la refrenden. Y es aquí donde esa torpeza que muchas veces arrastra el lenguaje a la hora de expresar las sensaciones hace su inefable aparición. Les pido disculpas pues de antemano si lo que a partir de ahora vayan a leer no consigue alcanzar a transmitir la grandeza de esta insigne obra.

Lo primero que exige esta recomicdación es una contextualización temporal: corre el año 1973 cuando Víctor Mora y Luis García comienzan a trabajar en la realización de la primera historia de las siete que, a lo largo de seis años, terminarán por concretar Las Crónicas del Sin Nombre. Son tiempos convulsos para nuestro país ya que, tras treinta y cuatro años de dictadura, comienza a vislumbrarse un final cercano para el franquismo (que aún tardaría dos años en expirar). En esta tesitura y con ese oxímoron entre aperturismo y conservadurismo que planteó el régimen en sus últimos tiempos, Víctor Mora acomete la escritura de los guiones de estos relatos como un silente agitador de conciencias. Para ello, y mezclando de forma sublime ficción y realidad, y muy a la manera de como Oesterheld ya había hecho años atrás en su magistral Mort Cinder, se inventa a un personaje que ni tiene nombre ni rostro definido, un grito claro del guionista a la masa que, callada (voluntariamente o a la fuerza), había aguantado de forma estoica la pobredumbre de la posguerra y el drama de una España dividida en dos. Con tal bofetada a las constreñidas mentalidades que habían provocado el exilio de muchos españoles, Mora traza, con suma inteligencia, una suerte de recorrido metafórico que va haciendo hincapié en conceptos como la injusticia, la ética o, sobre todo, la libertad.

Sutil por un lado, y contundente por el otro, el trabajo del guionista catalán oculta muy bien sus cartas para aquellos que no sepan como leerlas. Es por ello que resulta grandioso descubrir hoy, más de treinta años después, la carga conceptual que se ocultaba tras todas y cada una de las historias, escondida en géneros tan dispares como la aventura medieval, el drama cotidiano, la ciencia-ficción o el western. En cada uno, Mora introduce ese pequeño apunte, esa nota discordante que sólo aquél con vista y ingenio agudizado podía encontrar. Pero ahí está no obstante, esperando pacientemente a ser encontrado. Optaré aquí por no desgranar una por una las historias que componen este maravilloso fresco que es Las Crónicas del Sin Nombre, y les dejaré el reconfortante trabajo de que descubran, sin ningún tipo de influencias externas, lo que Mora legó a la historia del tebeo español hace más de tres décadas.

Lo que no puedo dejar de comentar es lo mayestático del dibujo de un Luis García para el que faltan epítetos: detrás de cada idea, de cada argucia enterrada en diálogos aparentemente inocuos, detrás de todas y cada una de las pautas que Mora iba marcando, encontramos a un dibujante pletórico en imaginación y soberbio en su concreción gráfica. Mucho se le ha criticado a García (o mucho se le criticó) el hecho de que la gran mayoría de su trabajo se basara en la referencia fotográfica. A todas esas voces, hoy acalladas gracias a que el paso del tiempo siempre pone las cosas dónde deben estar, yo les diría que ya quisieran muchos tener el talento del puertollanense para, con fotos o sin ellas, ser capaces de plasmar ideas con la fuerza con la que él lo hacía. Y aquí, de nuevo, habría tantos ejemplos como páginas y viñetas tiene el volumen: de lápiz prodigioso, capaz de un hiperrealismo que deja boquiabierto al lector, el dibujante no se esconde en sus referencias, antes bien, las moldea a su antojo en una estructura que se aleja de la estaticidad propia de la técnica de referencia fotográfica para acercarse al dinamismo de los grandes narradores. Aprehender una página de García podrá ser un proceso extenuante para un lector que no esté acostumbrado a más profusión que la que dan los colores infográficos, pero aquellos que se dejen seducir por la desnudez de su lápiz y su plumilla, encontrarán en él a uno de los mejores dibujantes que ha dado nuestro país.

No quisiera finalizar sin antes advertirles de algo vital: Las Crónicas del Sin Nombre no es un tebeo de lectura fácil. Exige de nosotros una atención que no suele ser común en páginas aviñetadas. Puede llegar al punto de ser algo obscura y huidiza a la hora de regalar el tesoro que lleva escondida. Pero les garantizo que, poniendo algo de empeño y mucho mimo, encontrarán en ella una lectura de esas que nunca se olvidan.

Sergio Benítez (382)

SUPERMAN: TRUE BRIT

2010-07-06T10:00:00.005+02:00

Guión: Kim Johnson y John Cleese

Dibujo: John Byrne

Editorial: DC Comics

Formato: Tomo 96 páginas

Precio: 9,99$

Calificación: 6/10

A menudo ven la luz determinados proyectos que jamás pensarías que han podido materializarse, de no ser por la pasión que algunos autores ponen en ellos. Este puede ser el caso de True Brit, un atípico producto que DC publicaba en 2004, todavía bajo el sello Elseworlds (otros mundos por estos lares) con la premisa de colocar a los héroes más famosos del Universo DC en lugares y situaciones en los que nunca antes es hemos visto.

Pero no nos engañemos, este Elsewolrds no coloca al kryptoniano en el Londres de Jack el destripador, o lo empareja con Drácula, por citar algunos de los volúmenes más famosos de este sello. En este caso, asistimos a la llegada de Kal-El, todavía un bebé en su flamante cohete, para aterrizar en Weston-super-mare, un típico pueblecito Inglés, todavía más pequeño que Smallville. Si a esto añadimos que el tono del volumen es de comedia, comprenderéis que no se trata de un Otros Mundos al uso.

El guión viene firmado por Kim Johnson y John Cleese, este último miembro del grupo cómico Monthy Python, en su primera incursión en el mundo del comic, aunque haya escrito guiones para películas como Un pez llamado Wanda, quien demostró especial interés por contar a modo de sátira de la cultura Inglesa como sería la llegada del icono americano por excelencia, el hombre de acero, y su transformación y adaptación a los estándares ingleses.

El resultado, Kal-el será bautizado como Colin Kent, utilizará por vez primera su visión calorífica para calentar el te de las 5, y su primer encuentro con Louisa Lane-ferret (la Lois de este universo) tendrá desastrosas consecuencias para su partida de dardos en el pub. Son constantes, por tantos los juegos de palabras y los chistes referentes a la cultura Inglesa, donde partidos de cricket se mezclan con naves espaciales, y el Batman que aparece en estas páginas no es ni de lejos el que te esperas.

Como decía, mucho tuvo que ver en que este delirante proyecto viera la luz que John Cleese estuviera involucrado, y su amistad con Kim Johnson, quien escribiera un popular libro sobre los Monthy Python, y de esta tenacidad, y la inesperada colaboración del mismísmo John Byrne en el proyecto consiguieran luz verde por parte de DC. Volviendo al apartado gráfico, tal vez la parte mas floja del conjunto, tenemos a un John Byrne de capa caída, lejos ya de sus recordadas etapas con el personaje, quien suponemos que decidió aceptar el proyecto para cobrar el cheque y poco más, y a quien ni siquiera las tintas del eficaz Mark Farmer le salvan de la quema.

Pero True Brit no engaña a nadie, se trata de una simple parodia del personaje y de los secundarios que todos conocemos, con un sentido del humor típicamente inglés, y con el que disfrutarán todos los que decidan entrar al juego, o sepan reconocer buen gag cuando lo ven, y los de Colin ordeñando a las vacas o haciendo de granjero con sus superpoderes no tienen desperdicio.

Jose (55)

La ESTRELLA NEGRA

2010-07-05T16:00:00.002+02:00

Guión: Ricardo Barreiro

Dibujo: Juan Giménez

Editorial: Toutain

Formato: Álbum Rústica. 64 Páginas

Calificación: 6.5/10

Encontrarse con un título desconocido de un autor de esos a los que les compras todo lo que saquen siempre es una experiencia agradable por más veces que suceda, máxime si para colmo es un cómic bien editado y, por muy antiguo que sea, su precio no es prohibitivo. Y eso fue exactamente lo que me pasó en Noviembre con el álbum que hoy recomicdamos, con el que me di de bruces en los Encuentros del Cómic de Sevilla "buceando" entre los muchos cajones que Wizards (esa estupenda tienda sevillana de la que hemos hablado ya por aquí) había llevado al patio central del evento. Siendo La Casta de los Metabarones uno de mis títulos europeos favoritos, y Juan Giménez un dibujante que siempre me deja extasiado, no dudé ni un segundo en adquirir esta Estrella Negra, un título la mar de sugerente con una portada que prometía emociones fuertes para este insigne amante de la ciencia ficción.

Lamentablemente, tal y como pasaba con muchas de esas cintas de los años ochenta que contaban con un póster alucinante para ocultar su carácter de producción B (o directamente Z), el producto no está a la altura de lo que su cubierta da a entender, al menos no en lo que al guión de Barreiro se refiere, ya que el dibujo, como veremos, juega en una liga muy diferente.

Visto hoy, con la perspectiva que da el tiempo, resulta obvia la influencia que, no sólo en el cine, sino en casi todo el entretenimiento (juegos, literatura y cómics) tuvo el estreno de la primera entrega de La Guerra de las Galaxias. Tan obvia en muchos casos como ridícula, ya que las copias y clones que le crecieron a la magna obra de George Lucas en muy poco tiempo llegaron a ser agotadoras. Sumándose a ellas con una desvergüenza que parece impropia del autor de sólidos títulos como Ciudad o As de Pique, Barreiro fusila, intentando por todos los medios que no parezca que lo hace, la historia del granjero convertido en héroe espacial. Y si no me creen a ver que piensan de este resumen de la historia: un muchacho rubio y algo rebelde es rescatado de ser capturado por un misterioso personaje con capucha que busca reunir un grupo que le ayude a rescatar una nave perdida en el centro de una singularidad espacial. Para ello contarán con la ayuda de un androide peligroso contratado en un bar de mala muerte y de una piloto experta teniendo que enfrentarse a unas naves piratas antes de poder llegar al lugar en el que se perdió la nave. Y si aquí no han sido capaces de ver a Luke, Obi Wan, una mezcla entre Chewbacca y C3-PO y otra entre Han Solo y la Princesa Leia, así como las similitudes entre la búsqueda de la nave con el encuentro con la Estrella de la Muerte, es que no he hecho bien mi trabajo. Estará revestido de toda la parafernalia y la tecnojerga que ustedes quieran, pero el gérmen de la idea es bien evidente.

Ahora bien, como decía al principio, el que el guión de Barreiro sea poco más que correcto no es óbice para que el trabajo de Giménez, el primero que el argentino realizó a todo color, sea magnífico. Aún en un momento temprano de su carrera (por más que su primer trabajo profesional tuviera ya dos décadas cuando esta Estrella Negra vió la luz) Giménez venía de terminar su maravilloso As de Pique, por lo que en cuanto a narrativa, caracterización de personajes y diseño de maquinaria, no hay nada que poder achacarle al tebeo. De hecho, el único aspecto a comentar sería el color, y ni siquiera aquí, por mucho que sea la primera vez que el artista se atreve con la policromía, hay nada negativo que decir; Giménez es uno de los grandes de la historieta, tanto por su imaginación como su claridad narrativa, y La Estrella Negra es un excelente ejemplo de ello.

Sergio Benítez (383)

BATMAN: CACOFONÍA

2010-07-05T10:00:00.000+02:00

Guión: Kevin Smith

Dibujo: Walter Flanagan

Editorial: Planeta DeAgostini

Formato: Libro Cartoné. 128 Páginas

Precio: 14.95€

Calificación: 6/10

La verdad es que el motivo de mi relectura de este Batman: Cacofonía no es otro que la publicación de la nueva serie limitada del equipo creativo de ésta, Kevin Smith y Walter Flannagan, dos autores que parecen pasárselo muy bien juntos aunque, a decir verdad, sólo consigan transmitir ese entusiasmo a los lectores. La historia personal de Kevin Smith, como ya sabéis, es una de esas que todo fan querría protagonizar. Ávido lector de cómics comenzó a realizar películas de bajo presupuesto, de ahí pasó a películas de medio presupuesto, a escribir Daredevil, una serie propia basada en sus personajes de Clerks y Green Arrow… Antes de dirigir películas estúpidas protagonizadas por Bennifer o dejar inconclusa una serie limitada de ¡tres números! protagonizada por Bullseye.

Pero bueno, los lectores de cómics todo lo perdonan y aquí vuelve con una historia de Batman para lucimiento del Joker o su propia creación, ese asesino que utiliza las onomatopeyas como única forma de comunicación. Presentado en su etapa en Green Arrow, Smith utiliza aquí a Onomatopeya como detonante en una guerra de bandas entre un Joker, muy enfadado sobre la manera en la que su legado ha sido explotado, y Maxie Zeus, un villano de segunda fila convertido para la ocasión en traficante de una droga de diseño que asola las calles de Gotham basada en la fórmula mortal del gas Joker. El escritor realiza un buen trabajo, estableciendo las personalidades de los personajes que aparecen la serie. Mr. Zsasz y Zeus tienen sus quince minutos de fama, Onomatopeya roba cada escena que protagoniza y el Joker es, en manos de Smith, un perfecto payaso psicópata, cambiando de las bromas inocentes al asesinato sádico en lo que tardas en pasar de una página a otra. Quizás sea Batman, como viene siendo práctica cada vez más habitual, el personaje más plano e insípido de la serie, presente en muchas ocasiones porque el cómic lleva su nombre en la portada. Como nota negativa, decir que, a veces, parece como si el guionista no se diera cuenta de que sus textos de apoyo son extremadamente extensos o que sus personajes no necesitan soltar referencias culturales cada tres palabras.

Walter Flannagan hace un trabajo correcto aunque algo simple, lo que te hace preguntarte que habría hecho un autor más experimentado con los guiones de Smith. Mención aparte merecen las portadas obra de Adam Kubert o Bill Sienkiewicz, una verdadera delicia para el lector.

Bueno, pues hasta aquí Batman: Cacofonía. Una lectura bastante entretenida para pasar un buen rato este verano. En breve os hablaré de Batman: The Widening Gyre, que es para lo que realmente había venido.

Javier (5)

TROLLS de TROY vol.2

2010-07-02T16:00:00.001+02:00

Guión: Christophe Arleston

Dibujo: Jean-Louis Mourier

Editorial: Planeta DeAgostini

Formato: Álbum Cartoné. 200 Páginas

Precio: 19.95€

Calificación: 8/10

Cuando ya se ha cumplido más de un año desde que el primer volumen de Trolls de Troy fuera recomicdado en este espacio de la red, nos disponemos ahora a comentar, aunque no de forma tan extensa como entonces, el segundo tomo de una serie que, ante todo, sabe mantener la frescura y el humor de sus cuatro primeros álbumes. Ello no hace sino demostrar que cuando un equipo creativo funciona como un reloj, sabiendo que resortes tocar para provocar la carcajada en el lector, a éste no le queda más remedio que sentarse y disfrutar como un enano de las barbaridades y desmembramientos varios que se nos muestran en estas divertidísimas doscientas páginas.

Aunque sea de soslayo, recordemos que Trolls de Troy se sitúa en el mismo mundo que la genial Lanfeust de Troy (que Devir editó aquí en ocho volúmenes), doscientos años antes de que los acontecimientos de ésta tengan lugar, y que sus protagonistas son un poblado de peludos y malolientes seres a los que les vuelve locos la carne humana y que tienen especial cuidado en que las moscas que les revolotean continuamente no sufran daño alguno. De todos ellos, Arleston se centra en una familia bastante peculiar, ya que uno de sus miembros es una humana con poderes mágicos que fue adoptada siendo muy niña.

Como ya hiciera en los cuatro álbumes que se recogían en el primer tomo editado por Planeta, el escritor narra aquí una saga completa que, aunque se disfruta muchísimo más si se ha leído la primera entrega, es completamente inteligible por alguien que se introduzca por primera vez en el hilarante universo creado por el guionista francés. A grandes rasgos, en este segundo arco argumental, veremos como Waha, la joven adoptada por la tribu, sigue intentando desarrollar sus poderes mientras Profy, su enamorado, intenta construir una casa en la que ambos puedan vivir en un futuro. Al mismo tiempo, asistiremos a los fastos tanto por la primera mosca de uno de los hijos de Tetram (el cabeza de familia) como por su próxima paternidad, desarrollándose todo ello en medio de los encontronazos de nuestros particulares héroes con varios humanos que no quieren sino aprovecharse de ellos de una manera u otra.

Tanto Arleston como Mourier continúan demostrando una imaginación desbordante, haciendo gala el primero de un humor atemporal que no desdeña en introducir pequeños guiños a situaciones actuales (ese último número con el grupo de trolls directamente inspirado en los Rolling Stones y los títulos traducidos de canciones de Los Beatles es hilarante) y el segundo de una capacidad portentosa para seguir imaginando más y más criaturas que quedan perfectamente definidas y adaptadas al universo al que pertenecen, el de una de las mejores y más frescas fantasías que nos han llegado desde el otro lado de los Pirineos.

Sergio Benítez (382)

DAREDEVIL: ECO

2010-07-02T10:00:00.000+02:00

Guión: David Mack

Dibujo: Joe Quesada, David Mack

Editorial: Planeta (nºs 9-15 y 56), Panini (nºs 57-60)

Formato: grapa 24 paginas

Precio: 1,35-1,70 €

Calificación: 6,5/10 y 10/10

A lo largo de todo el tiempo que llevo leyendo comics Marvel he podido comprobar que una de sus grandes cualidades de este universo comiquero es la gran cantidad de personajes secundarios (o terciarios) que han pasado por todas las series, sobretodo por aquellas series centradas en un único personaje. Como por ejemplo Spiderman. Quien haya seguido alguna temporada del personaje sabrá que por un lado u otro (por su parte heroica o por su lado humano) siempre se rodea de secundarios de lujo. En ocasiones creados para la ocasión y en otras ocasiones actuando al lado de héroes más reconocidos (como Los 4 Fantásticos).

Otro personaje con grandes secundarios es Daredevil. Bullseye, Elektra, Kingpin, Ben Urich son grandes ejemplos de ello. Si habría que destacar algo de los secundarios del cuernecitos es la cantidad de novias que ha tenido (habiendo acabado la mayoría bastante mal). En particular hay una en la que me gustaría centrarme hoy. Una mujer que co-protagonizo la primera historia de DD después de la muerte de Karen. Su nombre es Maya Lopez aunque la mayoría la conoce como Eco.

Su paso por la serie del cuernecitos transcurrió en dos historias (algo alejadas en el tiempo), la primera la co-protagonizó además de con Matt Murdock con Kingpin. Dibujada por Quesada y guionizada por David Mack es probablemente el mejor trabajo que he visto de este primero. Su composición de viñeta, su forma de narrar el pasado (y con él los demonios interiores), la infancia de estos tres personajes. Una infancia que empujaría a cada uno al camino que ha elegido, a su destino. Un diablo guardián, una narradora de historias y un mafioso.

A esta historia se la ha achacado el hecho de parecerse a la que Miller escribió con Elektra de por medio. No he leído esa historia (blasfemia de mi) pero lo que si sé es que Maya no es Elektra y que la situación no es la misma. Si hay algo que sí se le puede achacar a la historia es su larga duración, siete cómics, sobre todo cuando en mitad de la saga te cuelan una historia guionizada por Quesada y dibujada por Rob Haynes que poco tiene que ver con la trama principal aparte de suceder paralelamente a ella.

La segunda historia de Eco se hizo de rogar y no llego hasta el número 56 de Forum y último publicado por Planeta (algo que hizo que me costara más encontrar ese dichoso número).

En esta ocasión el protagonismo cae totalmente en Maya y su busqueda de perdón y redención por la forma en la que acabo su relación con Matt/Daredevil. Con David Mack como artista completo nos encontramos con una historia en 5 partes que puedo decir sin dudar es puro arte. Hay quien podría decir que lo que Mack hizo en esta historia no es comic al prescindir casi totalmente de las viñetas tal y como las conocemos. Prácticamente nos regala una exposición de cuadros por los que pasan Kingpin, Daredevil, Caballo loco (padre de Maya), Lobezno (como invitado especial) y la propia Maya.

No es la historia de una superheroina o de la exnovia de un superheroe. Es la historia de una mujer muy especial intentando reencontrarse a sí misma, contada de una forma especial, con poesía ilustrada diría yo (suena cursi pero no tengo palabras para describirlo de otra forma).

Esta es la historia de Eco. Es la historia de Maya Lopez, una mujer con una minusvalía que la convirtió en una gran artista, en una gran mujer, que como su propio nombre en código dice, por donde ella pasa siempre deja su recuerdo, como un eco.

Sebastián (34)

El PRINCIPIO del FIN

2010-07-01T10:00:00.001+02:00

La semana pasada creí que me daba algo cuando, leyendo los comentarios que algunos dejábais en la despedida de nuestro Nachete, Alberthor apuntaba a la posibilidad de que servidor cerrara el "chiringuito". Y si así fue es debido a que la decisión había sido tomada no hacía sino una semana por parte de la "cúpula directiva" del blog. Pero retrocedamos algo en el tiempo...

Octubre de 2009.
Tras un año trabajando para El Correo de Andalucía, y habiendo tenido que dejar por el camino mi implicación en la defunta Cine & Bso (una maravillosa página web en la que invertí cinco años) por la declarada incapacidad de poder escribir dos veces sobre lo mismo (la crítica de cine para el periódico y la misma, pero más larga, para la página web), el que esto firma proponía a sus jefes del rotativo la posibilidad de incluir en el suplemento cultural una página dedicada al cómic. Envalentonado por el buenísimo ritmo de reseñas que llevaba en el blog (con varios meses vista cubiertos) me dije que no, que en ningún caso el estar escribiendo para El Correo iba a suponer que tuviera que abandonar mis labores para con esta bitácora que tantas alegrías me había dado hasta entonces.

Pero, como se suele decir, del dicho al hecho hay un trecho, y no habían pasado ni tres meses desde que la página del cómic viera la luz cuando sus efectos comenzaron a notarse. El más notable de todos ellos fue que, teniendo que consumir todas las novedades editoriales mensuales y escribir sobre ellas, empecé a notar que las lecturas que hacía al margen, aquellas que al final veían la luz en estas líneas de tinta virtual, no las estaba disfrutando. Todas las alarmas se dispararon al ver como títulos que llevaba meses deseando "pillar por banda" eran consumidos con una mezcla de desidia y obligación.

Como tal combinación era de todo menos idónea (¡¡¿no disfrutar de un cómic??!!...JAMÁS) me dije que era el momento de parar máquinas. A fin de cuentas tenía cubiertos como siete meses de reseñas y podía permitirme dejar de escribir un tiempo, al menos para el blog, ya que para el periódico me es imposible. La "mejora" fue inmediata, y todos los síntomas de cansancio fueron desapareciendo de forma paulatina en pocas semanas, volviendo a disfrutar como un enano de todo aquello que pasaba por mis manos.

Ante tal tesitura, y con la carga que suponía (dada mi escasez de tiempo) tener que montar las reseñas de los demás colaboradores del blog, hablé con Nacho y, como él os contaba el lunes pasado, le pedí que se hiciera cargo de actualizar a diario. Una petición que el buen talante de nuestro querido valenciano aceptó con gusto. Pero aún así, algo no terminaba de cuajar...había algo que me estaba avisando de que tenía que cerrar una etapa y que, por mucho que quisiera, cuando se acabaran las reseñas que tenía en cartera, volver a escribir, aunque fuera una vez por semana, iba a ser cada vez más complicado (por tiempo y ganas).

Y así llegamos a hoy.

1 de Julio de 2010
Fecha oficial del arranque de el que será último mes de esta primera etapa de lecturas reCOMICdadas (¿para qué cerrar del todo la puerta si se puede dejar entreabierta?). Echando la vista atrás y haciendo acopio de nostalgia, recuerdo ese mes de mayo de hace dos años cuando Mario y servidor conjugaban con ilusión esfuerzos para sacar este blog a la calle. Han sido muchos meses tratando de dar con la cadencia perfecta de actualizaciones (¡y pensar que hubo meses que sacábamos dos reseñas diarias¡ ¡qué locura!) pero todos los esfuerzos (lo del Salón del Cómic de 2009 todavía me pasa factura) han merecido la pena tan sólo por que, gracias al blog, he podido conocer y reencontrarme con gente cuya validez llega mucho más allá que las simples frikezas compartidas.

De Mario poco puedo decir: GRANDE es una palabra que se le queda corta y ha sido el mejor compañero de viaje (aunque la mitad del mismo se lo haya pasado en reserva) que podía haber deseado. Jose estuvo ahí desde casi el principio y el reecuentro con mi viejo amigo ha sido sin duda alguna la MAYOR alegría que me ha proporcionado este espacio virtual. Nachete desembarcó por aquí junto a cien kilos de cómics de esos "que ya no quería" y fue el primer fichaje (junto a Jose) que tuve claro que había que hacer...¡qué poco me equivoqué!. De Toni lo mejor que se puede decir es que sus reseñas exudan tanta honestidad como los muchos correos que hemos podido cruzarnos y que, gracias a él, han sido muchos los títulos que he podido descubrir. En el pozo de los deseos se queda el que su presencia hubiera sido más intensa, pero cuando no se puede, no se puede. ¿Y Sebas?, comentarista incansable y lector que lo mismo se empecina en recomicdar toda serie mutante que se le ponga a tiro que sacarse de la manga un título que conocen él y el que lo creó. Se te echará de menos, compañero. Y no me olvido de ti Javi, que aunque breve, has dejado impronta en el blog.

Como tampoco me olvido de todos los lectores que habéis compartido con nosotros este periplo por la red. ¿Cómo olvidarme de Angux (amigo en la distancia), Óscar (¿ande te metes?), Alberthor, Ali, Yota, JA, Nemo Nadir, el Sr. Werty, Jolan o nuestro "impaciente" Pablo?. Para todos vosotros y para todos los demás que alguna vez os habéis pasado por esta bitácora vayan estas GRACIAS de CORAZÓN por estar ahí.

Nos seguiremos leyendo por algún rincón de la red.

Hasta siempre.

'Nuff Said!!!!

Sergio Benítez

P.D: aclaro que eso de que hoy arranca "el que será último mes de esta primera etapa" significa tan sólo que, para que la despedida no fuera a finales de Julio y os quedaráis con una sensación amarga en la boca, hemos decidido ofreceros todo un mes de reseñas como cierre del blog. Y atentos, porque habrá días que tendremos de nuevo actualizaciones matutinas y vespertinas.

P.D. 2: ¡Y otra cosa!. El blog no desaparecerá. Se quedará aquí como testimonio de las casi setencientas lecturas que una vez tuvimos a bien recomicdar.

BANDOLERO

2010-06-30T10:00:00.001+02:00

Guión:Carlos Giménez

Dibujo: Carlos Giménez

Editorial: Glénat

Formato:Álbum Cartoné. 64 Páginas

Precio: 11.95€

Calificación: 8.5/10

Resulta algo triste observar cómo muchos de los personajes que fueron iconos de nuestra infancia son desconocidos totales para las nuevas generaciones, y algo más darse cuenta de que con el tiempo, estos caeran en el olvido. De los muchos que podríamos citar está claro que Curro Giménez marcó una época en televisión española, dando una visión bastante aproximada (todo lo aproximada que una serie de ficción suele ser) de la vida de un grupo de bandoleros en la Andalucía decimononesca. A lo largo de sus tres temporadas, la serie hizo famosos a sus tres actores principales: Sancho Gracia como el protagonista, Álvaro de Luna como el Algarrobo y José Sancho como el Estudiante, papeles por los que todavía hoy, más de treinta años después, siguen siendo reconocidos.

Aunque su primera emisión me pilló bastante pequeño, el recuerdo temprano de la misma, unida a un visionado en las muchas veces que TVE la repuso a comienzos de los ochenta hizo que las aventuras de los bandoleros formaran parte de mi infancia tanto como las de Mazinger, Heidi, Marco u Orzowei. Así que pueden imaginarse la sorpresa cuando descubrí que uno de los muchos títulos que componían la extensa tebeografía de Carlos Giménez llevaba por título Bandolero y por subtítulo: Historia Verdadera y Real de la Vida y Hechos Notables de Juan Caballero, Escrita a la Memoria por él Mismo y Adaptada a la Historieta por Carlos Giménez, dando a entender tan extensa frase que, separándose de lo que suele ser habitual en su obra, el autor madrileño había basado su guión, no en experiencias personales o en la ficción escrita por alguno de los guionistas con los que ha trabajado, sino en la historia real de un personaje que vivió durante el s.XIX en tierras de Despeñaperros hacia el sur.

Poco importa, a la luz de la magnífica lectura, que Giménez extraiga su inspiración de la singular biografía de Juan Caballero cuando los resultados son de tan alta calidad como los que podemos encontrar aquí: tomando tan sólo varios episodios de la vida del bandolero, el artista español construye un relato apasionante que entronca de pleno en la mejor tradición del western que tan bien supo cultivar con Gringo adaptando los parámetros del género americano a un sabor mucho más castizo y nuestro sin que ello vaya en ningún momento en detrimento de lo que el autor de Paracuellos es capaz de cuajar. Por las páginas de Bandolero, y con su habitual genio, Giménez describe con presteza la singular y paradójica figura de Caballero, un asaltador de caminos con un peculiar sentido del honor, por una parte; y los escenarios por los que este se movió, por la otra, situándonos a la perfección (tanto como la serie de televisión o mejor) en la época en que el personaje llevó a cabo sus correrías mediante unas magníficas localizaciones y mejores escenarios. El resultado, aun a sabiendas de que es un trabajo de menor calado que Paracuellos, Los Profesionales, Hom, Koolau o 36-39: Malos Tiempos, sigue demostrando, más allá de toda duda, que cualquier tebeo de Giménez, por muy pequeño que sea, es más grande que los mayores de otros autores.

Sergio Benítez (381)

BATMAN: A LONELY PLACE OF DYING

2010-06-29T10:00:00.004+02:00

Guión: Marv Wolfman

Dibujo: Jim Aparo, George Perez y Tom Grummet

Editorial: DC Comics

Formato: Tomo 120 páginas

Precio: 5,95€

Calificación: 7/10

Hace muchos, muchos años (bueno, no tantos, que estoy hecho un chaval), allá por 1989, empecé a comprar mis primeros cómics en inglés, en una pequeña librería de Sevilla que recibía de forma mensual (y ni ellos sabían por qué) la serie regular de Batman y la de Flash. A pesar de la barrera del idioma, el simple hecho de poder estar al tanto de que sucedía años después de lo que Ediciones Zinco nos contaba cada mes (esto fue antes de los cómics presuntos, Previews y demás), me hacía acudir puntualmente a por mi dosis de material americano que devoraba con toda la rapidez que alguien con el Collin Pocket en la mano puede leer.

Era la época en que Jim Aparo suponía el culmen del dibujo del hombre murciélago, y sus historias, muchas guionizadas por Denny O´neill, eran sencillas, casi todas autoconclusivas, y en todo caso, terminaban al mes siguiente de haber empezado. Sin embargo, un mes recibí el # 440 de Batman, y noté una franja de color rojo que advertía: Un lugar solitario para morir, parte 1 de 5. Aquello era demasidado, una historia en 5 partes, dibujada por mi entonces favorito Jim Aparo! Comencé a leer y todo iba de maravilla hasta que llegué a la última página, y leí el pequeño recuadro: “Continuará en los Nuevos Titanes # 60”.

Como podéis suponer, sin posibilidad alguna de que ese comic llegara a Sevilla, tuve que conformarme con leer las partes 1, 3 y 5 de la historia, imaginando el resto que, por si fuera poco estaba dibujado por George Pérez. Aunque todo sea dicho, antes se pensaba más en los fans, y se podía entender la saga si solo leías la serie de Batman. Finalmente, un inspiradísimo viaje de un familiar a Londres terminó con esta historia y con el tomo recopilatorio en mis manos.

La historia en sí, dejando a un lado anécdotas de mis primeros años de lector compulsivo y demás, estaba muy bien contada, y reunía, tras la muerte de Jason Todd, a Batman con su nuevo pupilo, Tim Drake, contra la amenaza de dos caras y la posibilidad de que un nuevo Robin muriese a manos de uno de sus enemigos, dudando Batman si quedarse solo apartir de entonces. A esto se sumaba Dick Grayson, antiguo Robin y entonces Nightwing en los Nuevos Titanes, que motivaba el cruce entre ambas series.

Releyendo ahora este tomo, algo amarillo por el uso y los años, no puedo ser del todo coherente con la nota que le pongo, sabiendo el cariño que le tengo a estas historias de Batman de Aparo, y el tiempo que dedicaba a traducir y leer cada una de sus viñetas, pero si estoy seguro de que estas historias han sabido envejecer mejor que el papel en que están impresas, y que son una recomendable lectura para recién llegados y también para nostálgicos. Y si no tenéis un familiar que vaya a Londres próximamente, esta saga se reeditó completa no hace mucho en Clásicos DC: Nuevos titanes Nº 35.

Jose (54)

STRANGE: THE DOCTOR IS OUT

2010-06-28T10:00:00.002+02:00

Guión: Mark Waid

Dibujo: Emma Rios

Editorial: Marvel

Formato: TPB 96 páginas

Precio: 14,99$

Calificación: 4/10

Afrontémoslo, el Doctor Extraño nunca ha sido un personaje apasionante. Bien, nos gustaba por los mundos que Ditko hacía que visitara o porque formaba parte de ese increíblemente divertido grupo que eran Los Defensores. Y, vale, yo le guardo un rincón freaky porque mandó a Hulk, cuando era La Masa, a La Encrucijada y me regaló una de las sagas que recuerdo con más cariño de todas las que he leído (y el que no crea que Planet Hulk no es más que una triste copia de esa historia que levante la mano…)

Últimamente, la vida de Stephen Strange se ha visto sacudida por el arquitecto de los destinos Marvel de los últimos años. En Los Vengadores de Bendis, Extraño ha visto como le era arrebatado el título de Mago Supremo y el control de la magia que conllevaba. Y por ello, el personaje con el record absoluto en llegar tarde a solucionar entuertos mágicos, ha salido de la vida heroica marveliana.

Sin embargo, las cabezas pensantes de la Casa de las Ideas debieron pensar que no era mal momento para traerlo de vuelta, aunque fuera un rato. Quizás envalentonados por los buenos resultados de la anterior serie limitada, magníficamente escrita por Brian K. Vaughan e increíblemente dibujada por nuestro Marcos Martin (sé que no es la obra que nos ocupa pero es, simple y llanamente, una de las lecturas más entretenidas de los últimos tiempos.)

Para ello, llamaron a un guionista que ha demostrado su valía en multitud de ocasiones, Mark Waid. El problema es que, también, debieron pensar que sería una buena idea acercar al personaje a los lectores más jóvenes. De este modo, el apartado gráfico se lo dieron a una de esas autoras que parecen haber estado calcando manga desde pequeñitas. Emma Rios, que así se llama en este caso, nos entrega unos dibujos torpes e infantiles, que no aportan nada a los guiones de Waid que, tal vez oliéndose el percal, tampoco podemos decir que se luciera con su historia. El escritor nos cuenta cómo Strange localiza a una chica para ayudarla y ésta pasa a convertirse en una suerte de aprendiz de mago. Todo muy light y con una reticente adolescente queriendo-sin-querer-ser discípula del Doctor Extraño.

Resumiendo, un cómic que mejor os perdéis.

Javier (4)

SGT. ROCK: The LOST BATTALION

2010-06-25T10:00:00.001+02:00

Guión: Billy Tucci

Dibujo: Billy Tucci

Editorial: DC

Formato: Libro Cartoné. 160 Páginas

Precio: $24.99

Calificación: 6/10

Teniendo en cuenta lo vasto del panorama tebeístico americano, es más que normal que los autores y series a los que jamás me he acercado, y probablemente nunca me acercaré, se cuenten por decenas. De entre ellos, Billy Tucci y su Shi era de esos que nunca me había llamado la atención por más que desde el otro lado del charco se loara hasta la saciedad en su momento el preciosismo que el autor derrochaba en la serie de la guerrera oriental, y por más que dicha cabecera gozara incluso de múltiples nominaciones a los premios Eisner. Y así habría seguido (máxime ahora que cada vez me interesan menos títulos procedentes de las dos grandes) si Tucci no se hubiera implicado en un tebeo bélico, si yo no lo hubiera visto por casualidad en mi última visita al Forbidden Planet londinense, y si el volumen en cuestión no hubiera estado retractilado.

Lo segundo tiene fácil explicación, ya que este fue uno de los tomos que, tras no pocas deliberaciones, terminé por llevarme en mi última visita al templo del cómic de la capital británica. Lo primero resultará algo relativamente familiar a cualquiera que lleve algún tiempo pasándose por este blog, ya que el cómic bélico es una de mis debilidades, como bien muestran las muchas recomicdaciones que le hemos hecho por aquí a títulos como As de Pique, Historias de Guerra o los Diarios de Guerra de Hugo Pratt, por poner tres ejemplos bastante significativos.

Pero es en la tercera afirmación donde se encuentra el quid de la cuestión de la recomicdación de hoy. Y es que si hubiera encontrado algún tomo sin su plástico correspondiente. O me hubiera acercado a solicitarle a algún dependiente que lo retirara, no habría tenido que gastarme los más de veinticinco euros por los que al final me terminó saliendo la bromita (teniendo en cuenta el cambio de la libra, por supuesto). Y no me malinterpreten. No es que el cómic sea "malo", por más que deteste calificar así a una lectura, pero si pudiera haberle echado un ojo detenido al dibujo, es más que probable que se hubiera quedado durmiendo el sueño de los justos en los estantes de la tienda: si bien la labor de documentación de Tucci es asombrosa, y el nivel de detalle de maquinaria, armamento, uniformes y escenarios es soberbio, no se puede decir lo mismo en cuanto a los personajes y, sobre todo, en cuanto a la narrativa del artista americano, que por momentos resulta tremendamente confusa, impidiendo al lector seguir la trama con la facilidad que hubiera sido deseable.

Para confeccionar el guión, Tucci se basa en los acontecimientos reales que vivió un batallón del ejército norteamericano en los bosques de Alemania mientras trataba de abrirse paso al corazón del país cuando fue rodeado por el ejército teutón, superado en número y asediado durante largos días de invierno mientras esperaba un rescate que no llegaba. Tan épico relato, es engarzado con habilidad por el autor con una figura clave del Universo DC, el Sargento Rock, una figura que, visto lo visto, no hubiera sido necesario incluir para hacer funcionar una historia que se contaba sola y que, como otras muchas sobre la Guerra Mundial, habla del heroismo, el compañerismo y la estoicidad de un grupo de soldados frente a las muchas adversidades que les tocó vivir. El toque de originalidad de cómo Tucci narra los acontecimientos lo da la multiplicidad de puntos de vista que usa para ir desarrollando la acción, tomando personajes tan diversos como el citado sargento, un oficial nazi o un dibujante de cómics que trabaja para un periódico.

Lamentablemente, es este toque el que, junto a la citada narrativa visual, conforma el talón de Aquiles de la lectura, haciendo que los seis números de que se componen se conviertan en una ardua tarea para el lector, al que el esfuerzo de llegar al final termina pasándole factura. Una lástima, la verdad.

Sergio Benítez (380)

The AMAZING SPIDER-MAN #479

2010-06-24T10:00:00.000+02:00

Guión: J. Michael Stracynski

Dibujo: John Romita Jr.

Editorial: Marvel

Formato: Comic-book. 32 Páginas

Precio: $2.25

Calificación: 10/10

“Conozco tu secreto. Sé que eres Spiderman”

Palabras lapidarias que marcaron un antes y un después en la relación de Peter Parker/ Spiderman y May Parker. Palabras que tardaron muchos años (décadas) en salir de la boca de la querida Tía May la mujer que crió a Peter como si fuera su propio hijo y por lo tanto, la mujer a la que la palabra tía se queda muy corta.

En uno de los grandes momentos de la etapa de J.M.Straczynski, después de una pelea a muerte contra Morlun, uno de los pocos villanos que ha conseguido que Spiderman pensara en pedir ayuda a los 4 Fantásticos o Los Vengadores (aunque como siempre se encuentran inmersos en alguna aventura propia, justo cuando más se los necesita), después de todo eso el héroe llega a su piso y se lanza a su cama para poder recuperarse de semejante batalla. Pero J.M.S. nos estaba preparando la traca final de esa saga. Si creíamos que había sido emocionante aquel enfrentamiento y el descubrimiento del tótem de la araña lo más gordo fue aquella pagina donde May entra en el piso de su sobrino para visitarlo y se lo encuentra lleno de vendas, heridas y con un disfraz de Spiderman hecho jirones.

Simplemente asombroso.

Años atrás y tal vez con otro guionista esto habría provocado un infarto a la débil y anciana tía, probablemente algo de amnesia selectiva y algo más para meter en el enorme saco de culpas que Peter lleva encima. Pero no. Aquí y ahora se decide tirar para adelante, aceptar lo que ha pasado y darle la verdad que se mece la mujer que crío a nuestro querido Spiderman. Eso ocurrió en la última pagina de Amazing Spider-man #477. El siguiente número vemos como May pasa el día entero sola, con el traje destrozado de Spiderman en sus manos, pensando en todo y en nada, pensando en qué debe hacer ahora, en qué le dirá a su sobrino y sobre todo pensando en como debe sentirse ella con este descubrimiento.

Y por fin llegó el momento de “La conversación” en Amazing Spiderman 479.

“Deja… de mentirme. ¿Cómo has podido mentirme todos estos años?”

“Por que te quiero. Y no quería que nada ni nadie te hiciese daño. Y menos yo.”

Culpas, miedos, verdades, muchas lagrimas y alguna risa llenan las paginas de las que para mi es uno de los mejores comics de Spiderman de toda su historia, a pesar de que algunos quieran borrarlo de nuestra memoria.

“Eres mi sobrino, Peter. Y no importa lo que haga, no importa lo que seas, no importa lo que creas que eres… siempre te querré."

Sebastián (33)

3 STORY

2010-06-23T10:00:00.003+02:00

Guión: Matt Kindt

Dibujo: Matt Kindt

Editorial: Dark Horse

Formato: HC 192 páginas

Precio: 19,99$

Calificación: 8.5/10

Para empezar, deciros que antes de leer este cómic de Matt Kindt no conocía nada de la obra de este diseñador gráfico y autor de cómic independiente. La verdad es que no he tenido muy buenas experiencias con esos llamados “autores de culto”, encontrando muchas veces que las llamadas obras underground e independientes, más allá de múltiples premios y reseñas intelectualoides, no me han aportado nada aparte de dolores de cabeza y guiones torpes.

Por eso, al abrir 3 Story, lo hice con la total convicción de que iba a ser uno de esas obras que dejaría a mitad de la narración para pasar a otras lecturas. Sí, puede que de menor renombre y caché cultural pero, sin duda, bastante más entretenidas. Ese fue mi primer error.

3 Story está increíblemente bien diseñada. Cada pequeña parte de la historia, cada detalle de su dibujo, incluso su portada o las páginas que dan comienzo a cada uno de sus capítulos, forman parte de esa increíble historia principal. El autor conoce bien su oficio y, como diseñador gráfico, incorpora a su narración elementos de todos los campos posibles. Páginas de periódicos o extractos de libros sobre sus personajes hacen fluir la narración de un modo pausado y sutil.

La historia en sí puede parecer simple. Los tres pisos a los que hace referencia el título es la altura que alcanza Craig Pressgang, su personaje principal, un niño que crece inexplicablemente hasta convertirse en un gigante. ¿Simple, verdad? Segundo error. Kindt utiliza este punto para hablar sobre la dificultad de las relaciones, la soledad del individuo y como, muchas veces, tener que crecer como personas nos puede llevar a lugares en nuestra vida que no querríamos visitar.

La narración también está dividida en 3 partes, contando cada una de ellas la relación que el protagonista mantiene con las 3 mujeres más importantes de su vida: su madre, su esposa y su hija. El dibujo de Kindt es de una simpleza apabullante lo que ayuda a otorgar intimismo a la historia principal, gracias en gran medida al magnífico uso de los colores que hace el autor.

Así que hacedme caso. No cometáis un tercer error y os perdáis esta obra. Merece la pena. Es más, me voy a buscar ahora mismo cualquier otra cosa que haya escrito este tipo.

Javier (3)

LULLABY vol 1: WISDOM SEEKER

2010-06-22T10:00:00.003+02:00

Guión: Mike S. Miller y Hector Sevilla

Dibujo: Hector Sevilla

Editorial: Alias Comics

Formato: Tomo 96 páginas

Precio: 9,99$

Calificación: 2/10

Por alguna extraña razón los coleccionistas de cómics tenemos la extraña tendencia a no dejar que nadie cercano a nosotros se deshaga de cualquier material de lectura, si antes se nos da la oportunidad de hacernos con él. Como cuando oímos a nuestras madres hacer limpieza, y cada intento de deshacerse de algo acaba en un “no lo vayas a tirar, eh?” Ya podemos estar hablando de las obras completas de Jeph Loeb en Superman/Batman, por las que no darías un duro, que si oyes a un amigo decir: lo tengo en casa y creo que lo voy a tirar, te sale de dentro: hombre, pásamelo, que tan malo no puede ser. Pues hacedme caso, a veces lo es.

Todo esto viene al caso porque, se no ser por mi amigo Javier, el comic que hoy reseño nunca habría caído en mis manos. Lo primero que me llamó la atención fue la cuidada edición que Alias Comics, una editorial americana totalmente desconocida para mi hasta la fecha, había realizado para un simple TP de diez dólares, con su papel imitando a cuero viejo, y sus brillos sobre el dibujo, que no hacían presagiar lo que esperaba adentro.

Y eso que la premisa no era del todo mala. Después de un accidente de coche, nuestra protagonista termina perdida (quizás encoma y soñando todo lo que le pasa) en un mágico mundo donde se convertirá en la Alicia del País de las maravillas, y pronto encontrará a personajes tan conocidos de la literatura infantil y juvenil como el Flautista de Hamelin, Caperucita Roja, Pinocho, o el joven protagonista de la Isla del tesoro. Y digo que el concepto no pintaba mal, porque la propia Fábulas bebe de las mismas fuentes, y es una de mis lecturas obligadas cada mes.

Pero si os habéis fijado en la nota que le pongo, está claro que Lullaby no es Fábulas, por mucho que se esfuercen sus creadores. La colección sigue a los personajes en su camino hacia la tierra de Oz, donde Hansel, Gretel y oros populares personajes irán desfilando por sus páginas sin ton ni son. Y ese es el principal problema de la serie, que no parece tener una idea clara de hacia donde se dirige la historia o los personajes, algunos son desaprovechados, otros llegan a resultar cargantes, y no existe un hilo argumental lo bastante fuerte como para soportar estas 96 páginas.

Del apartado gráfico, aspecto medianamente salvable el conjunto, se hace cargo Hector Sevilla, quien con un estilo amerimanga muy en la línea de Adam Warren, hace que la lectura sea mas entretenida, aunque las exageradas reacciones de los personajes, propias de personajes de anime, con mandíbulas desencajadas y enormes gotas de sudor en la frente, también resulten algo repetitivas.

En resumen, un refrito de ideas y personajes reinventados, sin guión en el que sustentarse, con dibujo pasable, que seguramente daban para una serie simpática y sin pretensiones, y que se queda en un divertimento a medias, con pocas probabilidades de relectura. Si a alguien le interesa, Norma editorial publicó este tomo y su secuela no hace mucho (sí, hasta una secuela hicieron). Ah, y si decido tirarlo, ¿lo quiere alguien?

Jose (53)

Y HASTA AQUÍ HE LLEGADO!!

2010-06-21T10:00:00.004+02:00

Guión: Nacho

Dibujo: Eric Basaldua

Editorial: Lecturas ReCOMICdadas

Formato: Entrada de blog

Precio: No tiene

Calificación: ¿¿??/10

Esta es una entrada que he estado postponiendo durante una temporada. Hace unos mesecillos le comenté a Sergio que por motivos laborales y sobre todos familiares (el retoño consume el 110% de mi tiempo libre) mi nivel lector viñetero estaba bajo mínimos. Y consecuencia directa de la no lectura, tenemos la imposibilidad de recomicdar.

La cuestión es que justamente mi solicitud de baja se juntó con una falta de tiempo por su parte para la gestión de ésta web por culpa de la gran cantidad de proyectos que lleva en marcha, así que entre unas cosas y otras (y con el liante de Jose por el medio) al final terminé decidiendo hacer de tripas corazón y tirar hacia adelante, recomicdando medio de memoria, medio de presunteo. Y a ésa labor le añadí la maquetación de las entradas para aliviar la carga a Sergio. ¿Cómo? ¿Qué no se ha notado? Pues eso es todo un elogio. Pero si os fijáis en los pies de las entradas dónde pone "Publicado por..." podréis ver en cuáles he metido mano.

Bueno, vayamos al lío. Resulta que ya he llegado al tope. No se me ocurre de qué recomicdar, y la alegría e ilusión con la que iniciaba la andadura por aquí hace un año (y es justo un año, curiosamente) se han diluido, convirtiendo el ejercicio de la ReCOMICdación en una obligación hecha en ocasiones forzadamente y casi a desgana.

Así que aquí os dejo mi humilde "hasta luego" porque ya se sabe que uno nunca se marcha del todo. No sé si más adelante mi pasión lectora viñetera se verá reforzada y mi tiempo libre aumentado, pero es algo que no creo que ocurra a medio plazo ya que en el horizonte se perfila la silueta de otro retoño. Y entonces sí que veo complicado lo del tiempo libre para leer. Y digo leer, porque lo que es escribir (y que no se entere mi jefe) lo he hecho siempre desde el trabajo, en las pausitas del café o entre una faena y otra.

Así que muchas gracias. A los que me habéis leído. A los que me habéis comentado. A los que han coincidido con mis opiniones. A los que pensaban que estaba equivocado en mis valoraciones. A los que mi opinión les haya ayudado a decidirse en sus compras. A los que se han acordado de toda mi familia por comprar algo que yo sobrevaloraba. Y, sobre todo, a los apañeros de ésta pequeña familia que es Lecturas ReCOMICdadas. Gracias a todos, sinceramente.

Y hasta aquí la cosa por el momento.

Saludos!

Nacho (56)

OTHER LIVES

2010-06-18T10:00:00.002+02:00

Guión: Peter Bagge

Dibujo: Peter Bagge

Editorial: La Cupula

Formato: Cartoné 136 Páginas B/W

Precio: 18 €

Calificación: 8.5 / 10

Cuando Peter Bagge decidió dar carpetazo a Odio muchos quedamos huérfanos de nuestra dosis de nostalgia noventera. Todo ese rollo grunge made in Seattle, New Jersey, pesimismo existencial y humor negro y acido a partes iguales funcionaba de maravilla en la serie publicada aquí en España por La Cúpula.

¿Se acabó lo que se daba? Habría que darle un voto de confianza al amigo Bagge. Porque él lo vale. ¿Y como respondió? Pueeeeeees. Con Yeah!, con Sudando Tinta, con Hulk, con Spiderman, y Apocalipsis Friki. Hombre, para el fan ortodoxo del estilo Bagge esto era un poco raro. La gente se encontraba perdida. Su dios del cómic alternativo publicando tebeos de La Masa y del Hombre Araña. Por favor.

Pero que nadie se alarme. El toque del de Nueva York siempre está presente. Pero claro, la sombra de Buddy es alargada amigo y tras algunos intentos fallidos que no contaron con el apoyo del público ahora parece haber encontrado el buen camino.

Su nuevo trabajo es una novela gráfica para Vertigo titulada Other Lives. El tema principal de la obra se podría resumir en la siguiente pregunta: ¿Quiénes sómos? Una cuestión que ya tocaría en Odio y que ahora retoma para hacer de él el motor de esta historia.

Mucho se ha escrito sobre la personalidad de los seres humanos. Nos comportamos de manera distinta dependiendo del entorno en el que nos encontremos: trabajo, amigos, vida en pareja o incluso vida en internet-on line. De esto y de mucho más trata Other Lives.

Para ir poniéndose en situación: Vladimir Rostov, periodista de investigación, Ivy Chin, novia de Vladimir, Javier Ortiz, obsesionado con las teorías conspiratorias y Woodrow Wooley, separado y jugador de poker via internet. ¿Y ahora qué? Junten a estos personajes, crucen sus vidas y añadan secretos, inseguridades, infidelidades virtuales, humor bastante irreverente y el mencionado toque Bagge.

El amigo Peter lo ha vuelto a hacer. Esta novela gráfica te atrapa y no puedes soltarla hasta que no la termines. Hasta que no sepas el destino que sufrirá cada uno de los personajes, que al fin y al cabo es lo más importante en la historia.

Y sí, puede que no nos olvidemos de los Bradleys tan fácilmente pero si lo que nos depara el futuro de este autor es tan bueno como esta Other Lives podemos respirar tranquilos y esperar con ansias su próxima obra. Como curiosidad señalar que aunque Other Lives apareció en el sello Vertigo en Estados Unidos será La Cupula y no Planeta la que acabe publicándola en España. A mi que me registren.

Mario (2ª Época#22)

GUARDIANES de la GALAXIA Vol3 nº 1

2010-06-17T10:00:00.002+02:00

Guión: Dan Abnett, Andy Lanning

Dibujo: Paul Pelletier

Editorial: Panini

Formato: Libro Rústica. 144 páginas.

Precio:9,25 €

Nota: 8/10

Desde hace unos años el Universo Marvel se ha movido al son de los grandes eventos: Dinastía de M, Civil War, Invasión Secreta, etc. Estos (ya sean de mayor o menos calidad) han colapsado casi toda la atención de los lectores, a pesar de que en un rinconcito de este universo comiquero se estaban desarrollando tramas, series y situaciones bastante interesantes.

Me refiero a los eventos cósmicos. Ya te gusten más o menos este tipo de historias no se puede negar que están muy bien planteadas y al contrario que los anteriores eventos mencionados también están más contenidas, siendo las series y miniseries relacionadas con los eventos centrados en personajes. Dos de las mejores consecuencias de estos eventos son el nacimiento de dos nuevas series: Nova y Guardianes de la Galaxia.

Hoy toca el turno de hablar de GDLG. Después de Conquista lo primero que se plantean los supervivientes de La Falange, los que ayudaron a su destrucción, es que hace falta una fuerza de choque que esté preparada para situaciones extremas como las que han sufrido. Y ya que Nova aún tardará un poco en reconstruir el cuerpo Nova, StarLord decide reunir a un grupo con los mejores guerreros con los que ha luchado en la última época.

Drax, Gamora, Warlock, Quasar, Mantis y Mapache Cohete son los Guardianes de la Galaxia, los salvadores del universo y también uno de los grupos más extraños que existen. Irónicos, cínicos, cómicos divertidos, letales… son tantos los adjetivos que se les pueden adjudicar a estos personajes que podría basar la reseña solo en hablar de sus cualidades. Pero tener unos buenos personajes y bien caracterizados no es todo lo que ofrece esta serie.

Acción, drama, humor, skrulls, sectas que amenazan con dominar el universo, agujeros espacio-temporales que amenazan con destruirlo y cosas raras que salen de ellos. Todo esto y algo más podemos encontrar en el primer tomo de esta serie. Una serie que puedo decir sin dudar que es de lo mejor que puede ofrecer Marvel, ya que desde el primer capitulo te atrapa y no te suelta hasta el final dejándote con ganas de más. En resumen, una buena historia que va narrándose en su justa medida a cada capitulo, siendo cada uno de por sí interesante, sin la sensación de paja, relleno o descompresión que actualmente inunda el genero.

Y para acabar, destacar el grandísimo trabajo de Paul Pelletier a los dibujos. Y digo grandísimo ya que consigue dibujar muy bien tantísimos personajes de tantas especies distintas y todos y cada uno de ellos bien caracterizados, con gran cantidad de expresiones. Hoy en día hay mucho dibujante de comics que en vez de narrar usando las infinitas posibilidades que dan unos personajes y viñetas totalmente a su merced hacen fotografías (COFF!!greglandCOFF!!).

También destacar la calidad del tomo y el precio tan ajustado del mismo, 6 grapas a 9,25€ (otras editoriales deberían aprender de este ejemplo). Muy buen precio para una serie muy entretenida, a la que si debo resaltar algún defecto sería el hecho de que para conocer medianamente la situación de ciertos personajes habría que leer las sagas Aniquilación y Aniquilación: Conquista.

Sebastián (32)

110 PÍLDORAS

2010-06-16T10:00:00.000+02:00

Guión: Roberto Raviola (Magnus)

Dibujo: Roberto Raviola (Magnus)

Editorial: Ponent Mon

Formato: Álbum Cartoné. 48 Páginas

Precio: 16€

Calificación: 7/10

Teniendo en cuenta que, como ya he comentado alguna que otra vez, mi interés por los cómics cobro forma de coleccionismo en plena adolescencia, sería lógico pensar que en esa etapa en la que las hormonas están a flor de piel y el setenta por ciento del tiempo uno lo pasa pensando en el sexo hubiera caído en las redes del tebeo erótico/pornográfico de la mano de alguna de las revistas que por entonces se editaban. Pero lo cierto es que ya desde entonces me pareció una soberana estupidez gastarse el dinero en pornografía aviñetada cuando la práctica onanística se podía llevar a cabo con imágenes en movimiento de gente de carne y hueso. Es por ello que no ha sido hasta muchos años después cuando, no es que me haya empezado a interesar el tebeo de "guarrerías", sino que no me haya importado que algún título figure en mi tebeoteca. Así, en los últimos tiempos, títulos como Primeras Veces, la magistral Lost Girls u Omaha, han pasado a formar parte de la colección, abriendo miras a captar las posibles obras que, perteneciendo al género, sean capaces de aportar algo más.

Como quiera que la había visto recomendada en ciertos rincones de la red, 110 Píldoras captó mi atención (y no, no fueron esos pechos desafiando la ley de la gravedad) y, lanzándome al vacío, ya que el álbum venía retractilado por motivos obvios, me decidí a comprarlo. Y no es que me arrepienta, pero si algo pone en evidencia la lectura de esta historia, es que, sea del género que sea (y muestre los desnudos y posturas sexuales que quiera) un cómic sin guión, es un ente vacío de interés.

Basado en un relato oriental con una gran carga aleccionante en cuanto a los excesos (sean estos del tipo que sean), el trabajo de Magnus para con 110 Píldoras es de desigual talante: sus dibujos son maravillosos, su guión no pasa de la mera anécdota. Centrándonos en el primero y dejando a un lado el que venga o no adaptado de un relato ya existente, hay que lamentar que el argumento del volumen sea tan repetitivo ya que, al margen de mostrarnos desaforadas prácticas sexuales de toda índole, orgías y la libertina vida de un hombre preocupado tan sólo por los placeres terrenales, poco o nada tiene que ofrecer cuando uno acaba la lectura y reflexiona brevemente sobre lo que ha contemplado, quedando un poso poco sólido que no encuentra sustento en la más que obvia moralina.

Ahora bien, si al desarrollo de la historia se le pueden poner todas las pegas que uno quiera y más, nada negativo hay que achacarle a un dibujo maravilloso que no sólo lo es por la voluptuosa belleza de las féminas que por sus páginas pululan, sino por el gusto por el detalle y la fina y exquisita concreción aviñetada de la que hace gala el fallecido artista italiano: ya desde la primera página se observa la cuidada labor de ambientación con la que Magnus reviste el cómic, una labor que lo lleva al paroxismo por el detalle pero sin perder de vista la facilidad en la lectura, o lo que es lo mismo, sus viñetas no son barrocas pero si precisas en la información histórica que ofrecen. El resultado es, haciendo un simil facilón con la temática del volumen, una orgía visual magnífica, que deja al lector al borde de un orgasmo que, lamentablemente, nunca llega por mor de ese guión-interruptus.

Sergio Benítez (379)

CRISIS FINAL: LA LEGION DE 3 MUNDOS

2010-06-15T10:00:00.002+02:00

Guión:Geoff Johns

Dibujo: George Perez

Editorial: Planeta DeAgostini

Formato: Tomo Cartoné 176 páginas

Precio: 15,95€

Calificación: 7/10

De entre todas las series regulares, maxiseries, miniseries, especiales y tie-ins que un evento de estas características suele generar, hay que ser my cauto a la hora de elegir lo que te llevas a casa y lo que no, o las consecuencias pueden ser catastróficas. Yo mismo aprendí la lección con las Crisis infinitas cuando, sin posibilidad de ojear antes lo que pedía via Previews, terminó de “lecturas de esas imprescindibles para comprender la saga” hasta las mismas narices, dándome cuenta que las editoriales siguen aprovechando estos eventos para sacar mucha basura a los quioscos.

Por eso, me limité a pedirme mensualmente la serie madre, aquella de la que ya os hablo Mario por aquí, y con el que comparto la sensación de que a Morrison le vendieron “mercancía adulterada” cuando escribía esto. Y así, con la tranquilidad que da el “ojeo” previo en la tienda, fui descartando otras compras, de esas imprescindibles, como Trinity, superman en 3D y otras maravillas (piqué con cuenta arás, pero esa esora historia). Sin embargo, se me quedó la espinita de esta Legión, escrita por mi reverenciado Johns, y con dibujos de George “a ver cuantos personajes me caben en esta viñeta” Pérez.

De esta forma, me llevé a casa la edición española y debo decir que el resultado ha sido bastante bueno. La premisa: Superboy prime se escapa por enésima vez (y las que le quedan) y termina en el siglo XXXI, donde recluta a los enemigos de la Legión de Superhéroes de esa era para acabar de una vez por todas con la fuente inspiración que supone Superman. Este a su vez, unirá a tres de las encarnaciones de la Legión que da titulo a la historia para enfrentarse a Prime, y ya la tenemos liada.

Del guión, poco puedo decir de Johns, quien se ha convertido en la rata de biblioteca del Universo DC al que le preguntas cualquier dato de la continuidad y te o dice hasta sin consultarlo. Lo que pasa aquí es que los conocimientos que utiliza resultan abrumadores. Cada una de las páginas presenta datos como para llenar dos o tres sagas y el efecto final se desluce un poco, porque es imposible que te deje con la boca abierta si al final de un número mata a un legionario que salió por ultima vez en el numero de mayo del 82 de la serie original, y que apenas sabes quien es.

Aún así, los finales están muy logrados, la historia a pesar del lastre de la continuidad es sencilla y directa, y sólo quitaría las páginas finales, donde nos cuenta el destino de Superboy, y que sinceramente parecen más una broma que ora cosa.

Del apartado grafico, un George Pérez en plena forma, que le da a Johns lo que necesita (¡mente limpia!), es decir, que en cada viñeta aparezcan simultáneamente las versiones de tres épocas distintas de legionarios, cada una con su traje original, faltaría más, y una media de 40 personajes por página. Definitivamente, una compra obligada para fans del Universo DC, del buen hacer de George Pérez o de un buen cómic de aventuras.

Jose (52)

PILOT SEASON

2010-06-14T10:00:00.002+02:00

Guión: Robert Kirkman

Dibujo: VVAA

Editorial: Top Cow

Formato: Grapa 32 páginas

Precio: 2,99$

Calificación: 7/10

Vamos por partes, ésta recomicdación es un poco rara. Rara porque el título de la recomicdación no es la del comic, sino del "evento" que une a varios comics. Y rara porque no han salido todavía todos los comics del evento.

Otra curiosidad que tiene es que aparece el nombre de Marc Silvestri en todas las colecciones cuando sólo se dedica a hacer portadas (ah, pero es el jefazo de Top cow, así que sale si le da la gana).

Bueno, vayamos al lío. Resulta que en Top Cow se han montado hace ya un tiempecillo una especie de concurso de popularidad entre varias posibles colecciones, publicando un primer número de cada una y dejando luego que el pueblo decida con sus votaciones cual de ellas se convertirá en el futuro en una serie limitada (e incluso podría llegar a regular y todo...) Y a ésta tontuna le han llamado Pilot Season.

Pues resulta que en la edición actual todas y cada una de las propuestas nacen de la mente de Robert Kirkman, autor que ya sabemos de sobra capaz de montar una gran serie ya sea de una plaga de zombis, de una especie de superman adolecente o de un hombre-lobo metido a superhéroe pijamista. Y es que éso hay que reconocerle a éste autor, que de una tontuna simple es capaz de desarrollarte todo un concepto para una serie.

Esta edición de Pilot Season tiene cinco participantes, de los cuales han aparecido hasta la fecha tres: Murderer, Demonic y Steath. Falta que salten al terreno de juego para participar Stellar y Hardcore. Así que para no tener que esperar hasta que salgan los otros, os cuento un poquete de los que han salido y ya volveremos en el futuro para comentar los que faltan.

Murderer, con dibujines de Nelson Blake II, cuenta la historia de un hombre capaz de leer los pensamientos de la gente. Todos y cada uno de los secretos de quienes le rodean le bombardean la mente. Y la única forma que tiene de callar todo ése ruido molesto y conseguir un poco de calma mental es mediante el asesinato.

Demonic, con dibujines de Joe Benitez, nos cuenta el sufrimiento de un hombre que para evitar que se condenen las almas de su mujer y su hija debe convertirse en una especie de justiciero y así acabar con otras personas para que una demonia pueda consumir otras almas en lugar de las de su familia.

Stealth, dibujada por Sheldon Mitchell, trata de una especie de Iron Man viejuno que está afectado de alzheimer, y es de imaginar lo peligroso que puede ser no reconocer a tu propia familia u olvidarse de algunas cosas si eres portador de una armadura tecnológicamente avanzada.

Y hasta aquí la cosa por el momento. Como podéis ver son ideas simples y muy básicas: un telépata asesino, un justiciero que mata para un demonio y un pijamero con alzheimer. Casi parecen como si fueran apuntes que haces a correprisa en la servilleta de un bar mientras te tomas una cervecita fresquita, pero como ya he comentado, ahí reside la grandeza de Kirman, que es capaz de desarrollarlo y contarnos algo muy entretenido a partir de ellas.

Y sobre lo que queda por venir... Stellar trata de una alienígena afincada en la Tierra que debe defender al planeta del resto de su especie (con ésta premisa parece estar más que resobado el tema, pero le daremos un voto de confianza) y Hardcore va de un grupo de asesinos que son capaces de controlar a la gente para que hagan su trabajo.

Se supone que en marzo debería salir el último de todos y estamos en junio y acaba de salir el tercero. Así que imagino que para el otoño con suerte volveremos a hablar del tema. Yo me dejo un post-it junto a la pantalla para acordarme.

Nacho (55)

El GUSTO del CLORO

2010-06-11T10:00:00.000+02:00

Guión: Bastien Vivès

Dibujo: Bastien Vivès

Editorial: Diábolo

Formato: Libro Cartoné. 144 Páginas

Precio: 17.95€

Calificación: 6/10

Nos enamoramos. Y no sabemos muy bien por qué. Quizás tenga que ver, como afirman muchos científicos, por un todavía-no-muy-bien-explicado asunto de feromonas. O tal vez sea la necesidad de perpetuar la especie. Puede que tenga que ver con que al ser humano no le guste estar sólo (aunque a esto se le pueden poner muchísimas excepciones) o quizás, sólo quizás, sea un proceso tan sumamente complejo que ninguna de las cientos de teorías elaboradas hasta hoy han podido acaparar. Sea como sea, lo cierto es que las reacciones de nuestro cuerpo cuando estamos al lado de la persona que nos gusta/queremos son tanto o más curiosas que las sandeces que estamos dispuestos a hacer por "amor".

Y eso es precisamente lo que, en cierta manera, pone en juego Bastien Vivès con El Gusto del Cloro (en una edición, la de Diábolo, de gran calidad): qué experimentan dos completos extraños cuando, en un lugar tan común como una piscina pública, se conocen y se gustan/enamoran. Centrándose en intentar transmitir lo máximo con las mínimas palabras, llama la atención poderosamente en esta breve lectura (de poco más de quince minutos) el hecho de que el autor obvie casi por completo los diálogos y experimente al máximo con un aspecto visual que, si bien resulta fascinante, no llega a suplir por completo el que, a nivel de historia, el cómic no pase de lo anecdótico: y es que tras páginas y páginas de sutiles gestos, miradas perdidas, estructura narrativa clásica y un colorido de lo más apropiado, El Gusto del Cloro no puede ocultar que la historia de amor que narra es de lo más anodina; característica a la que se añade el que un alto porcentaje de las viñetas sea de esas que, convertidas en planos, nos llevarían a perder la paciencia en una película afirmando con rotundidad estar ante una cinta de lo más pretenciosa.

Ese lastre de pretenciosidad queda algo diluido por el cambio de formato, pero sigue estando presente a lo largo de una lectura que más parece haber servido a su autor de campo de entrenamiento para futuros proyectos con más enjundia argumental que como cómic con el que, de alguna manera, sentar cátedra.

Sergio Benítez (378)

LOBEZNO: PRIMERA CLASE

2010-06-10T10:00:00.004+02:00

Guión: Fred Van Lente

Dibujo: Di Vito, Espin & Henry

Editorial: Panini

Formato: Libro Rústica. 144 páginas.

Precio: 12 €

Nota: 7/10

Con esta serie se intenta volver a aquellos tiempos añorados por tantos, donde Lobezno no aparecía en diez sitios distintos a la vez al mes, la muerte tenía algún sentido para los mutantes (y el universo Marvel en general) y un largo etcetera que nos hacen extrañar los años 70-80 y no hacen sino darnos la razón cuando decimos que con respecto a los comics Marvel “cualquier tiempo pasado fue mejor”.

Esta serie es una especie de baúl de los recuerdos de historia nunca contadas en el marco histórico posterior a la muerte de Jean Grey/Fenix (la primera muerte), por la cual Cíclope abandono el grupo y una jovencísima Kitty Pride entraba en él para entrenarse en sus poderes y convertirse en toda una x-woman. La colección comienza cuando el profesor Xarles decide que Kitty necesita un profesor experimentado que le entrene y que mejor que Logan para esa tarea (aunque sea a regañadientes).

Que no os engañe el título. La serie se llama Lobezno Primera Clase pero perfectamente podría haberse titulado Kitty Pride Primera Clase ya que en más de una ocasión el protagonismo lo acapara la joven mutante. Una joven que aún no ha pasado por el trauma de ser usada como una ninja asesina, de perder a sus amigos, padres y al amor de su vida. Por todo esto nos encontramos con una Kitty inocente como en su primera aparición. Del mismo modo el Logan que aparece en esta serie es más gruñón y malhumorado que de costumbre y se deja llevar por la su rabia animal.

Así que con estos dos personajes tan opuestos el guionista Fred Van Lente nos narra historias que no intentan revolucionar nada, no intentan reinventar nada ni contarnos historias que nos hagan cambiar nuestra forma de pensar sobre estos personajes, lo único que buscan es entretener y divertir a todo aquel que se acerque a esta serie, a todo aquel que disfruto de una de las mejores épocas en el comic de superhéroes y sobre todo a todo aquel que haya podido disfrutar de las primeras aventuras de Gata Sombra en la Patrulla-X.Y a todos los demás simplemente decirles que se encontraran unas aventuras entretenidas y amenas, para todos los públicos y con las que poder pasar un rato agradable.

A destacar entre los tres dibujantes que participan en este tomo el papel de Salva Espin, que hace un trabajo espléndido dibujando toda clase de criaturas y caracterizando a todos los mutantes que pasan por sus manos, destacando por supuesto a su Lobezno. Resumiendo, un trabajo perfecto para este tipo de historias.

P.D. El único defecto que le veo a la edición Panini es el formato 100%, más caro que un tomo normal aunque con papel de mayor calidad.

Sebastián (31)

PUNISHER MAX: KINGPIN

2010-06-09T10:00:00.002+02:00

Guión: Jason Aaron

Dibujo: Steve Dillon

Editorial: Marvel

Formato: 6 grapas 32 páginas

Precio: 3,99$ c.u.

Calificación: 7,5/10

No sé si os habéis enterado pero el Castigador del Universo Marvel oficial está jugando con momias y vampiros. Y eso, amigos, puede no ser del gusto de todos los paladares. Así que las cabezas pensantes de la Casa de las Ideas han debido pensar que tenían que ofrecer algo a todos aquellos lectores que disfrutan con las aventuras más urbanas de este personaje.

Ahí es donde entra Jason Aaron, uno de los mejores guionistas del panorama USA actual. En poco tiempo, relativamente hablando, se ha situado entre las mejores opciones para escribir a personajes insignia de la casa: Wolverine: Weapon-X o la nueva Astonishing Spider-Man/Wolverine son buena prueba de ello. También es un autor que se ha dado a conocer retratando personajes oscuros inmersos en mundos criminales sórdidos y crueles (todavía no voy a decirlo…)

Aaron crea en la primera saga de esta nueva colección un cruento y salvaje origen para ese gran villano que tantos quebraderos de cabeza ha dado a Spider-Man o Daredevil. Kingpin no es tal al comienzo de nuestra historia, sino Wilson Fisk, un matón a las órdenes de un capo llamado Don Rigoletto con un plan para llegar al poder. El guionista nos ofrece una historia llena de sangre, tiros y explosiones ayudado por un Steve Dillon que ya conoce el universo de tarados en el que se mueve.

En resumen, un cómic para pasar un buen rato que devuelve al Castigador al lugar que le pertenece dentro del Universo Marvel con algún que otro giro inesperado para hacer más divertido el viaje. De todas formas, si queréis Aaron, crimen y bajos fondos, leed Scalped… (Tenía que decirlo…)

Javier (2)

ULTIMATE COMICS AVENGERS VOL. 1: THE NEXT GENERATION

2010-06-08T10:00:00.000+02:00

Guión: Mark Millar

Dibujo: Carlos Pacheco

Editorial: Marvel

Formato: HC 144 páginas

Precio: 24,99$

Calificación: 9/10

Si algo hemos aprendido después de muchos años leyendo comics, y sobre todo, gracias a las recomicdaciones de nuestro apañero Mario, es a reconocer un cómic “chulo” al primer vistazo. Ya sabéis de lo que os hablo, son esos donde los héroes sueltan frases lapidarias a la primera de cambio, miran mucho “a la cámara”, es decir, al lector, y se juntan las poses heróicas con los momentos Matrix, perfectamente diseñados y ejecutados por el dibujante en cuestión.

Y si hay un autor que sobresale entre los demás a la hora de escribir comics “chulos”, ese es Mark Millar. Desde su etapa en Authority y, sobre todo, sus dos volúmenes de Ultimates, acompañado por Bryan Hitch, su dominio de la chulería es impresionante, y si a eso unimos su sentido del cómic en formato panorámico y de aventura mas grande que la vida misma, la combinación resulta irresistible.

No es raro que, recién salido de Kick-ass, decidiese volver para escribir un nuevo volumen para los vengadores del siglo XXI, como han bautizado a su versión Ultimate. Después del segundo volumen de Millar, Jeph Loeb intentaría sin éxito repetir la formula, con una sencilla historia de la que solo destacarían los lápices de Madureira, y ha tenido que ser el propio Millar quien devuelva al título la gloria pasada.

Han pasado algunos meses desde Ultimatum, ese intento de Loeb por dar cierta cohesión al universo Ultimate, que se saldaría con la muerte de muchos personajes, pero pocos cambios sustanciales, y encima, como premio, regalaría a Loeb su propia serie de Vengadores, llamada New Ultimates, de la que pronto os hablaremos por aquí. El caso es que el bueno de Millar, con ganas de liarla por lo menos 12 números más, se quedaba sin serie a la que regresar, o no?

La solución, que tiene mucho que ver con Cráneo Rojo, su relación con el Capitán América, y hasta el Cubo Cósmico, pasa por crear un grupo en la sombra, al mas puro estilo Operaciones Especiales, del que se hará cargo Nick Furia, ya que su nuevo status en SHIELD no es precisamente el de héroe nacional. El nuevo equipo, que no tiene desperdicio, y cuya alineación no desvelaré aquí, contará con algún viejo conocido, nuevas incorporaciones y varias sorpresas.

Del apartado gráfico se encarga nuestro Carlos Pacheco, que aquí sufre una pequeña transformación, y al que las tintas de Dexter Vines no le han sentado demasiado bien, pero que sabe plasmar todo aquello que ha hecho famoso a Millar: Acción a raudales, splash pages, y sus finalazos correspondientes en cada número.

El resultado final: un cómic muy bien escrito, como los dos peores momentos de Cráneo Rojo narrados por Furia, que dejan los pelos de punta por su crueldad absoluta, cada uno de los enfrentamientos entre Cráneo Rojo y el Capi, o la aparición del hermano de cierto millonario con armadura, todo un acierto de casting para este cuarto volumen de la serie, que deja con muchas ganas de continuar leyendo, y que verá la luz en breve con los lápices de Leinil Francis Yu sustituyendo al gaditano, pero todavía con el incombustible Millar al guión.

Jose (51)

STRANGERS IN PARADISE

2010-06-07T10:00:00.004+02:00

Guión: Terry Moore

Dibujo: Terry Moore

Editorial: Norma

Formato: 7 volúmenes rústica. 280/456 páginas

Precio: 18/21€

Calificación: 8,5/10

Esta serie la descubrí en el Previews hace un porrón de años. No sé si fue el agradable dibujo, alguna frase de ésas pomposas y publicitarias o si medió una rara intuición, pero la cuestión es que me dió por pedirme el primer TPB. Me encantó. Así que me pedí los otros dos que habían salido y decidí seguirla en tomos. Hoy, 16 tepebeses más tarde (en USA fueron 19) y ya que he comprado la edición completa de Norma para disfrute de mi queridísima y demás conocidos que no dominan el idioma, os cuento alguna cosilla sobre la serie.

Primero que nada, supongo que si os ponéis a buscar información sobre la serie por la red lo más probable que os aparezca es algo sobre sentimientos. Dos amigas para toda la vida. Una de ellas con tendencias sexuales amplias y la otra bastante reprimida en ése campo. El eterno tira y afloja del amor entre ellas. Y, sobre todo, vais a encontrar repetida una y otra vez la frase de "sin amor no somos más que extraños en el paraíso".

Fale, de acuerdo. No voy a negar que parte de éso hay en la historia. Y que tiene algo de importancia en la trama. Pero... ¿y lo que no os cuentan en todas ésas críticas, webs y blogs? Porque no sólo de relaciones humanas y sentimientos trata Strangers In Paradise.

Si intento venderos la serie diciendo que va de sentimientos muchos de vosotros me mandariáis a paseo. Pero... ¿y si os digo que en realidad hay una oscura y enrevesada trama política que pretende nada menos que controlar la mismísima Casa Blanca? ¿Y si os cuento que para ello hay una organización de señoritas de compañía (tanto para caballeros como para damas)? ¿Qué tal si ponemos a un grupo misterioso llamado "los seis" que operan en las sombras? ¿Añadimos violencia, cuentas corrientes suizas, oscuros pasados de algunos personajes, unos cuantos Yakuza e incluso un accidente de aviación?

¿Qué? ¿Os tentaría algo más así? ¿¡¡NO!!? Venga, vale... hay veces que salen tetas, showgirls, incluso actrices porno... ¿mejor así?

Bueno, y si sois ésos de los que les gusta saber que tiene premios, ésta serie ha ganado algún Eisner, el Reuben National Cartoonist Society o el GLAAD, por poner ejemplos.

Narrativamente hablando Moore nos muestra en varias ocasiones el futuro de los personajes, de manera que lo que pensábamos que estábamos leyendo en el presente resulta ser un repaso a los recuerdos de los personajes. Incluso en alguna ocasión llega hasta el punto de hacernos pensar que en realidad todo lo que hemos leído hasta cierto punto es simplemente un libro que uno de los personajes que crea ha escrito. Buenos recursos que nos sorprenden de vez en cuando y con ello logra engancharnos más todavía a base de curiosidad de saber qué es lo que ha ocurrido y cómo ha avanzado la trama hasta llegar a ése punto. En cuanto a dibujo, Terry Moore es condenadamente bueno en lo que respecta a rostros, expresiones faciales (caricaturizadas incluso en algunas ocasiones), anatomía correcta y buena planificación de páginas y escenas.

En realidad debo confesaros que todo lo que habéis leído en los otros blogs y reseñas es cierto. Pero ¿no pensáis que con lo que yo os he contado se añade algún elemento más para convenceros a leer ésta obra? Además de que está finiquitada para siempre jamás y no tendréis que comprar más volúmenes en el futuro.

Nacho (54)

PERRO

2010-06-04T10:00:00.000+02:00

Guión: Joaquín Resano

Dibujo: Pedro Osés

Editorial: Ariadna

Formato: Álbum Rústica. 64 Páginas

Precio: 12€

Calificación: 6/10

Cuando un cómic indica en su portada que cuenta con un prólogo de un Eurodiputado por Los Verdes; se llama Perro, y la ilustración de cubierta es la de un mono con la cabeza conectada a unos electrodos, llevarse a engaño acerca del contenido es bien complicado. Una tarea que se antoja imposible cuando en la contraportada nos habla de "una historia con la experimentación cosmética con animales como telón de fondo". Así las cosas, y esperando encontrarme con un relato socialmente comprometido con la fortuna de los miles de animales que mueren en laboratorios a lo ancho de este mundo cada día, la sorpresa fue mayúscula cuando, conforme avanzaba la lectura, me di de bruces con un tebeo que poco tenía que ver con tan dramático hilo conductor.

En su lugar, lo que Perro nos ofrece es una historia bienintencionada acerca de un cirujano plástico de renombre que, un buen día, y por arte de magia, se ve transformado en can, teniendo que escapar de las fauces de los crueles humanos que quieren apresarlo para vivir como un trotamundos en compañía de pastor del Pirineo. Narrada en flashback por el protagonista a su socio una vez ha recobrado su forma humana, la lectura de Perro es un tanto paradójica: si bien desde un comienzo queda expuesto de forma más o menos clara (aquí hay mucho que leer entre líneas) que el protagonista es un hombre con pocos sentimientos y mucha pasión por su trabajo, lo que le ha llevado a tener desatendida a su esposa, y por más que sus correrías como animal hagan florecer al ser humano bondadoso y atento que "todos llevamos dentro"; se antojan de todo punto increíbles (en la acepción negativa del término) las reacciones de los actores secundarios del relato, que ni se comportan como estereotipos, ni lo hacen como lo hubieran hecho personas de carne y hueso, quedando su (in)definición en una incómoda tierra de nadie.

Con el fuerte handicap que supone para el tebeo la flaqueza de un guión que intenta mezclar demasiadas referencias (la inclusión del "indio" y la pipa alucinógena es, como poco, chocante) poco puede hacer el correcto trabajo que Pedro Osés desarrolla al frente de los dibujos. Por más que su narrativa sepa ajustar de forma brillante el ritmo que va imponiendo el guión, y por mucho que él sea el "culpable" último de la gran mayoría de la calificación, es imposible ignorar las fallas de una historia cuyo happy ending resulta aún más fantasioso que el propio desarrollo de la acción.

Sergio Benítez (377)