Las AGUAS de MORTELUNE

Guión: Patrick Cothias

Dibujo: Adamov

Editorial: Glénat

Formato: 5 Álbumes. 52 Páginas c/u

Calificación: 9.8/10

Mirando hacia arriba, es decir al norte, o para entendernos dirigiendo la atención a nuestros vecinos los gabachos, voy a hablaros de una Obra casi Maestra, a mi juicio claro está. Y con ella os daré una noticia buena y otra mala, aquí viene la buena en forma de recomicdación y por ende, de incisivos largos.

Saga de ciencia ficción apocalíptica creada a lo largo de quince años en diez tomos (se inició hacia 1986) Las Aguas de Mortelune cuenta con dos arcos argumentales; el primero, compuesto de los cinco iniciales fue el único que se editó en España (en 1994) y tengo entendido que es el mejor, ya que los cinco restantes bajaron de calidad y tengo la ligera sospecha que uno de los motivos que los sacaran fue para edulcorar y aligerar la dura y triste historia que cuentan en el primer arco ( las veces que habré pedido al Altísimo la edición de este segundo arco argumental).

Ambientada en un París futuro, en el que el Sena y todo el agua conocida se ha secado, vemos la corte medieval de un príncipe que es el único que controla los depósitos del agua, de ahí su poder. La gran primera baza del cómic es la ambientación, realmente brutal. Nos muestra un París mezcla de Mad Max y Delicatessen con toques medievales por un lado y de ciencia ficción por otro. Por el cómic pululan personajes de lo más memorables, desde padres que prostituyen a sus hijas, carniceros que venden carne de gatos y perros, bufones pervertidos sexualmente, locos visionarios, intelectuales deformes, caníbales y antropófagos, insectos gigantes y una impagable galería de personajes de todo tipo de ralea, culminados por el príncipe Jerome de Mortelune, de noventa y seis años de edad, siempre joven, siempre ambiguo, cruel y generoso a partes iguales. No quiero seguir contando cosas de la trama pues podría estar horas y horas, ya que es ésta una obra llena de matices, de personajes, de lances, y sobre todo imbuida de un enorme pesimismo.

De los artífices de esta magna obra vamos a empezar por Adamov, el dibujante, que a lo largo de esos quince años fue creciendo y evolucionando, encontrando el torrente imaginativo de Cothias, el guionista, un grafismo perfecto en el dibujo de este hombre, curtido inicialmente en los dibujos animados. Sin llegar al nivel de trazo realista de Juillard, Adamov retrata con un estilo barroco, extremadamente cuidado, en la línea de la escuela de la historieta histórica francesa, el aluvión creativo del guionista. Ya colaboró anteriormente con él en El Viento de los Dioses, otra serie histórica sobre los samuráis, que algún día os recomicdaré.

Pero la verdadera alma de esta cumbre de la ciencia ficción apocalíptica es el guionista Patrick Cothias, al que aquí conocemos por Las 7 Vidas del Gavilán, Masquerouge y alguna más, pero su cumbre para mí es Mortelune, ya que en ella se pueden ver influencias de Balzaç, Huxley, Orwell, Buñuel y muchos más. En ella nos muestra este mundo caótico y turbulento, fértil en abominaciones, nos caracteriza a los personajes con sus miserias, en una trama tendida de muchas trampas para el lector, que en mucho momentos pensará que ocurrirá tal cosa hasta que te das cuenta que no es así. Nos va adentrando en situaciones que nos dejan con la boca abierta y una opresión en el pecho y como en toda obra redonda nos regala un final, que para los optimistas será decepcionante de lo raro y extraño que es, para los pesimistas, insuficiente y atípico, para mí, simplemente idóneo.

Y, guardándola para el final, está la noticia mala, y es que este cómic está descatalogado y agotado. Lo editó Glenat en su antigua colección mensual Viñetas Completas. Yo lo encontré hace muchos años en el fondo de un cajón de alguna librería de cómics olvidada. También hay que decir que hace como un par de años, leí que estaban pensando reeditarla aquí en España. Nada más se supo. Yo junté los cinco tomos y me los encuaderne en un lujoso tomo de piel negra con letras doradas en grande donde pone, bien grande LAS AGUAS DE MORTELUNE.

Y cómo lo acaricio por las noches...

Toni (17)

ARI

Guión: Hernán Migoya

Dibujo: Man

Editorial: Glénat

Formato: 2 Álbumes Cartoné. 48 Páginas c/u

Precio: 3.33€ c/u

Calificación: 7/10

Procedentes del mismo lote de 3x2 del Carrefour del que salió el Residuos, la verdad es que no sabía a lo que atenerme con este Ari. A los autores los conocía de oídas: de Migoya sabía de su Olimpita y poco más; de Man su Saltando al Vacío y, después de leer Ari, tuve ocasión de ojear el Huesos y Tornillos. Con tan sucintas referencias abordaba los dos tomos de estas aventuras galácticas con cierta curiosidad, ya que lo poco que había podido entresacar de lo que había mirado por encima cuando decidí comprarlo, apuntaba hacia dos direcciones bien diferentes: la ciencia-ficción y el humor.

Y muy poco se equivocaba mi ojo a vuelapluma, pues eso es precisamente lo que nos podemos encontrar en Ari, humorismo y space opera mezclados con mucha guasa, acción, algo de religión y ciertas dosis de crítica hacia esta sociedad consumista por naturaleza. Son estos dos últimos detalles los que marcan la diferencia en cuanto a la labor de Migoya con respecto a otras historietas de ciencia-ficción, primero al introducir el personaje de una Matriarca que vaya catalizando en cierto modo todo lo que le va sucediendo a la protagonista (su hija) y segundo al situar la acción en un futuro en el que dos compañías de refrescos que pugnan por el control de la galaxia (todos sabemos cuáles son pero Migoya lo sabe ocultar muy bien). La historia que el guionista desgrana en las noventa y seis páginas que conforman los dos tomos se desarrolla a partir de la premisa anterior situando en medio del conflicto entre las potencias a la hija del general de una de ellas, una espia formada desde pequeña en dicho arte y a la que su padre le ha encargado acabar con la vida de su competidor. Este ataque sirve como catalizador para una serie de aventuras en las que la traición y el riesgo de perder la vida son dos constantes que, como en toda buena historia del género, acompañarán a los personajes hasta ese anticlimático pero adecuado final.

El trazo blando de Man, a caballo entre un dibujante de animación y un mangaka, resulta de lo más adecuado al tono ligero de la historia, sobre todo cuando esta torna por derroteros algo subidillos de tono, algo a lo que el artista de Huesos y Tornillos está más que acostumbrado: la voluptuosidad de sus féminas en contraposición a lo hercúleo de sus "machos" y la gran imaginación visual a la hora de plasmar el mundo futurista en el que se desarrolla la historia son fundamentales para que las risas a las que no son nada ajenas muchas páginas del tebeo aparezcan con fluidez en una lectura ligera y sin muchas pretensiones más allá de hacer pasar un buen rato entretenido. Que lo consiga con la facilidad que lo hace es razón suficiente para acercarse a este simpático título.

Sergio Benítez (340)

SPIDER-MAN: NOIR

Guión: David Hine & Fabrice Sapolsky

Dibujo: Carmine Di Giandomenico

Editorial: Panini

Formato: Libro Rústica. 96 Páginas

Precio: 10.25€

Calificación: 4/10

De un tiempo a esta parte, la todopoderosa editorial Marvel, poseedora de los derechos de personajes como Spider-man, los X-Men o Iron Man, por citar algunos, con Joe Quesada a la cabeza, parece obsesionada con explotar estos derechos al máximo, y por eso se inventa de vez en cuando como dar un giro a los personajes, y convertirlos en monos, llevarlos al año 1602, hacer versiones manga, e incluso en zombies. Por eso, no me extrañó que se anunciaran recientemente toda una nueva oleada de títulos de los principales personajes de la editorial, que con el sobrenombre Noir, querían contarnos una particular versión de los héroes, esta vez en los años 30.

El principal problema con el que nos encontramos como lectores a la hora de adquirir y leer estos proyectos, equivalentes a los “Otros Mundos” de la distinguida competencia, es la manía de volver a contar lo mismo, de cambiarlo todo para volver a dejarlo como estaba. Es decir, si se tiene la oportunidad de volver a redefinir el origen y en torno a un personaje que lleva más de setenta años dando vueltas, debemos aprovechar para darle un nuevo enfoque, o por lo menos, adaptar al personaje para que vuelva a funcionar bajo las nuevas premisas, como hiciera Bendis con tanto acierto en su Ultimate Spider-man.

Pues no. El guionista, David Hine, de quien poco más que su Daredevil: Redemption conocía, se limita a, en un alarde de originalidad, poner a la Gata Negra al frente de un club nocturno, a Tía May de sindicalista instigadora de las masas, y a Ben Urich de drogadicto, y de villano de la función, un Norman Osborn exactamente igual que el que conocemos, con la única diferenta de ser, debido a la época en que la acción tiene lugar, el mafioso al que todos temen.

Los pocos aspectos medianamente aceptables de la miniserie de cuatro números son, el origen circense de los villanos, Kraven, el Buitre o el Camaleón, y algún que otro giro argumental que consiguen salvarnos del bostezo, porque el resto, sigue los mismos patrones y por tanto comete los mismos errores que ya tenían las versiones originales de los personajes. Desconozco si los X-Men: Noir y Punisher: Noir siguen los mismos derroteros, porque desde aquí anuncio la sana intención de no leerlos, pero si tienes a un Peter Parker sediento de venganza, porque acaba de descubrir a su tío Ben muerto a manos de la mafia, ¿no puede arreglarlo con una simple pistola? ¿De verdad hay que volver a meter una picadura de araña (aquí maldita, porque radioactiva era imposible de calzar)? Pues por lo visto si, y por tanto, es imposible creerse una historia de ambiente policíaco, corrupción y sobornos, si en medio de todo, aparece Spidey y hace uso de sus poderes, dejando al mafioso envuelto en telarañas.

Con respecto al dibujo, único aspecto medianamente salvable de la serie, Carmine Di Giandomenico (hola, que tal, no nos habían presentado, encantado) hace una buena labor, muy similar estéticamente a aquel Spider-man: Reign, de Karee Andrews, pero que encaja perfectamente con el ambiente que quiere crearse. Sin embargo, no todo son intenciones, grandes campañas de marketing y portadas en blanco y negro. Si no hay un guión decente de por medio, la cosa no se sostiene por ningún sitio. Y de premio, Marvel ya ha anunciado la salida de nuevas miniseries de los personajes, debido, supongo, a las holgadas ventas de las primeras. Pues nada, Quesada, a seguir bien, que te estás cubriendo de gloria.

Jose (29)

BATMAN CONFIDENTIAL #'s 17 al 21

Guión: Fabian Nicieza

Dibujo: Kevin Maguire

Editorial: DC

Formato: 5 Cómic Book. 24 Páginas c/u

Precio: $2.99 c/u

Calificación: 7/10

Artista al que sigo desde que tengo uso de razón (comiquero, por supuesto), Kevin Maguire es uno de esos dibujantes que junto a nombres como Adam Hughes, Alan Davis (este en menor intensidad que los demás) o José Luis García López se ha ido prodigando cada vez menos de forma inexplicable si tenemos en cuenta que es de lo mejorcito que el mercado norteamericano del cómic sigue siendo capaz de ofrecer. Con una trayectoria que abarca algo más de cuatro lustros y trabajos tan recordados como la Justice League of America o The Adventures of Captain America (su mejor obra sin duda alguna), Maguire ha dedicado los últimos años a trabajar en proyectos de poca o ninguna relevancia alguna para la editorial de Superman, entre los que figuran la miniserie de dos prestigios de JLA: Created Equal, y los dos desesperados intentos de revivir la mítica Justice League (Formerly Known as the Justice League y I Can't Believe It's Not the Justice League) que quedaron como un correcto ejercicio de nostalgia bastante divertido pero poco más.

Aún así, uno no deja de esperar que DC vuelva a tener en su justa consideración al dibujante por encima de sus actuales estrellas hot (¿en serio gente como Tony Daniel o Rags Morales pueden ser considerados hot?). Mientras tanto habrá que conformarse con lo poco que vaya saliendo, en esta ocasión en forma de miniserie de cinco números englobada dentro de Batman Confidential, esa excusa editorial que DC se buscaba hace tres añitos para relatar las primeras aventuras del hombre murciélago y de la que hasta ahora sólo han valido la pena dos arcos argumentales: el que hoy nos ocupa y el que dibuja José Luis García López, dedicándose este The Cat and tne Bat a narrar el primer encuentro entre la Batgirl original (Barbara Gordon antes de que el Joker le disparara en The Killing Joke) y Catwoman.

Con el material que supone tener a dos féminas tan redondas en sus manos, Maguire se explaya en subrayar cada vez que puede las vertiginosas curvas de ambas, envolviendo los enfrentamientos entre ambas primero, y de ambas contra un grupo después con su magnífica narrativa visual, de herencia clásica pero no ajena a los cambios que ha ido sufriendo la industria comiquera desde que él comenzara a trabajar en el mundillo. Tanto es así que viendo las páginas del dibujante, llenas de angulaciones y con un storytelling envidiable, uno no puede más que preguntarse por qué se hace tan caro de ver.

Argumentalmente el tebeo no tiene mucho más de lo que se deriva de su premisa de partida, pero Nicieza tira de profesión y es capaz de montarse más de cien páginas de persecuciones, peleas, incursiones en club hedonistas en los que no está permitida la entrada con ropa y, por supuesto, la providencial aparación de Batman cuando la acción así lo necesita, quedando al final un trabajo muy aparente, lleno de humor, diálogos con dobles sentidos, puyas entre los personajes y poco más. Un entretenimiento de primer orden que, eso sí, sigue siendo un pálido reflejo de lo que en su momento le leímos al gran dibujante.

Sergio Benítez (339)

Los DEFECTOS del FUTURO

Guión: Émile Bravo

Dibujo: Émile Bravo

Editorial: Brosquil

Formato: Libro Cartoné. 56 Páginas

Precio: 13.30€

Calificación: 6.5/10

Al enterarme de que existía más material editado en nuestro país de Émile Bravo me puse en modo búsca y captura para recopilarlo. De uno de los dos ámbuncillos de Los Siete Osos Enanos ya hemos hablado. Ahora vamos a hincarle el diente a un tomo editado por Brosquil, una editorial de la cual ni tan siquiera sabía de su existencia hasta que apareció en la pertinente búsqueda internetera. ¡Y resulta que son de mi tierra y todo!

Este álbum, de corte totalmente infantiloide, trata de cómo el joven Jules, adicto al videojuego Starfighter, descubre que es seleccionado por la Agencia eSpacial Mundial (ASM, me encanta el detalle tonto de que no hayan intentado ajustar las siglas al idioma) para realizar un viaje de ocho semanas en una nave que es capaz de viajar a la velocidad de la luz. El destino del viaje es Alfa-Centauro y el propósito del mismo establecer contacto con otras razas de aquel sector del espacio. O eso es lo que parece en principio...

Y dándonos la misma información y al mismo ritmo que la va recibiendo Jules nos enteramos de cómo es la nave, conocemos al resto de tripulantes de la misión (piloto, exobióloga, científicos y una joven seleccionada como él), se esclarece poco a poco algunos aspectos no mencionados anteriormente, etc... Todo ello con el peculiar dibujo de Bravo, que aunque no llega a estar tan elaborado como en la historia de Spirou, no cabe duda que merece la pena verlo. Eso sí, os puedo asegurar de que ocurre como en aquél tomo, dada la cantidad de viñetas y bocadillos existentes en cada una de sus páginas el álbum no os lo vais a cepillar en cinco minutetes.

Tiene sus tontunas, como que el piloto de la nave tenga los ojos como un personaje de manga, en lugar de puntitos que es lo que tienen los demás, y la explicación que le dan al por qué es así, los diseños de la vida extraterrestre, su forma de ser, sus motivaciones, etc.

En resumen tenemos un albúm de corte clásico francobelga, tanto por el aspecto visual como por la estructura y desarrollo de la historia. A mí la verdad es que me ha gustado bastante, sobre todo por la curiosa sensación que me ha embargado al leerlo de como si tuviese diecipocos años de nuevo y estuviese leyendo por vez primera un nuevo tomo de Astérix, Lucky Luke, Iznogud, Tintín y similares...

No sé como estará el tema de la disponibilidad en el resto del panorama nacional, pero que sepan que parece ser que en la misma web de la editorial se pueden realizar pedidos.

Saludos!

Nacho (31)

UMPA-PÁ

Guión: Renée Goscinny

Dibujo: Albert Uderzo

Editorial: Akal

Formato: 5 Álbumes Cartoné. 32 Páginas c/u

Calificación: 7/10

Resulta muy común que cuando a uno le preguntan por la obra de un artista determinado (ya sea actor, director, escritor, compositor, pintor, escultor o dibujante de cómics) casi siempre nuestra memoria acuda a citar primero aquellos nombres que a lo largo de los años perviven de forma más indeleble. Así, podríamos someternos a un simple ejercicio. Si yo digo Goya, un alto porcentaje de vosotros habrá pensado sí o sí en La Maja Desnuda. Si digo Shakespeare, la cosa estará entre Romeo y Julieta o Hamlet. A la voz de Tchaikovski muchos pensaréis en El Lago de los Cisnes. Si es Miguel Ángel a quien nombro, La Capilla Sixtina o el David serían las primeras elecciones. Y así podríamos seguir hasta el infinito: Orson Welles - Ciudadano Kane; Steven Spielberg - E.T/Tiburón/Indiana Jones; Pink Floyd - The Wall; Michael Jackson - Thriller; Sean Connery - James Bond; Will Eisner - Spirit; Garth Ennis - Predicador y un interminable etcétera. Tan curiosa forma de recordar tiene un claro efecto secundario, el dejar de lado las otras muchas obras que el artista en cuestión hiciera o haya hecho a lo largo de su carrera. Y aquí es donde entra en juego la recomicdación de hoy, ya que con sólo oir Goscinny y Uderzo uno piensa en Astérix, dando casi por hecho que fue el único (y magistral) trabajo en el que los dos autores se vieron implicados, cuando en realidad no fue así.

El tándem Goscinny-Uderzo se formó en 1954 cuando ambos autores se unieron para crear Luc Junior. Después vendría Benjamin et Benjamine y, en 1958, nacería Umpa-Pá (Oumpah-Pah en su versión original), un indio piel roja cuyas aventuras se publicarían en la revista Tintín durante un único año, ya que en 1959 nacería el personaje que llevaría a ambos a la gloria comiquera. Con tan corta trayectoria, y siendo el inmediato predecesor del bigotudo galo, es normal que Umpa-Pá haya tenido tan poco reconocimiento con el paso de los años. Tanto es así, que mientras las aventuras de Astérix siempre han ido conociendo sucesivas reediciones, de este simpático indio y su compañero de fatigas sólo existen en España dos ediciones: la primera de Bruguera, en tapa blanda (y que la editorial sacó bajo el sello Super Bravo) y la que hoy nos ocupa, publicada por Akal en 1990 en cinco álbumes en tapa dura.

Y la verdad es que el haber sido editada así, en cinco volúmenes separados, resulta bastante llamativo cuando estos se leen uno tras otro: no hay en Umpa-Pá la diferenciación de argumentos tan radical como la que los autores desarrollarán en Astérix, contando una historia que, si no fuera por la típica viñeta final, podría pensarse que fue concebida como unida. En Umpa-Pá, Goscinny y Uderzo nos narran el encuentro del indio y su excéntrica tribu con Humberto (caballero de la pasta de Hojaldre para más señas), un francés de refinadas maneras que junto con una expedición de compatriotas se aventura en las salvajes tierras norteamericanas. Haciendo gala del envidable ritmo y sentido del humor que le conoceríamos después en Astérix, tanto en los gags físicos como en los ocurrentes nombres (hilarantes aquellos de los prusianos), los franceses concretan con Umpa-Pá una serie muy divertida en la que el dibujo de Uderzo ya ha alcanzado su pleno potencial, dando ambos con unos personajes la mar de carismáticos que, aunque no lleguen a la altura de los irreductibles galos, poco tienen que envidiarles. Cinco volúmenes en definitiva por los que no han pasado los años (y han sido ya cincuenta) y que piden a gritos una reedición en condiciones en un integral como Dios manda.

Sergio Benítez ha hablado (338)

BAJO el AIRE

Guión: Osamu Tezuka

Dibujo: Osamu Tezuka

Editorial: Dolmen

Formato: Libro Rústica. 328 Páginas

Precio: 8.95€

Calificación: 8.5/10

Osamu Tezuka, ese gran desconocido. Para mi, claro. Para todos los que conozcan algo de historia del manga sabrán que este señor es al manga lo que Jack Kirby o Stan Lee son al cómic americano. Son los padres, los predecesores de lo que nosotros ahora leemos y disfrutamos.

Este señor es alabado y conocido por muchas y grandes series (aún por descubrir por mi persona, some day, algún día...) como la serie medica Black Jack (creada a consecuencia de una fallida carrera como médico por parte del autor) o la serie sobre el chico robot Astroboy. Pero hoy no voy a hablaros de ninguna serie suya, sino de un tomo editado hace un tiempo por Dolmen (sí, la editorial "pirata") y que reune dieciséis relatos cortos creados en los años 70 por este autor. ¿Que qué vamos a encontrar en estos relatos? Muchas, muchas cosas. Historias tan variopintas y dispares como la de un militar de alto rango nazi, una historia de amor incestuosa o una historia de fantasmas.

¿Qué pueden tener en común todas estas historias ya que son completamente distintas? Por fuera nada (exceptuando un par de historias donde el protagonista es Tezuka), pero por dentro, en el fondo, mucho, ya que en estos relatos podemos encontrar diversas muestras del alma humana. Encontramos muy diferentes tipos de personas, capaces de amar más allá de lo que una persona piensa que puede amar, pero también capaces de hacer cualquier cosa por conseguir sus egoístas objetivos. ¿Las personas somos del todo buenas o del todo malas? Para nada. Y he aquí que encontramos varios ejemplos, pero no os revelaré en que capítulos aparecen por no estropear las diversas sorpresas que nos depara este tomo.

Y es que como ya he dicho, las historias son muy distintas, algunas realistas, otras futuristas, del espacio exterior, de algún planeta lejano o tal vez del nuestro propio en un posible futuro postapocalíptico, y otras más cercanas, en un presente muy nuestro o un pasado no tan lejano. Las hay para todos los gustos.

El trazo de Tezuka es bastante anticuado para lo que podemos ver hoy en día en un manga o cómic cualquiera, eso es de cajón debido a la época en la que fueron creadas sus obras. En un principio pueden parecer infantiles, a mi me lo parecieron bastante y es algo que en inicialmente me echó atrás. ¡Cuán equivocado estaba!, ya que cuando por fin le dí una oportunidad me di cuenta de que de infantil nada, pues como ya he comentado estas historias nos muestran personalidades, personas y situaciones para nada infantiles.

Para los que conozcáis a Osamu Tezuka y para los que no, este libro sería un gran regalo (o auto-regalo) para estas fechas, pues os sorprenderá como solo un verdadero maestro sabe hacer.

Sebastián (9)

VIDAS a CONTRALUZ

Guión: Raule

Dibujo: Roger Ibáñez

Editorial: Diábolo

Formato: Álbum Cartoné. 72 Páginas

Precio: 15€

Calificación: 8.5/10

De inesperada visita por Málaga fui a dar de forma casual con una tienda que desconocía (de hecho sólo sabía de la existencia de Norma en la ciudad) de nombre....este......¡¡diantres!!, ¿cuál era el nombre?, ¿Comic Stores?....bueno, el caso es que fue en dicha tienda, situada, y de eso si me acuerdo, en el Paseo de los Tilos, donde me encontré con este trabajo de Raule y Roger, los autores de la genial Jazz Maynard. Teniendo en cuenta que no sabía que ambos hubieran publicado algo antes de la serie de tres álbumes que tantos reconocimientos acaparó el pasado año, la sorpresa de dar con este tomo editado por Diábolo fue aún mayor, aunque no del calibre de la que me iría llevando conforme agotaba las historias que en él vienen recogidas.

Desesperanza, amargura, soledad, ausencias, dolor, desamor, recuerdos, melancolía...todos estos sustantivos son aquellos en los que la pareja de artistas se basan para construir las doce historias que recoge Vidas a Contraluz, y que no hacen más que reforzar la sólida imagen que de ellos me había llevado con su Jazz Maynard. A lo largo de los relatos (que quedan agrupados bajo lemas temáticos como Amores Muertos o Cabos Sueltos) los autores dan rienda suelta a su magistral forma de agarrar al lector y pellizcarle el corazón para dejarlo así durante el tiempo que aquél mantenga el volumen en sus manos. Y lo consiguen gracias a una forma de narrar que huye de artificios falsos y vacuos para buscar de forma continua la mayor naturalidad posible, provocando así una reacción inmediata en el lector que no se habría dado de otra manera.

Preñados de sentimientos, los doce relatos de Vidas a Contraluz dan la opción a Raule para que se luzca a placer con varios estilos diferentes que, sin renunciar en ningún momento a la clara influencia que Adam Hughes ha tenido sobre su trazo, exploran de manera singular otras opciones, siendo las más significativas de ellas aquellas que hacen mención a los recuerdos, por cuanto son las que más se alejan (sin perder su identidad, eso sí) del dibujo habitual que le hemos visto al artista, dejándose este seducir por las posibilidades de una paleta de colores que sólo maneja la bicromía. El resultado, tanto a nivel visual como general, es de una calidad incuestionable que deja a ambos autores en más alta estima si cabe de la que ya los tenía.

Sergio Benítez (337)

¡¡¡FELIZ NAVIDAD!!!

Pues eso queridos lectores, que Muy Felices Fiestas de parte de todo el equipo de Lecturas reCOMICdadas y avisaros que, aprovechando las festividades que se nos echan encima, el blog colgará el cartel de cerrado por vacaciones los días 24, 25, 31, 1, 5 y 6.

'Nuff Said!!!

La SEMANA MÁS LARGA

Guión: JAN

Dibujo: JAN

Editorial: Ediciones B

Formato: Varios

Precio: Varios

Calificación: 10/10

Como ya os comenté en mi anterior recomicdación del superhéroe español, el álbum que hoy reseño es mi favorito, lo que justifíca el diez como una catedral que le he colocado, y que haya decidido dedicarle una reseña a él solito, como creo que se merece.

¿Y que hace tan especial este álbum de Súper López que no tenían los anteriores? Pues básicamente, y como ocurre con todos los cómics que merecen la pena, la historia. En esta ocasión, tenemos por un lado al doctor Escariano Avieso, que ha diseñado una rayo capaz de abrir agujeros en la materia sólida que toca, con el que pretende, abriendo un agujero en la azotea del edificio, entrar en el banco situado en el bajo, y así poder robar tranquilamente. Sin embargo, un error de cálculo hará que el agujero termine haciéndose en el edificio de nuestro querido López, donde en lugar de un banco, hay un colmado situado en el bajo.

Por otro lado, la gente comenzara a sospechar que el autor de estos agujeros no es otro que Súper López, porque solo una persona de su fuerza sería capaz de hacer algo así. Y para terminar, las eternas sospechas de Jaime sobre la doble identidad de López puede que den aquí su fruto, ya que decide exponerlo delante de toda la oficina (no tiene desperdicio la forma en la que López consigue engañar a Jaime y dejar así a salvo su identidad secreta).

Las tramas de este álbum se verán completadas por varios gags realmente antológicos, muchos de los cuales se convertirían desde entonces en marca de la casa, y seguirían repitiéndose a lo largo de muchos años. Entre ellos, mi chiste favorito, esa imagen de López, medio dormido todavía, apoyado frente al taquillero del metro, pidiendo café con leche y un croissant. Esta imagen volvería en todas las variantes posibles, hasta el punto de pedirle el famosísimo billete para Masnou (ida y vuelta) al camarero del bar.

Pero no será el único gag recurrente en el álbum, ya que seremos testigos de cómo López termina cayendo por el agujero que ha hecho el Rayo Escariante cada mañana, y cómo los vecinos le llevan la cuenta de las caídas, le dan los buenos días al pasar, o termina en el colmado, solicitando al dueño que le instale un colchón que amortigüe la caída, o la mosca que no dejara descansar a nuestro héroe (de resolución sencillamente genial), provocando esa semana a la que hace referencia el titulo.

Otro recurso que empezaría a convertirse en recurrente es la ruptura de la famosa cuarta pared, que separa personajes y lectores, primero mediante la complicidad del autor con los textos de apoyo utilizados, y luego mediante conversaciones de Súper López con los lectores cuando, harto de que su día a día no mejore, les pida que le dejen tranquilo, o que se compren otro tebeo. JAN, genial como siempre, aprovecha aquí para realizar un cameo del Supergrupo, dotar al personaje de su propio refugio ártico, Villa Soledad, al más puro estilo de Superman, y hacer una genial incorporación a la lista de secundarios, el Inspector Hólmez, que aparecería ya en los siguientes álbumes de forma casi obligada, cada vez que las fuerzas del orden eran requeridas.

Para esta ocasión, JAN aprovecha la publicacion episódica de la obra para asignar a cada uno de los capítulos un día de a semana en cuestión, y dar una coherencia a la obra bastante conseguida, de forma que disfrutemos de una pequeña trama "diaria”, sin perder de vista que se trata de una sola historia de mayor extensión. Y es que si hay una historia de Súper López que no podemos dejar escapar es esta, y más aún si tenemos en cuenta que en su edición actual, solo puede adquirirse en un tomo junto con otras maravillas como Los Cabecicubos o La Gran Superproducción pero eso, amigos, lo dejo para otra tarde.

Jose (28)

DAREDEVIL: CRUEL and UNUSUAL, LADY BULLSEYE & RETURN of the KING

Guión: Ed Brubaker & Greg Rucka

Dibujo: Lark, Gaudiano & VVAA

Editorial: Marvel

Formato: TPB. 120-152 Páginas

Precio: $14.99 - $17.99

Calificación: 8/10

Varios meses han pasado desde que habláramos por aquí por última vez de la serie regular del superhéroe ciego. Y si por aquél entonces dedicábamos nuestras líneas a hacer un repaso más o menos exhaustivo de lo que la serie había ofrecido desde que Brubaker tomara el mando de los guiones, parece justo que ahora que el guionista ya no está, hagamos lo propio con la recta final de su corta pero intensa estancia en la serie del cuernecitos, una estancia en la que, sin llegar a las cotas de Bendis, el guionista ha marcado una vez más estilo y ha sabido finalizar por todo lo grande, con un clímax que a más de uno dejará con la boca abierta. Pero no nos adelantemos...

Después de los acontecimientos que se desgranaban en el arco argumental previo (Hell to Pay), en el que Matt/Daredevil era arrastrado al borde de un precipio anímico por obra y gracia de Mr.Fear, Brubaker comienza con el primer volumen, ese Cruel and Unusual, a sembrar el terreno para lo que será el número 500, en el que la serie recuperará su numeración original (¿en serio hacía falta?). Como arco de transición, los seis números que componen el volumen funcionan a la perfección, tanto a nivel visual, con un Lark sobresaliente, como narrativo, planteando Brubaker y Rucka una excusa argumental que les servirá a la perfección para lograr un simple objetivo, que Matt vuelva a enfocar sus iras y deje de dar palos de ciego emocionales.

Trascendida esta primera fase, el número 110, primero de los incluidos en Lady Bullseye, no presenta a esta violenta y aguerrida mujer oriental que tiene como modelo al carismático y eterno villano de Daredevil. Pero, al contrario que este, que siempre ha sido definido como un psicópata con pocos objetivos más allá de acabar con la vida de nuestro héroe, Lady Bullseye, miembro de la temida Mano, si que guarda más de un as en la manga a la hora de provocar al protagonista. Al tiempo que el héroe ciego intenta esclarecer lo que está ocurriendo (tanto en su vida de superhéroe como en su vida normal, vapuleada constantemente) otros personajes comienzan a hacer su aparición, algunos conocidos por los más veteranos (Lady Tiger o Black Tarantula), otros de nuevo acuño como el Maestro Izo, un vejete ciego y borrachín experto en artes marciales (¿alguien ha dicho Stick?), que jugará un papel fundamental en el tramo final de la estancia de Brubaker.

Con Lark alternándose con Gaudiano (ambos de estilo y resultados parecidos), llegamos a los últimos seis números de la etapa, recogidos bajo el título Return of the King. Pocas explicaciones hacen falta a tan explícito encabezado: Wilson Fisk está de vuelta y viene con un arriesgado plan bajo el brazo, acabar con la Mano. Tan ambicioso proyecto necesitará de la ayuda de un Daredevil que se acerca vertiginosamente a un destino que dejará a todos los lectores del personaje patidifusos. Nunca antes un guionista se había atrevido a un giro tan arriesgado con el vigilante invidente, y la verdad es que es una pena que no vaya a ser el propio Brubaker el que nos narre cómo se desarrolla ese finalazo con el que cierra un prolongado número 500. Mirando atrás, su etapa ha sido de lo mejor que se ha podido leer en Marvel en los últimos años. Sí, ha habido cierta descompresión narrativa, pero para nada tan acusada como la que el escritor ha venido demostrando en la serie del Capi.

Ahora se plantea un futuro incierto: cansado como estoy de tanto pijamismo sin rumbo, sin orden y con muy poco concierto, la duda que me queda es si le daré una oportunidad al nuevo equipo creativo formado por Andy Diggle y Billy Tan, o si por el contrario permaneceré firme en mi posición y dejaré de comprar una serie que me ha acompañado de forma continua desde hace once años.

Sólo el tiempo tiene la respuesta...

Sergio Benítez (336)

Los SIETE OSOS ENANOS

Guión y Dibujo: Émile Bravo

Editorial: SM

Formato: Cartoné. 32 Pag.

Precio: 8.5€

Calificación: 8/10

Si allá por noviembre comenzábamos el mes recomicdando una obra obviamente dirigida al público más infantil, no tengo más remedio que repetir de nuevo en el género. Es más, os aseguro que volveremos a él más adelante. Ya sabréis el por qué conforme avance la recomicdación de hoy.

Si hubo un álbum especialmente destacado durante el mes de octubre, ése fue Diario de un Ingenuo que supuso el descubrimiento para muchos de su autor, Émile Bravo. Aunque también es verdad que muchos de nosotros ya sabíamos de él como ilustrador de ésa emotiva historia llamada Mi Mamá Está en América y ha Conocido a Búfalo Bill. Pero resulta que éstas no son las únicas obras aparecidas de éste autor por nuestros lares. La editorial SM ha publicado un par de libros protagonizados por siete osos enanos, además de Los defectos del futuro editado por Brosquil. Y como en mi visita a mi librería habitual sólo pude encontrar el primero de los osos (aunque he dejado encargados los otros dos), pues de éste os hablaré. Además de haberos resuelto ya el misterio de por qué volveremos al género en un futuro.

Lo primero que hay que tener en cuenta es que se trata de un cómic infantil lujosamente editado con sus tapicas duras, de formato apaisado y escaso número de páginas. Esto para el lector medio de tebeos lo transforma en una tomadura de pelo, pero como consumidor habitual de éste tipo de literatura para mi retoño debo confesaros que éstos precios, formatos y cantidades de páginas suelen estar al orden del día, por lo que no desentona demasiado con otros productos de similares características destinados a la infancia. Es más, para aumentar vuestra ira os diré que perfectamente se podría maquetar en tamaño album, colocando una página bajo la otra, dando como resultado un tomo justo con la mitad de duración ¿Conclusión? que para el consumidor habitual de viñetas es un verdadero robo.

Pero claro, luego empezamos a leerlo... ¡y es una delicia! Los simpaticones dibujos de Bravo le vienen como anillo al dedo a ésta maravillosa historia protagonizada por siete enanos mineros. Pero no son enanos humanos, son osos. Y al llegar un día a casa descubren que ¡¡una giganta ha ocupado sus camas!!, por lo que deciden llamar a un matagigantes, además de aparecer un especialista en control de plagas con su flauta, un cerdo constructor y... Bueno, ya os hacéis una idea.

Bravo toma varios detalles perfectamente reconocibles de muchos cuentos infantiles, los junta en una historia divertidísima dejándonos una pincelada de cada uno de ellos lo suficientemente representativa como para que sepamos de cuál se trata en cada ocasión y les da a cada uno su personal enfoque. El resultado es una verdadera maravilla tanto para adultos como retoños.

Supongo que igual sólo lo adquirís los completistas del autor, los curiosones o los que tengáis descendencia. Al resto os invito a leerlo en vuestra librería aunque no los compréis (aunque reconozco que ésto no se debería de hacer). No os llevará más de tres minutos y lo pasaréis francamente bien.

Saludos!

Nacho (30)

STRATOS

Guión: Miguelanxo Prado

Dibujo: Miguelanxo Prado

Editorial: Norma

Formato: Álbum Cartoné. 64 Páginas

Precio: 12€

Calificación: 8.5/10

Si hay un estilo (¿o quizás sería mejor llamarla corriente?) dentro de la ciencia-ficción que siempre ha llamado poderosamente mi atención es el de la anticipación, áquel que , como su nombre indica, tiende a predecir cómo será el mundo del futuro. Novelas como De la Tierra a la Luna, Un Mundo Feliz o Fahrenheit 451, o filmes como Metrópolis, Minority Report o la injustamente vilipendiada Yo, Robot son sólo algunos ejemplos de las muchas piezas literarias y cinematográficas que se enmarcan dentro de esta suerte de sub-género. El mundo del cómic no ha sido ajeno a él, y muchas son las obras que de un modo u otro pueden adscribirse a la anticipación, desde las magistrales El Eternauta (sobre todo si eliminamos ciertos detalles más fantásticos), Akira o Watchmen, hasta las fascinantes Flash Gordon, IAN o La Leyenda de Madre Sarah, por citar algunos ejemplos a vuelapluma. Y a todos ellos (y todo los que inevitablemente no he citado) viene a unirse Stratos, tercera de las lecturas que le hago a Miguelanxo Prado y la que probablemente más me ha sorprendido del autor español hasta el momento.

Estructurada en relatos cortos aparentemente independientes que aparecieron por primera vez publicados en Zona 84, Stratos sirve a Prado para situar al lector en un futuro distópico en el que muchas de las libertades que hoy aceptamos como naturales han sido suprimidas (por ejemplo el tener niños, recordando a aquella cinta de Michael Winterbottom llamada Código 46). En este panorama, y por mor de un trazo virtuoso, preñado en detalles y en el que la tinta se imbrica en varias capas para crear un dibujo asombroso y que nada tiene que ver con los que habíamos visto en Trazo de Tiza o Tangencias, Prado va insinuando a través de los relatos la deshumanización a la que ha llevado la tecnología y el poder absoluto de las corporaciones.

Poseido por una fuerte melancolía y un descorazonador nihilismo, el autor coruñés saca a relucir lo peor de la naturaleza humana para que, en ese realismo descarnado, el lector deba reconocerse a si mismo (o al menos a parte de él) y confronte los demonios que tan bien definidos quedan a través de expresiones tales como falta de escrúpulos, avaricia, ambición, ausencia de fe, soledad, apatía, carencia afectiva, amoralidad, arrepentimiento, inmoralidad, deshonestidad...y muchas otras más con las que Prado deja muy claro que el espíritu humano es capaz de lo mejor siempre y cuando su rumbo se mantenga firme y no se le influya exteriormente de forma feroz para lograr lo contrario. Con un final en el que comienza dejando entrever una ventana a la esperanza para luego dar un mazazo definitivo al ánimo del que se encuentra al otro lado del papel, Stratos certifica además su adhesión a la anticipación con algún que otro postulado de rabiosa actualidad, confirmando que el artista español además de brillante autor de cómics, tenía algo de profeta allá por los ochenta.

Sergio Benítez (335)

FROM HELL

Guión: Alan Moore

Dibujo: Eddie Campbell

Editorial: Planeta DeAgostini

Formato: Libro Cartoné. 624 Páginas

Precio: 23.95€

Calificación: O.M

Hay ciertos personajes y ciertas historias que por sórdidas y truculentas que resulten despiertan una curiosidad malsana en nosotros. Claro ejemplo de esto es el mito o leyenda urbana o persona real, llámenlo como quieran, de Jack el Destripador. Cómo despierta esa curiosidad en cada individuo es bastante personal. Para el aquí firmante todo comenzó con una película hecha para televisión protagonizada por Michael Caine y dirigida por David Wickes que visioné hace ya algunos añitos. Más de tres horas de metraje para intentar arrojar algo de luz al caso de las prostitutas asesinadas de manera brutal en Whitechapel.

¿Logró el director lo que se propuso? Pues en igual medida que la obra de Moore y Campbell satisface el ansia del lector sobre tanto misterio. Porque una cosa está clara, la obra From Hell podrá gustar más o menos, ser considerada una obra maestra o un tostón de proporciones épicas, pero si hay algo que se puede afirmar sin lugar a equivocarnos es que es una versión (más) de los hechos acontecidos durante el siglo XIX en la Inglaterra Victoriana. ¿Es la narración definitiva de los acontecimientos? ¿Realmente ocurrió todo como se detalla en From Hell?

Si Alan Moore es considerado como uno de los mejores guionistas de comics de todos los tiempos es por algo. La genialidad del melenudo escritor queda patente a lo largo de las más de seiscientas páginas, apéndices incluidos, de narración oscura, densa y de ritmo milimétricamente planeado. Pero si hay algo que resaltar de esta voluminosa obra es el segundo apéndice. Unas veinticuatro páginas que bajo el título de “Dance of the Gull Catchers” aporta otras versiones de los hechos. Otros posibles asesinos. Otros posibles motivos distintos a los desarrollados en las anteriores seiscientas páginas. Si no eres Moore no intentes hacer esto en casa. Él mismo pone en entredicho su propia versión de los hechos.

El asesino de Moore resulta ser William Gull, que nadie se eche las manos a la cabeza porque esto se sabe en las primeras páginas de la obra, médico personal de la Reina Victoria y fuertemente arraigado a la masonería. Lo que aparentemente es un intento por parte de la Reina para poner fin a un desliz amoroso real evoluciona hasta convertir a Gull en una máquina movida tan solo por rituales e ideas masónicas. Cada acto, cada movimiento y cada situación esconden detrás algo más. Algo que solo el doctor parece percibir.

La documentación que From Hell atesora en sus páginas resulta inabarcable con tan solo una o dos lecturas de la obra. Moore siempre ha sido considerado un guionista muy metódico y minusioso en sus obras y en ésta nos encontramos con un abanico de personajes y situaciones sacadas directamente de periódicos y manuales de la época. Una pequeña muestra de este detallismo enfermizo se puede encontrar en el capítulo cuatro en el que Gull y su fiel “escudero” Netley hacen un recorrido turístico por la ciudad de Londres y la fascinante verdad que esconden los monumentos visitados.

Quizás la parte más criticada sea la representada por Eddie Campbell. El adjetivo feista que acompaña siempre al estilo de este magnífico dibujante se torna en su mejor arma a la hora de plasmar las palabras de Moore. Una tarea titánica para cualquier mercenario de la tinta y que, posiblemente, suponga el mejor trabajo de Campbell en toda su carrera, al menos el que más prestigio y notoriedad le pueda suponer. Su estilo sucio y, aparentemente, apresurado es el guante que buscaba Moore para su obra.

Obra que supuso en el año 1991 y hasta 1998 el retorno por la puerta grande del genio inglés. Una obra no recomendada para todos los públicos, dura, despiadada y realista de la que, como todas las obras maestras, se pueden sacar múltiples conclusiones de cada nueva lectura. Lectura que se hace imprescindible acometer cuantas más veces mejor.

Marione (2ª Época#16)

TEMPESTAD COLOR CEREZA

Guión: Ai Yazawa

Dibujo: Ai Yazawa

Editorial: Planeta DeAgostini

Formato: Libro Rústica. 192 Páginas

Precio: 6.95€

Calificación: 5.75/10

Después de comentar varias de las obras de mi autor favorito de shonen (manga para chicos), Akira Toriyama, hoy empezaré con una obra de mi autora favorita de shojo (manga para chicas) Ai Yazawa: Tempestad Color Cereza. Para quien no lo sepa el shojo suelen ser historias románticas protagonizadas normalmente por adolescentes.

Tomo editado para el último Salón del Manga de Barcelona, esta Tempestad... reúne dos historias de la autora: la primera (por la cual toma titulo el tomo con dos capítulos) se centra en un triángulo amoroso entre dos hermanos jugadores de béisbol y una amiga de la infancia, y la segunda es secuela de un manga anterior de la autora (Marine Blue No Kaze Ni Dakarete, El Abrazo del Viento Azul Marino) centrada en uno de sus protagonistas y su relación con una chavala que la admira y le adora pero él no se da cuenta.

Nunca he sido muy fan (más bien nada) del manga shojo ya que la mayoría de las obras que he leído me han parecido similares en cuanto a historia y dibujo, además de ser bastante ñoñas. Pero hace tiempo pude leer el primer tomo de Paradise Kiss gracias a la biblioteca de mi ciudad y me enamoré de esta autora. Yazawa crea a sus personajes poco a poco, y en esta tesitura les va dando personalidad, una vida, un entorno, etc, mientras va posicionando todas las piezas del juego (como si de un ajedrez se tratara) para cuando sea el momento preciso mover cierta ficha y que acabe afectando a todos los protagonistas de sus historias. Una de las cosas que más me fascinan de sus obras es como mezcla drama y humor. Sus personajes van soltando coñas y tonterías y de repente algo pasa y se vuelve dramático. O viceversa.

Centrándonos en este tomo nos encontramos con varias diferencias entre él y sus últimas obras como la citada Paradise Kiss o Nana (la cual podría llamarse su Dragon Ball, ya que ha sido la que la ha lanzado al estrellato...y ha acabado estellandose la pobre, pero ese es tema para otro día) y es que las comparaciones son odiosas, ya que las historias que podemos encontrar en este tomo tienen sus años (más de quince) y se nota bastante en la calidad del dibujo, siendo la historia de los hermanos más parecida a un shojo manga del montón aunque en la segunda historia, el dibujo se va pareciendo más al actual, mostrándonos detalles típicos de la autora. Pero aún le queda camino.

Centrándonos en los argumentos cabe destacar, como he comentado anteriormente, el tratamiento de los personajes, seña de Yazawa, aunque al ser historias cortas no se puede explayar tanto como seguramente querría (pero vamos, que siendo sinceros tampoco hay tanto de donde sacar).

Como primera introducción al universo del manga shojo en general y de Ai Yazawa en particular no está mal, pero hay obras bastante mejores que esta. La recomendaría sobre todo a fans de la autora o simplemente a alguien que quiera hacer un regalo a alguna chica/mujer a quien se quiera introducir en el mundillo.

P.D. A los hombres también nos gustan los dramones.

Sebastián (8)

KRAKEN Integral

Guión: Antonio Segura

Dibujo: Jordi Bernet

Editorial: Glénat

Formato: Álbum Cartoné. 176 Páginas

Precio: 17.95€

Calificación: 8.5/10

Semiabierta gracias a la lectura de Light & Bold, la caja de Pandora de los trabajos de Jordi Bernet quedaba totalmente expuesta tras consumir con avidez el Historias Negras que Toni dejaba en tan alta posición con su recomicdación: el humor negro de Trillo unido a el soberbio trabajo del dibujante catalán no dejaban sombra de duda acerca de lo que estaba por llegar; la compra de todo trabajo que se pusiera a tiro de tan genial artista, a sabiendas de que iba a haber alguno cuya localización y adquisición no resultaría nada fácil. Afortunadamente, Kraken no era de esos.

Publicado primero en la desaparecida y breve revista Metropol (en la que también aparecieron las primeras historias del Morgan de Segura y Ortiz o uno de los relatos de Romances de Andar por Casa de Giménez) y pasando después a Zona 84, la edición de Kraken de que disponemos hoy en día es la integral de Glénat que, como va a ser habitual cuando nos refiramos a Bernet, es publicada en (glorioso) blanco y negro. Del arte del dibujante no se pueden decir cosas muy diferentes a las que Toni recogía en su recomicdación de Historias Negras o a lo que un servidor ya comentaba en Light & Bold: dueño y señor del mundo de las luces y sombras, narrador consumado, brillante caracterizador de sus personajes, artista con mayúsculas cuando se trata de definir a tipos duros y mujeres imposibles, Bernet realiza en Kraken un trabajo SOBRESALIENTE en el que no resulta complicado apercibirse de los hediendos olores que rezuman las redes de alcantarillado donde se desarrolla la acción, un sub-mundo al que el artista dota de realismo vivo y palpitante.

A los guiones, un Antonio Segura (del que vais a ver mucho a partir de ahora por esta bitácora) digno heredero de Lovecraft a la hora de desdibujar a esa amenaza continua que es el Kraken para utilizar su presencia como catalizador de lo peor que el ser humano puede ofrecer. Situando la acción en una urbe dantesca de la que pocas veces llegamos a ver algo por encima del nivel del asfalto, Segura nos ofrece un panorama desolador de la especie dominante de nuestro planeta, sacando a relucir en las páginas del volumen todo lo malo del hombre: su ambición ilimitada, sus deseos más primitivos, sus ansias de poder, la locura que acompaña a los asesinos más despiadados...y, en medio de todo ello, nos presenta al antihéroe que tanto le gustaba escribir (y que tenía su epítome en ese Hombre que definió junto a José Ortiz), un cabronazo llamado Dante que, como el mítico escritor, no es que realice un descenso a los infiernos, es que vive de forma perpetua en uno de ellos, el de la putrefacción humana. Cada relato corto de los muchos que componen el tomo sirve al guionista para dar una nueva y oscura pincelada a esos miles de kilómetros que abarcan las cloacas, concretando en el conjunto una mirada turbia y gris de esas que le agarran a uno por las gónadas y no le sueltan hasta que ha pasado la última página.

Sergio Benítez (334)

HITLER

Guión: Shigeru Mizuki

Dibujo: Shigeru Mizuki

Editorial: Glénat

Formato: Libro Rústica. 282 Páginas

Precio: 12€

Calificación: 7/10

Grande fue mi alborozo cuando me enteré de la publicación de este Hitler, La Novela Gráfica, de Shigeru Mizuki. Aún no sabiendo nada del autor, toda publicación referente a ese ominoso pasaje de la historia que abarca desde la 1ª Guerra Mundial hasta el fin de la segunda me apasiona. Y siendo ese el caso, un tebeo manga concerniente a ese despreciable e infame ser llamado Hitler tenía visos de acaparar todo mi interés.

Ya con el cómic en la mano, me sorprende ver que el autor nacido en 1922, reconoce que a sus dieciocho años la figura de Hitler le fascinaba, y como a él, a muchos jóvenes japoneses de la época (llego a pensar en dejarse bigotillo pero no le salía aún). Alistado en el ejercito imperialista y pronazi japones, lucho contra los americanos y en una de estas lizas perdió el brazo derecho, cosa que le hizo tener que aprender a valerse con el izquierdo, dibujar inclusive, claro está.

Con estos mimbres previos asistimos en doscientas setenta y cinco páginas a cómo desgrana la vida de Hitler desde que era un estudiante de bellas artes, falto de talento, pasando por su época de mitinero galvanizador de masas en las cervecerías de Munich hasta sus últimos días. A la manera de las grandes biografías, Mizuki va desvelando aspectos que jalonan la lectura haciéndola rica y fluida, en ella vemos detalles que yo no conocía como el supuesto origen de su bigotillo de cepillo de dientes o el suicidio de su sobrina y la relación que con ella tuvo. El autor se centra sobre todo en todo el camino que recorrió hasta su llegada al poder, presentándonos matices y detalles de todos los personajes como Mussolini, Hess, Rohm, Von Hinderburg y un sinfín más que apenas conocía y enriquecen sobremanera la lectura de este Hitler que, más que la novela gráfica, debería haberse llamado la biografía gráfica.

Mizuki nos va mostrando al personaje con bastante fidelidad (fidelidad que tomo como rigurosa sabiendo de Hitler después de todo lo que se ha dicho y escrito de él), ya que nos dibuja a alguien mediocre y bastante ruin, que con una oratoria hipnotizante que hacía que cualquier alemán se sintiera como si hubiera tomado una copa después de oírle hablar, y aprovechando esa coyuntura de la Alemania de la República de Weimar, carcomida por la inflación, la degradación y las funestas consecuencias de la 1ª Guerra Mundial, llego a ser la autentica reencarnación del mal en la tierra.

En cuanto al dibujo, la primera impresión es que es poca cosa, un dibujo poco cuidado, casi todos los personajes son caricaturescos, un poco cabezones y se suelen mover en viñetas de fondos realistas, con algún que otro mapa explicativo de la situación en ese momento. A decir verdad, este tipo de dibujo hace quitar dramatismo y emotividad a la historia en pos de una narración fluida, y aquí esta lo bueno del tebeo, más que leerlo se devora, recuerden que son casi trescientas hojas. Lo dicho, si te interesa el tema, un comic muy recomendable; es más me atrevería a decir que el punto de vista mangaka de este estilo concreto lo hace más aconsejable e interesante aún.

Toni (16)